Sur mes pas (virtuels) avec le Cirque Éloize: Enchanté et emporté par mes "Sept moments de joie" !

 "Pisté" par Ivanie Aubin-Malo (un.e des chorégraphes invité.es), la proposition du Cirque Éloize ne se refusait pas. Par conséquent, c'est avec mon billet virtuel que j'ai pris place devant mon écran pour découvrir leurs "Sept moments de joie" qui sont devenus mes sept moments de joie ! Bien décrits par les organisateurs, ce moment de rencontre, "est une incursion dans l’esprit de 7 chorégraphes aux univers très différents, un regard intime posé sur leur humanité commune". Cette humanité m'a rejoint par delà mon confinement tout au long de mon visionnement. 

C'est Jeannot Painchaud, "grand patron" du Cirque Éloize qui nous accueille en début de visionnement. De ses mots d'accueil, j'en retiens deux expressions, "le temps suspendu" et "un peu de tendresse". Expressions, qui vous l'avouerez, sont fort bien appropriées en ces temps incertains !

Chaque moment de joie qui suivra est précédé par une présentation fort intéressante par la ou le chorégraphe. Le tout débute avec "Fine ligne" de Virginie Brunelle avec Isabelle Arcand, Angelica Bongiovonni et Milan Panet-Gigon, accompagné.es par le Quatuor Molinari qui explore fort bien les "oppositions dans le between". Dès le début, je suis happé par cet amalgame musique et mouvements, comme me le propose toujours si bien la chorégraphe. J'y verrai l'envol, les corps suspendus comme le temps actuel et ce territoire dont on veut s'échapper mais auquel nous revenons sans cesse, en gestes effrénés ! Un moment fort de ma "soirée" !

Il s'en suit une proposition d'un chorégraphe que je ne connaissais pas, Christian Garmatter qui fait dans le breakdance. Avec "Slick", il veut faire "bigger" avec un amalgame de moderne et de nostalgique avec son sept minutes, portées par Samuel "Mass" Cyr, Samuel "Samsung" Nadai, Jorge Petit et Marie-Ève Quilicot. En entrée de jeu, c'est le son de ces pas qui claquent et qui captivent jusqu'à cette autre époque empreinte de modernisme et de jonglerie. Et puis, sans crier gare, les mouvements se transforment dans une coloration toute moderne et dynamique !

Et cette balle lancée ira jusqu'à Claudia Chan Tak qui nous présente les prémisses créatifs de ses ravissements de l'amour qui trouve le fil créateur entre le violence et la beauté avec "Ravissements 42-45". La fulgurance multicolore que peut nous réserver la rencontre amoureuse, avec ses hauts et ses bas, ses transformations aussi ! Voilà ce que je découvrirai avant et pendant les déplacements de David Ayotte et Naomie Vogt-Roby sur leurs mâts chinois avec une finale toute hollywoodienne et fort belle en ombres chinoises !

Et cette plume venant d'en haut de ces mâts chinois sera captée par Axelle Munezero qui nous propose une oeuvre, "Souffle" qui nous montre le chemin sombre vers la lumière. En utilisant le waaking (Jessica Gauthier et Maude Laurin) et la magnifique manipulation des cerceaux par Tuedon Ariri, nous sommes enjôlés par les mouvements circulaires et les rotations des corps. Le tout enveloppé musicalement par ma chanson coup de coeur, "Shabrang, interprétée par Sevdaliza. Débutant dans l'ombre, j'y vois l'évolution de ces papillons de nuit qui tournent autour de la lumière pour la libérer dans la finale de toute contrainte.

Ces papillons se retrouveront au pied d'Ivanie Aubin-Malo qui nous présente, "Yalapasicik" une oeuvre qui fera cohabiter le monde des esprits et le monde réel dont la frontière poreuse est représentée par une draperie en frange. Ainsi donc, incarnées par Catherine Dagenais-Savard et Kenann Komaksiutiksak, les différentes relations entre ces deux mondes nous sont proposées. Le tout est portée par une musique  de Kizis qui rehausse la nature des ressentis de cet homme et de l'esprit qui rôde autour de lui jusqu'à leur envolée conjointe ou que l'un rejoigne l'autre !

