Ma rencontre précédente avec les propositions musicales de Jay Cutler m'avait fait un effet fort ! Et ne voilà tu pas que je peux poursuivre ma plongée sensorielle dans son univers tout aussi unique que mystérieux avec deux autres pièces, " Buster" et "Soaked Head " ! S'appuyant sur ses expériences personnelles, nous avons droit à une exploration fort riche et singulière musicalement. Les paroles "Here I am now, de sa pièce "Buster" restent collées dans ma tête, pendant et après !
Co-présentée par Danse Danse et l'Agora de la danse, la proposition d'Andrea Peña et sa gang, "BOGOTÁ" a affiché complet bien à l'avance. Prévisible compte-tenu de sa présentation passée à la Biennale de Venise ! Mais moi, mon billet, je l'avais, et deux fois plutôt qu'une, mais ça c'est une autre histoire ! De cette chorégraphe, j'avais vu sa proposition précédente, "6.58: Manifesto", en ligne, faute de l'avoir apprécié en personne, et j'avais été captivé par son exploration et son illustration des comportements humains.
Avec les mots de présentation, "Fusion habile de la danse, du design industriel et de l’esthétique queer, BOGOTÁ d’Andrea Peña & Artists marquait l’ouverture de la 17e Biennale de Venise. Une œuvre d’envergure, radicale et novatrice.", cela en faisait un incontournable de cette saison !
Bien installé sur "mon" siège en première rangée en attente du début, je découvre l'espace scénique et sur son plancher blanc, des échafaudages et autres "étranges" objets ! Le temps passe et discrètement arrivent sur scène graduellement les différents interprètes. Pendant que les "personnages" prennent possession de ce lieu et de mon attention, nous sont prononcés les mots de bienvenue et de reconnaissance territoriale qui se termine par "Bienvenue à Bogota !"
Ainsi donc, devant et parfois tout proche évolueront Nicholas Bellefleur, Charlie Prince, Jo Laïny Trozzo-Mounet, Jean-Benoît Labrecque, Jontae McCrory, Erin O’loughlin, Francois Richard, Frédérique Rodier, Chi Long dans cet univers sombre et de ma perspective déshumanisé comme peut l'être une cité ! Tout au long, les relations se développent entre eux, les perspectives humaines évoluent comme ce qui les revêtent, de très peu à un peu plus ! Certains tableaux m'interpellent particulièrement dont celui durant lequel une piñata subit son sort habituel, celui aussi durant lequel les corps sautent jusqu'à bout de souffle et celui durant lequel face à nous, fait vibrer sa poitrine comme pour nous l'offrir ! Enfin, celui durant lequel, je vois la chute des héros dans ce monde déshumanisé qui vont jusqu'au bout et ce, sans filet !
Une oeuvre durant laquelle les "états de corps" sont fondamentaux et qui sont portés par un groupe fort aguerri ! Je me permettrai de citer les derniers mots fort justes de la critique d'Iris Gagnon-Paradis dans La Presse pour conclure ce texte: "Une expérience où le profane et le sacré, le passé et le présent sont conviés à la même table, et une artiste à la vision singulière et affirmée dont on est très curieuse de suivre l’évolution."
De ses derniers mots, je suis bien d'accord puisque j'ai déjà mon billet pour sa prochaine proposition en février prochain !
C'était, il y a près de trois ans, mes pas me portaient jusqu'à l'Espace bleu du Wilder avec au dessus de ma tête, un ciel "sur le bord des larmes", comme s'il était en symbiose avec le thème de la proposition à venir. Cette fois, lorsque mes pas m'ont amené jusqu'au 840 Cherrier (au département de danse de l'UQAM), le ciel "pleurait" vraiment! Comme si depuis cette époque, la menace de "La disparition des choses" devenait encore plus réelle dans notre monde actuel ! Quoique, ce qui a suivi la présentation de ce que j'allais découvrir, m'amenait un peu d'espoir ! Mais sur cela, je reviendrai et trêve de préambules, allons au propos premier de ce texte, soit la présentation par les personnes étudiantes du Département de danse de l'UQAM, de la recréation de "La disparition des choses" d'Amélie Rajotte.