Edgar Zendejas sort de l'ombre jusqu'à nous et nous parle de sa création, "Ojas", dans des termes qui font grand bien à entendre. De ce quatuor sur scène, Sara Harton (danse), Arthur Morel Van Hyfte (trapèze-danse), Guillaume Paquin (corde lisse) et Oscar Coyoli (au chant et à la guitare), j'y vois des relations complexes, improbables aussi avec une finale qui porte tout en haut.

Jusqu'au prochain créateur, Manuel Roque qui nous présente sa proposition qui se veut, de ma perspective, un pied de nez à la notion du temps. Et puisqu'il ne veut pas imposer de sens pour "Furie", j'y ai trouvé le mien ! C'est donc en suivant cette femme (Valérie Doucet) qui explore en toute légèreté (gracieuseté de l'effet de ralenti !) tout l'espace qui lui est offert et quand cet espace se fait trop restreint, elle ouvre une porte pour en trouver un autre et puis, tout sourire, un dernier qui n'a pas de limites. Une oeuvre exutoire en ce temps de confinement qui nous permet, par procuration, de vivre un moment de pure libération, un moment de joie, sans artifices, sinon les mouvements et le sourire de cette femme.

Voilà une proposition du Cirque Éloize avec Lilli Marcotte à la réalisation et Benoit Landry à la mise en scène qui a su bien mettre dans le creuset de la création la danse contemporaine, les arts du cirque et la musique pour me proposer "Sept moments de joie", dont j'ai bien pu apprécier !

Retour sur mes pas (virtuels) avec le "Cru d'automne" des étudiant.es de 3e année de l'École de Danse Contemporaine de Montréal

 Avec ce "Cru d'automne", je complétais ma tournée (virtuelle !) de fin d'année qui m'a permis de découvrir les performances des étudiant.es du département de danse de l'UQAM et de l'École de Danse Contemporaine de Montréal. Je n'oublie pas une proposition de l'UQAM (la gang de troisième année) qui sera présentée en janvier. Mais pour l'heure, portons le regard sur ce programme triple des étudiant.es de troisième année de l'ECDM. Avec une voix remplie de fierté et d'émotions fort palpables, madame Lucie Boissinot, directrice artistique nous présente le programme de la soirée. Le tout débute avec "Terpsichore" de James Viveiros, qui sera suivi par "Where to put my wild wild vibrations" de Riley Sims pour se terminer par "Chaînons manqués" de Charles Brecard.

Un programme de près de deux heures qui j'ai écouté en différé. Ce qui m'a permis de le revoir et qui m'a consolidé dans mon impression que les trois propositions avaient une filiation logique parce qu'elles me semblaient les trois chapitres successifs d'une même histoire. 

En entrée de jeu, "Terpsichore" (muse de la danse dans la mythologie grecque et aussi connue comme la mère des sirènes), me propose six personnages habillés de façon identiques qui semblent venir d'une faille lumineuse tout au fond de l'océan et qui viennent "éclairer" un (notre ?) monde tout sombre. Ces êtres dans le noir, ils rayonnent, me montrant à tour de rôle que le seul et le ensemble peuvent cohabiter. Leurs gestes dégagent une texture "toute aquatique" qui montrent aussi des remontées à la surface lorsque ces personnages abaissent leur masque, question de reprendre leur souffle. Je les suis donc attentivement jusqu'à leur libération. Merci Pauline Ansquer, Justine Dagenais-de Montigny, Lauren Fisher, Rose Gagnol, Alexandre LeBlanc et Aaricia Laperrière Roy, vous m'avez amené à bon port.

Avec "Where to put my wild wild vibrations", je me retrouve "sur la terre ferme" à notre époque, riche de ces caméras, avec six autres personnages, tout différemment habillés, symboles forts de l'individualité ambiante de notre époque. Et je ressens très bien ce que le programme de la soirée m'indique "Des fois, j'me sens comme un volcan. J'veux tout, j'le veux maintenant. J'veux que ça arrive tout d'suite." Nous les voyons bien faire face à la menace, eux jeunes sacrifiés au son de ces cloches qui résonnent inlassablement. Le temps compte et tout le montre, leurs gestes, leur fébrilité, leurs paroles, leurs expressions, tout comme la trame musicale. Une oeuvre très cinématographique et théâtrale. Merci Lou Amselem, Sophie Fekete, Adèle Garnier de Boisgrollier, Anny Gauthier, Mathieu Hérard et Nikita Peruzzini pour ce bout de chemin vers l'affirmation.

Le tout se termine avec "Chaînons manqués", où je me retrouve dans un monde futur, la menace passée. Les cinq personnages sont habillés de façon similaire, signe pour moi de solidarité. Ils prennent possession des lieux et collaborent pour trouver un langage commun. Leurs mouvements sont fort éloquents et bien beaux à regarder, surtout ces rotations de corps et aussi ceux des bras. Il y aura bien des difficultés à aller de l'avant et la conclusion montre bien qu'il faut continuer à faire front et à revendiquer. Merci Élisa Barrat, Sabrina Dupuis, Klaudy Gardner, Evelynn Yan, et Ernesto Quesada Perez (avec une bonne pensée pour Gabrielle Kachan blessée) de nous avoir montré le chemin et ses écueils.

Je dois quand même avouer que j'aurais tellement apprécié voir ces oeuvres en personne, immergé dans cette histoire qui m'a fait voyager dans le temps et les époques portée avec des jeunes fort talentueux. Il en reste que la captation a réussi à me garder bien assis sur mon siège. En cette fin d'année, je ne peux que souhaiter que chacune et chacun puissent trouver une place au soleil sur nos scènes, malgré les temps difficiles qui sont et qui seront peut-être encore pour un certain temps les nôtres !

Sur mes pas (virtuels) en danse: Un "Décalage vers le rouge" qui promet !

J'ai été informé par une amie de la présentation des premiers pas d'une proposition en développement, soit "Décalage vers le rouge" de Chloé Bourdages-Roy et je m'y suis dirigé virtuellement ! Pour cette présentation, j'ai d'abord eu droit, après les présentation d'usage, à quatre extraits de sa pièce suite à une résidence à la Maison de la Culture Notre-Dame de-Grâce, entrecoupés des mots quelques artisans. Le tout se terminant par une discussion ouverte avec la chorégraphe et deux des interprètes.

                                               Tirée du site Accès Culture de la ville de Montréal

En entrée de jeu, je peux affirmer que j'ai beaucoup apprécié le pouvoir évocateur des différents extraits que j'ai vus. Elle a cristallisé son oeuvre à partir de ses observations du ciel lors d'un séjour en région et des phénomènes cosmologiques qui s'y passent. Et comme l'univers recèle plein de mystères à explorer, la chorégraphe a fait ses recherches et à partir de concepts scientifiques découverts dont le décalage vers le rouge, les mouvements ont émergé. Peut-être parce que son territoire d'inspiration a été un jour, un de mes territoires d'intérêt, il y a eu une connexion forte entre l'oeuvre et moi. 

Le premier extrait avec Myriam Foisy et Ariane Dubé-Lavigne m'amène dans l'espace avec une première femme qui évolue dans un monde sans gravité qui semble le découvrir avec des gestes fort amples. Elle est rejointe par une deuxième qui chacune de leur côté explorent. Dans l'espace où toutes les molécules sont éloignées, ainsi en est-il de ces deux corps, mais toujours en harmonie !