Ainsi donc à la porte de la salle, j'attend avec autour de moi, plein de monde. J'y apprend aussi que la première rangée ("ma première rangée") ne sera pas accessible !!! Mais bon la deuxième rangée avec personne devant devrait faire l'affaire et effectivement, cela a fait l'affaire ! Rendu à ma place, devant moi, l'espace scénique est vide, sauf avec de part et d'autres des consoles. Le moment venu, tout devient noir et arrivent d'abord les accompagnateurs Stephanie Castonguay et Olivier Landry-Gagnon, à l'accompagnement musical et Nelly-Ève Rajotte aux projections visuelles, Les suivent ensuite, les interprètes, tout en bleu et gris en diverses tonalités, Maude Barsalou Mafer, Bazo, Charlotte Beaulieu, Èvemarie Bourdeau-Lévesque, Sabrina Colasante, Alycia Dallaire, Laurie Daraîche, Sandrine Dupont, Marie-Laurence Fugère, Mathilde Laforest Belval, Marie-Soleil Leblanc, Carolanne Marguerin, Camille Mongrain, Elizabeth Pelletier, Anabelle Petit, Marie-Anne Rahimi, Émilie Tremblay et Hannah Surette.
Et le tout débute avec un tableau tout en immobilité, comme si en attente du "pire", le quoi à faire était encore incertain ! Peu à peu, les mouvements émergent d'une des interprètes, "illuminée" (par un faisceau) ou conscientisée, qui peu à peu induira les gestes aux autres pour s'y propager. Avec les projections sur l'écran du fond, je découvre les différentes étapes de la mise en phase du groupe qui dans cet espace se déplace pour trouver leur place. Me faisant ressentir leur angoisse face à une catastrophe imminente, leurs gestes parfois tout en retenue me gardent bien captif !
Et c'est deux par deux que face au destin que le groupe termine sa "marche" jusqu'à "La disparition du monde" ! Et encore une fois la magie de la proposition d'Amélie Rajotte a opéré, cette fois, démultipliée par la force du groupe. Impossible de ne pas apprécier la résilience du groupe tout au long dans des tableaux qui demandaient retenue et parcimonie de gestes et de mouvements pour en révéler la richesse. Dans ce que j'ai découvert, moi, ce sont les jeux de bras qui m'ont captivé le plus !
Une fois le tout terminé, après les applaudissements bien mérités, le groupe d'interprètes revient sur scène pour s'adresser à nous. En plus de la reconnaissance de territoire, nous apprenons leur préoccupation et leur engagement face un drame qui se produit dans le monde. Et si on veut les soutenir, il sera possible de de procurer des "gâteries" à la sortie de la salle à un coût modeste. Offre que j'ai acceptée avec plaisir et que j'ai dégusté avec grand plaisir ! Bravo à vous !!!!!
Quand j'ai vu passer cette invitation, à vrai dire ces invitations pour quatre conférences dans le cadre des "Ateliers chorégraphiques 2024" au Studio 303, mon attention s'y est portée. Cependant mon agenda ne me permettait que d'assister à une, celle du lundi matin, donc j'ai dit oui à celle là ! Proposée par Montréal Danse, la conférence de Caroline Laurin-Beaucage, avait pour titre "Espaces incarnés et immersifs: quels sont les nouveaux territoires chorégraphiques?"
Me voilà donc, assis sur une chaise face au mur (et de l'écran) entouré par bon nombre de personnes assises sur des chaises comme moi ou des coussins. Nous sommes accueilli.es par Kathy Casey avec ces mots d'accueil qu'elle fait suivre d'un moment pour "prendre le temps d'être avec soi-même".
Pause
Prendre le temps d'être avec soi-même, voilà un exercice en apparence facile mais qui pour moi s'est avéré quand même exigeant mais fort satisfaisant ! À refaire Robert !!!!
Fin de la pause
Et débute la présentation de Caroline Laurin-Beaucage. Elle effectuait un retour sur sa récente visite à la Biennale de Venise, comme l'indiquait le descriptif "Au cours de ce partage, je vous propose d’explorer l’émergence de nouvelles pratiques artistiques immersives qui réinventent notre rapport au temps et à l’espace — deux piliers fondamentaux de l’écriture chorégraphique."
Ainsi donc de ses rencontres vers de nouvelles tendances, dont celle de sortir de la "boîte noire" et aussi être ébranlée, elle revient avec avec des souvenirs plein sa besace ! Et pour nous, elle a deux découvertes à partager qui plongent les spectateurs dans des univers virtuels et très sensoriels. La première est " Mammary Mountain" (de Tara Baoth Mooney, Camille C. Baker et Maf'j Alvarez). Après ses mots de présentation, nous avons droit à la projection sur l'écran devant, d'une présentation vidéo sur cette oeuvre. Et comme une image vaut mille mots, nous découvrons les mots des artisans qui ont voulu entraîner les spectateurs à prendre la place "virtuellement", mais de façon fort crédible, d'une patiente qui passe une mammographie. Elle décrit le contexte de présentation et aussi ce qu'elle a vécu tout au long de cette expérience physique et virtuelle !
La vidéo présentée et les mots de sa part suite à cette expérience seront suivis de questions de quelques spectateurs qui permettent de mieux saisir la nature de ce type de rencontre !
Il s'en suit la présentation de la deuxième oeuvre, "Fragile Home", (de Ondřej Moravec et Victoria Lopukhina.). Avec cette proposition, nous allons ailleurs, mais dans des territoires pas plus faciles aussi, présentée aussi par une vidéo. Celui d'une maison en Ukraine avant et après un bombardement. C'est donc dans un salon que nous pourrons nous retrouver et que nous découvrons les éléments habituels à ce lieu, chat inclus ! Le but de cette oeuvre est de faire ressentir les effets de la guerre et le choc qui l'accompagne !
Deux propositions qui intègrent les spectateurs dans des territoires différents afin de les faire ressentir autrement et intensément, grâce à la réalité virtuelle. Et moi de me rappeler une expérience lors d'une visite au Festival Eureka durant laquelle j'avais marché (virtuellement) sur une petite poutre pas très large, mais surtout très haute dans les airs. Quelles sensations réelle j'avais ressenti dont celle de la peur et du vertige !
Le moment de conclure arrive après quelques questions des gens présents. Il s'en suit mon départ et de me mettre à penser à l'arrivée de la réalité virtuelle dans le monde chorégraphique. De cette chorégraphe qui a créé des propositions dans des lieux différents, je suis bien curieux de découvrir où irons ses pas créatifs dans le futur !
C'est par l'infolettre de L'Agora de la danse que j'ai appris que je pourrais assister à la sortie de résidence d'une oeuvre en création. Celle d'Annie Gagnon ( la chorégraphe de la ville de Québec !) qui passait la semaine dans notre ville pour faire évoluer sa création avec une partie de son équipe et qui sera présentée à Québec en mars prochain. Quelle belle occasion pour moi d'aller découvrir le travail d'une autre chorégraphe de la ville de Québec !
Mais commençons par le début, soit mon attente avant d'entrer dans le lieu de création et de présentation. Le temps de finaliser quelques éléments, nous pourrons entrer dans le studio Blanc. Et à cette rencontre, nous ne serons que quelque un.es à découvrir une trentaine de minutes de "Élégie II", interprétée par Cloé Arias, Marie-Chantale Béland, Léa Ratycz-Légaré et Ariane Voineau.
Pause
Si pour vous comme pour moi, le sens du mot "élégie" est quelque peu obscur, sachez qu'une rapide recherche sur le web, vous ferait découvrir la définition suivante : "Petit poème lyrique sur un sujet le plus souvent tendre et triste.", dixit Le Larousse.
Fin de la pause
À mon entrée dans le studio, je peux prendre place sur l'une des chaises disposées devant le mur. Les présentations officielles faites, la chorégraphe nous informe de l'état d'avancement de sa création et que nous aurons droit à un extrait en évolution qui sera suivi d'un échange. Quelques précisions aussi du contexte de création de cette oeuvre qui a eu une première partie "filmique", because la pandémie. Enfin, la version finale sera présentée avec trois musicien.nes qui évolueront dans l'espace scénique (sans partitions !).
Et dans ce studio, débute le tout par des moments fort "percutants" durant lesquels les corps des interprètes chutent. Dans ce que je découvre, je reconnais des moments "Dave St-Pierre". Il s'en suit un tableau qui utilise des escabeaux, comme si individuellement, nous pensions espérer nous échapper d'un destin tragique, sinon fatal. Ainsi donc, après la catastrophe et la panique qui s'en est suivie, survient le réveil fort difficile pour un nouveau départ, coloré de désespoir et d'impuissance. Et puis arrive le "sauveur", dominant sur une haute plate-forme mobile. "Sauveur" dont le nom émerge en moi, suite à la découverte de sa gestuelle forte et affirmée. Nom que je partagerai dans la période d'échanges. Et le tout se termine, nous laissant toute la place à notre imagination pour envisager la suite. Ça j'aime ça !!!!
Voilà une proposition dans l'air du temps qui saura se percuter en nous. Je quitte le studio dans l'espoir de découvrir ici à Montréal la version finale qui a tout pour rejoindre un public fort nombreux ! Merci pour cette invitation gens de l'Agora de la Danse !
C'était il y a plus de six ans, j'avais intitulé mon retour sur ma rencontre précédente avec une proposition de Line Nault, "Témoin mystifié de "SuperSuper" de Line Nault". Cette fois, si mon titre est plus sobre, il en reste que cette fois encore, dans de nouveaux territoires chorégraphiques, j'ai été entraîné, malgré que mes pas, ces dernières années, en ont exploré "quelques uns " !