Le deuxième extrait avec Kim L. Rouchdy et Ariane Dubé-Lavigne a l'inverse débute, pour moi, par une illustration de mouvements sous la contrainte de gravité qui les gardent sur le mur. Mais peu à peu, elles s'en libèrent et leurs mouvements deviennent d'une belle amplitude en exploration. 

Le troisième extrait, avec Ariane Dessaulles et Marie-Ève Dion avec une robe qui les relient (création de Kim L Rouchdy, dixit la chorégraphe) illustrent fort éloquemment par leurs gestes la propagation des ondes et que tout est interrelié. Cet effet est multiplié par la projection des ombres de leurs deux "bras" sur le mur. 

Le dernier extrait avec les cinq interprètes me propose le lent déploiement de cinq corps "enracinés" sur un astre sans gravité et qui évoluent selon les vents cosmiques qui les balaient de plus en plus. La lutte pour se libérer du sol semble intense avec leurs mouvements de bras qui semblent vouloir appeler l'envol. J'y ai aussi vu cette image des algues dans le fond de l'eau d'une rivière au fort courant. 

Au final, quatre tableaux fort inspirants avec la musique "spatiale" en direct de Tristan Henry qui porte le propos chorégraphique de façon fort juste et bien. 

Je suis fort intéressé à découvrir comment ces quatre tableaux seront reliés dans cette exploration tout en haut dans l'univers lorsque sur scène (ou sur mon écran), elle sera présentée !

 

Sur mes pas (virtuels) en danse: De beaux moments avec les élèves de deuxième année de l'École de Danse Contemporaine de Montréal.

Parce qu'il faut que la vie se poursuive, les élèves de deuxième année de l'École de Danse Contemporaine de Montréal (ou ECDM) nous proposaient "AVES" de José Navas qui "exprime en mouvement les thèmes de la résilience et de la renaissance" (programme de la soirée). Et cette proposition, je l'ai accepté avec grand plaisir.

                                        

Bien installé devant mon écran, j'attends le début ! Je suis accueilli par la directrice de l'École, madame Lucie Boissinot qui met la table pour la suite. Une soirée en deux temps séparée par un entracte qui nous présentera deux diplômé.es de cette école (et que j'ai eu l'occasion de voir sur scène quelques fois) Stacey Désilier et Danny Morissette. 

La première partie débute avec l'arrivée toute douce de cette femme sur la scène toute blanche divisée en carrés de deux mètres carrés. Elle est vêtue tout en blanc et semble avoir un but à atteindre droit devant elle. Et puis, sur un coup de pied, elle est rejointe par onze autres interprètes. Tous sont vêtus en blanc et tous ont un cache-visage rouge (ou orange), sauf certains qui ont un long bec tout blanc. Ils prennent possession des lieux et de mon attention. J'en apprécie particulièrement les gestes des bras tout en rotation et l'harmonie des corps avec la musique, "Le Boléro" de Ravel. Le crescendo se voit et se ressent. Et quand le Boléro se termine, les corps tombent au sol. Et tout en douceur, sur un changement de ton musical, les autres quittent et cette première femme restera seule. Il s'en suit d'un moment fort frustrant, celui où les interprètes (André Abat-Roy, Meihan Carrier-Brisson, Aliénor Chamoux, Chanel Cheiban, Maéva Cochin, Clémence Dinard, Mara Dupas, Anna Duverne, Rony Joaquin Figueroa, Carlos-Alexis Mendoza, Isabelle Sue Pilette et Jérôme Zerges) et José Navas se mettent droit devant nous, à visage découvert sans que je puisse les applaudir. 

Après le court entracte, le deuxième groupe (Nolwenn Duhaut, Aurélie-Ann Figaro, Débora Huynh, Nûr Khatir, Marianne Lataillade, Nils Levazeux, Marianne Murphy, Valentine Rousseau, Jérôme Tremblay-Lanthier et Zoé Uliana) nous propose ces mêmes mouvements que je revoie avec tout autant de plaisir. 

Difficile de bien décrire cette oeuvre qui porte bien la signature de José Navas et bien "enrobée" par les éclairages de Stéphane Ménigot. Il en reste que de découvrir une chorégraphie de grand groupe en ces temps, cela fait du bien et comme pour ces jeunes qui persévèrent malgré un avenir fort incertain pour leur art. Cela me fait espérer en des jours meilleurs. Merci à vous !

Sur mes nombreux pas (virtuels) en trois jours avec comme conclusion, pas le temps de s'ennuyer !

 Les journées raccourcissent comme les pages blanches de mon agenda. Pour peu que l'on soit attentif et que le confinement n'altère pas notre intérêt, il est possible de passer des soirées en bonne compagnie virtuelle, évidemment ! À preuve, mes trois soirées consécutives fort bien remplies, il y a quelques jours 

D'abord, il y a eu cette proposition théâtrale du La Chapelle, "Habibi's Angels Commission Impossible" de Hoda Adra et Kalale Dalton, mis en scène fort habilement par Sophie Gee, qui avait attiré mon attention à cause de la contribution chorégraphique de Claudia Chan Tak. Ainsi donc pendant près deux heures, je découvrirai cette version très théâtrale, mais aussi "en réalité actuelle", des "Charlie Angels" avec un élément fort important de la présentation, "Le spectacle se veut une méta-expérience de visions féminines contrastées ...". La proposition est fort bien imaginée, surprenante, comme la gang du La Chapelle m'a déjà habitué ! La scène de la rencontre de l'autre à travers un mur  a été ma scène couyp de coeur. J'ai suivi les différents tableaux portés par les performances de Chadia Kikondjo, Aida Sabra, Lesly Velazquez et Emilee Veluz, sans oublier la voix de France Rolland qui ramène à l'ordre régulièrement nos chères anges ! Je dois avouer que certains rebondissements dans l'action m'ont surpris, mais la sincérité de l'interprétation m'a gardé "focus" sur la mission ! Le message était clair et fort bien présenté me permettant de découvrir des réalités fort lointaines de ma nature d'homme blanc né ici. Au final, une belle expédition enrichissante dans un univers très différent du mien !

Tiré du site du "La Chapelle"

Le lendemain, je me déplace tout là bas quelque part en France avec "Ce que le jour doit à la nuit" de Hervé Koubi présenté par Danse-Danse et dont la description (Un spectacle magnétique dont la force, la virtuosité et la sensualité captivent et emportent loin, très loin… ) est parfaitement justifiée. Bien installé et au bon moment devant mon écran, je suis accueilli par Caroline Ohrt et Pierre Des Marais. Les temps sont difficiles pour eux et nous, mais leurs sourires me font du bien. J'aurai droit par la suite à une "mise en dance" par le chorégraphe et certains de ses acolytes. Situer une oeuvre est pour moi, très utile et c'est pour cette fois, mission accomplie ! Des tableaux portés par des interprètes algériens sauf un, inspirés par le roman de Yasmina Khadra, à qui nous devons les magnifiques romans "Les hirondelles de Kaboul" et "L'attentat" que j'ai tant appréciés !

                              Photo de Nathalie Sternalski tirée du site de Danse Danse

Et tout bien préparé, je découvre une proposition chorégraphique qui allie les gestes et le propos fort habilement. Une proposition comme je suis habitué de découvrir, en première rangée du théâtre Maisonneuve, mais avec une plus value. Si la proximité était moins grande, la perspective variable, elle, était enrichie. Comme quoi, la réalité actuelle peut avoir des bons côtés. Impossible de rester impassible devant cette virtuosité exprimée.

Le tout se termine par la rencontre de différents artistes du monde de la danse urbaine. Un tour d'horizon fort intéressant de nombreux artisans de la scène montréalaise dont plusieurs sont dans ma mire de spectateur. 