Mais commençons par le début, soit mon arrivée dans l'Espace bleu pour découvrir "Récits-Récifs" de cette chorégraphe accompagnée dans l'espace scénique par Jessica Serli, Audrey Bergeron, ainsi que Jonathan Parant. J'arrive juste un peu avant le début, because une autre rencontre fort intéressante tout juste avant dans le même building. Une fois rendu, je peux prendre place, sur un coussin devant deux rangées de sièges. Devant déjà en action Jessica Serli qui s'enrobe vestimentairement ! Je découvre aussi différents éléments scéniques, des accessoires technos autour d'elle et aussi des écrans télé qui serviront par la suite. L'espace scénique a, de ma perspective, les allures d'une île avec des icebergs derrière. Bon OK, icebergs ou récifs comme l'indiquera la chorégraphe plus tard, pas question de débattre, puisque de toute façon, dans l'un comme dans l'autre, le péril peut résonner en nous !
Trêve de préambule, le tout débute avec le premier des quinze tableaux des trente possibles "au menu" ! Le premier tableau, "sur son tapis en éveil" complété, nous arrive Line Nault qui présente le déroulement de la soirée durant laquelle, nous serons présentés ces tableaux avec la possibilité de changer de place (et de perspective) entre eux ou de sortir et de revenir vite dans le lieu. Une création qui implique l'utilisation d'une "tonne" de textile fournie gratuitement pour "enrober" cette œuvre ! Pour ma part, tout sagement, je resterai à ma place ou tout proche, tout au long, avec autour de moi, des changements de voisin.es !
Pas question de revenir sur chacun des quinze tableaux, mais je vous résume le déroulement des deux heures trente de ce qui suivra. Chaque fois débute avec l'installation du tableau par la gang pendant quelques instants, annoncé par le numéro des trente possibles. Ainsi donc durant chacun des tableaux, les interprètes prennent possession du lieu et de mon attention, pendant que juste à côté, sur les écrans de télé, s'inscrivent les mots qui les accompagnent (et les décrivent aussi !). Je me permets une description, celui du tableau 740, "ouvrage" qui nous présente des pieds entremêlés qui se cherchent une issue ! Il y aura aussi, vous me le permettrez, le tableau 670, "banc de neige" qui devient pour moi "banc de rêves" et "banc d'accueil". Bon aussi un autre, le tableau 140, "fourmi kamikaze" qui se transforme en duo et qui me fait dire un "ouf" intérieur !
Le tout se termine avec un tableau récapitulatif, le numéro 110, "mousse" qui tout au long, nous voit déverser par les quatre interprètes dans l'espace scénique des objets des trente tableaux vus ou non, avec des mots écrits tels que "je me déverse à la surface" !
Ainsi donc de mon expédition sur cette île, riche de ses matières textile fort diversifiées et de ces humains qui les animent, j'en reviens fort heureux. Je me permets de conclure intérieurement et de vous le partager, qu'avec cette créatrice, je me fais proposer des univers forts singuliers et très différents ! Et cela, j'aime ça !
Voilà un des principaux avantages de mes sorties culturelles, celui de d'aller à la rencontre d'univers fort différents ! Et c'est vers un de ce type de rencontres que mes pas m'ont apporté en ce jeudi soir vers la Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts. Au programme, proposée par Danse Danse "Lunar Halo" du chorégraphe taiwanais Cheng Tsung-lung. Selon mes souvenirs, cela sera une première rencontre avec cette compagnie. Ainsi donc bien assis (en deuxième rangée !), j'écoute les mots de présentation du grand patron de Danse Danse, Pierre Des Marais. Le moment venu de la rencontre, les lumières s'éteignent et de l'ombre d'abord un corps et ensuite une forme mouvante fort captivante qui je le découvrirai plus tard est constituée par un assemblage de corps. Le coup d'envoi était donné pour ce que je découvrirai par la suite dans les différents tableaux.
Je dois l'avouer, de l'évolution, de la transformation et de l'envol de ces corps tout au long de la soirée, mon attention s'est parfois détournée de ce que je voyais pour être entraîné en moi par les méandres des symboles. Un élément fort intéressant de cette proposition est l'utilisation des projections (dont celle de ce corps gigantesque qui s'est statufié !) qui accompagnait et qui enrichissait ce qui se passait sur scène. Jusqu'à la fin, cette proposition enrobée de la musique du compositeur Sigur Rós nous amène ailleurs et loin !
Mais le tout se termine et moi, je reviens les pieds sur terre après cette incursion dans ce monde tout aussi réel qu'imaginaire !