Le lendemain, changement de décor pour me rendre chez Jacqueline Van de Geer dans le cadre de la soirée "TOLLÉ / Up is Down & Tout fout le camp", proposée par la gang du Studio 303. Elle nous proposait sa "Rhapsodie de confinement" de chez elle qui a été en fait des rhapsodies avec la participation des spectateurs. Avec de bons vieux vinyles, un poste de radio, un lecteur de cassettes, et d'autres accessoires maison, j'ai eu droit à des moments sympathiques fort amusants. Une cinquantaine de minutes de partage musical, comme si nous étions autour d'un feu de camp. Je ne me suis pas avancé dans la composition d'une de ces rhapsodies, mais si j'avais osé, il y aurait eu une rhapsodie avec Nana Mouskouri ! Mais bon, je suis resté en retrait, mais pas sur mon appétit. Et ces moments passés, nous avons eu droit à une rencontre des différents artistes qui ont contribué à cette journée. Et moi, un peu triste d'avoir si peu participé ! 

Tiré du site du Studio 303

Le spectateur que je suis est triste et confiné, mais il peut découvrir plein de propositions (plus que ce que vous pouvez lire sur mon blogue !). Il en reste que j'ai tellement hâte de remettre mes pas en marche vers de vraies salles de présentation. 

Sur mes pas (virtuels) aux "42,2 km de poésie" du département de danse de l'UQAM.

 La proposition était audacieuse, exigeante, mais surtout incontournable pour l'amateur de danse que je suis. Et quelle est donc cette proposition, me demanderez-vous ! Dans le cadre de leur cours d'improvisation donné par Caroline Laurin-Beaucage, onze étudiantes de deuxième année du programme de Danse de l'UQAM devaient présenter à tour de rôle un solo improvisé d'une trentaine minutes dans le cube, élément si cher à cette enseignante-chorégraphe et interprète. Faites le calcul et vous comprendrez que le tout durera près de cinq heures trente de 15h00 à 20h30, sans pause annoncée et il en aura pas ! 

Donc bien installé devant mon écran, j'attends que le marathon débute. "À l'ouverture des portes", nous sommes accueillis par la "prof" qui met la table fort poétiquement à ce qui suivra et d'une indication fort importante. Les interprètes performeront dans le silence pendant que de notre côté, nous entendrons la trame musicale et sonore, tel un bilan de fin de session, qu'elles ont préparée pour leur prestation qui est leur examen final. Au programme, dans l'ordre viendront Morgane Guillou, Cyrielle Rongier, Julia Smith, Noah Bride, Anaïs Levert-Beaulieu, Daphnée Sanscartier, Oksanna Caufriez, Mélia Boivin, Rozenn Lecomte, Margot Carpentier et Ariane Levasseur.

Tout en sobriété, nous arrive d'abord Morgane Guillou qui enlève son couvre visage, comme toutes les autres par la suite. Elle prend place dans le cube géant dans une pièce toute somptueuse. Impossible pour moi de rester indifférent en découvrant la Salle des Boiseries qui, il me semble, a dû être dans une "vie passée", une sacristie. Mais assez vite mon attention revient sur les gestes qui me sont proposés et de ses "confidences" sur ses pas improvisés dans des lieux extérieurs, comme ceux dans le Parc Lafontaine. Au cours de la prestation, j'ai senti qu'elle nous a présenté une exploration en elle avec un retour au départ avant de s'envoler et d'être libérée de quitter le cube pour laisser sa place à la suivante.

Pour toutes les autres qui suivront, malgré ma connexion parfois saccadée, je retiens une image, une impression, de la musique, des paroles empreintes de sagesse, mais surtout des mouvements captés par des caméras latérales ou du plafond. 

Pause perceptuelle

Tout au long de la présentation, combien de fois je me suis fait la remarque intérieure que ce territoire à explorer semblait beaucoup plus grand de côté que de tout en haut. Comme si dans la réalité, la perspective influence notre perception !

Fin de la pause perceptuelle

De Cyrielle Rongier, je retiens surtout une phrase, "une erreur est une occasion" et de ces moments de parfaite harmonie entre la musique et le propos chorégraphique.

De Julia Smith, tout au long de son parcours dans le métro sur la ligne verte, danser c'est comme écrire en roman.  Et son combat pour danser avec son corps plutôt qu'avec sa tête. Si j'étais un danseur, il me semble que je serais comme elle avec ses réflexions, ses questionnements et son intérêt pour les mathématiques.

De Noah Bride, je retiens les mouvements empreints de quiétude, de ses questionnements sur ses mouvements de bras, de la portée de son regard, mais surtout de son expression, "un danseur est un guerrier de Dieu". 

De Anaïs Levert-Beaulieu et de ses premiers mots sur petit juge extérieur, je m'y suis retrouvé. De sa danse, "danse douleur, et de son passage du neutre. Cette pause qui a tout de l'incertitude qui pourra, "dans ta bulle" cristalliser la création et de l'acceptation de soi et du mal. 

De Daphnée Sanscartier, "la ballerine du groupe" j'en retiens surtout les "pointes" bien exprimées, la notion du temps différemment décliné selon le point de vue (de myope comme moi!), de sa relativité, le choix des mouvements à faire mais surtout de son choix musical avec le groupe Queen qui donne une texture particulière aux mouvements présentés !

De Oksanna Caufriez, "face au regard de l'autre, tout peut advenir", mais aussi des difficultés de le faire dans un lieu extérieur. La musique et du son de ce carillon fort mélodique qu'elle me propose me portait tout comme ses gestes, moi, l'oeil d'un étranger pour elle !

De Mélia Boivin, j'en retiens que je devrais faire comme elle, soit mettre "mes pensées en mineur" pour pouvoir mieux aborder la situation sans trop réfléchir. Parce que comme elle, il faudrait pas que je réfléchisse trop et que je respire et qu'il "faut que je me confronte à mon monologue interne" ! Et que je l'affronte comme elle en gestes et mouvements victorieux !

De Rozenn Lecomte, (que j'avais découvert lors de la dernière Passerelle 840), j'ai été interpellé par ses interrogations, dont "être vue ou pas" ou te faire si discrète. Quand tu fais une formation en danse, il me semble que cela demande du courage pour sortir de l'ombre et faire face aux regards des autres ! Et parlant de regard, comment rester insensible face au sien et des gestes qui l'accompagne. 

De Margot Carpentier, j'ai bien pris note que l'on pouvait profiter des zones d'opportunité dans des lieux inhabituels, la force du regard des autres et le dévoilement apprivoisé dans l'improvisation en danse . Et j'ai "craqué" pour son choix musical, avec "Experience de Ludovico Einaudi et surtout de cette chanson qui m'a complètement charmé et captivé, "Yalla Tnam Nada" de Bachar Mar-Khalifé, interprétée par Golshifteh Farahani (merci Caroline pour l'info !) durant laquelle j'ai ressenti la lente affirmation face à l'adversité. Voici le lien pour écouter cette chanson si forte, (https://www.youtube.com/watch?v=57w_ItdZqNM ) que je écoute et réécoute en boucle depuis !

Le tout se termine, près de cinq heures plus tard, avec Ariane Levasseur qui m'avait fortement impressionné par le propos porté par sa voix et ses mouvements (avec "pétrichor") lors de la Passerelle 840. "Chu ben petite" nous confie-t-elle en entrée de jeu, mais la suite me montre que cette affirmation recèle des zones d'ombre qui ont tout des corps noirs irradiants. De cette mission de devenir autre, soit de devenir moi, pendant qu'elle dansait sous la pluie, Parc Molson.

Je reviens de ce marathon quelque peu épuisé, mais surtout satisfait de ces rencontres avec onze jeunes femmes toutes différentes dont le corps sans mots portaient la parole des gestes eux aussi tous différents. Certaines utilisaient le haut du corps, d'autres le bas, certaines investissaient le sol et d'autres aussi allaient à la limite du cube à presque le dépassé, mais toutes montraient le geste en accord avec le propos.

Pour arriver à ces moments, elles ont dû aller dehors affronter les conditions météorologiques et aussi le regard ou l'indifférence des passants. Elles ont dû apprendre à se laisser aller sans guides. Elles ont eu à bouger ou danser les yeux fermés et faire confiance à l'autre. Et de ces pas improvisés durant toute cette session si incertaine, j'ai bien ressenti tout le chemin parcouru par chacune d'elles.

Bravo à vous mesdames et à toi aussi Caroline qui a su leur permettre d'utiliser ce cube comme toi, un peu partout pour s'imprégner et se révéler ! Dès que les scènes redeviendront des lieux accessibles aux créateurs et aux spectateurs, je suis certain que je vous y reverrai mesdames !

Sur mes pas (virtuels) en danse: "Le reste des vagues" d'Ingrid Vallus, des vagues qui m'ont laissé de belles traces profondes.

 Après avoir été mis sur pause et reporté, "Le reste des vagues" d'Ingrid Vallus nous a été proposé en webdiffusion. J'avais en tête les sensations, mises sur "papier", de sa précédente création, "Féral" (2017). J'avais en autre écrit," De ma chaise, tout proche dans cette toute petite salle, je la ressens bien, cette adversité qui lui demande de modifier son parcours pour aller au-devant." La proximité qui m'avait tellement plu lors de cette rencontre serait absente cette fois ! Question de bien me préparer cette nouvelle rencontre, j'avais, entre autres, écouté sa rencontre d'avant représentation portant entre autres sur les thèmes qu'elle nous présentera dont ceux de la respiration et du regard. Allaient-ils m'atteindre jusqu'à devant mon écran, si loin et non sur ma chaise tout proche ? Pour le découvrir, je n'ai qu'à attendre, mon billet était déjà "en poche". 

                              Photo d'Ingrid Vallus par Josée Lecompte tirée du site de Tangente
              

Pour mettre toutes les chances de mon côté, c'est dans un coin tout tranquille de ma demeure, éclairage tamisé, que je prend place. Je découvre d'abord ses déplacements lents et méthodiques d'un côté à l'autre de la scène laissant derrière elle une trace sablonneuse de plus en plus importante et lumineuse, comme le rythme d'une respiration qui gonfle les poumons. Et rapidement, je me suis senti porté par les gestes et les déplacements, brillamment éclairés par James Proudfoot. Tout au long de cette trentaine de minutes, j'ai oublié la distance et je me suis laissé aller à y trouver mon sens à son oeuvre, oubliant l'intention première de la créatrice. Il en est des vagues comme de nos espoirs comblés ou non qui nous font avancer ou reculer. Je m'y suis retrouvé dans ces moments entre le avant et le après du passage de certains évènements de ma vie comme celui du ressac ressenti et de ses traces laissées. Et comme je l'ai vu dans certains passages, ce n'est pas que le tout semble paisible que l'effet ne soit pas grand et profond. 

Et une fois les évènements passés, si les espoirs sont délavés par le passage du temps, comme les rives par le passages des vagues, que faire ? Et une des réponses que j'y ai vu est d'aller vers l'autre, " Je vous attendais", nous dira-t-elle, les "yeux dans les yeux", dans un moment de connexion fort bien réussi et très bien capté, malgré la distance.

J'en retiens aussi qu'il en est du passage du temps comme du rythme et de l'intensité variable des marées qui laissent en nous des espoirs en des jours tout vierges du passé. Et lorsqu'arrive le moment pour ce retour au point de départ dans ces allers retours entre ce sable laissé, je pars avec elle, heureux et satisfait. 

Malgré les temps difficiles pour le spectateur en confinement que je suis, grâce à la magie très réelle du virtuel (et des artisans qui savent bien le capter !) je me suis senti très "proche" de cette femme et de son cheminement exposé.