Sur mes pas au théâtre: troublé par "Tremblements" à l'Espace Go !

Pour cette autre sortie à l'Espace Go, une proposition dans l'air du temps, qui me permettra de mieux comprendre ce qui pousse celui ou celle à laisser derrière soi, un certain confort et/ou l'être aimé pour se rendre dans des régions du monde troublées pour aider ! Voilà le choix qu'a fait l'héroïne, (mot de mon choix) Marie, infirmière, avec Médecins sans frontières, incarnée par Debby Lynch-White. 

                                   Affiche de la soirée, tirée du site de l'Espace Go

À mon entrée en salle et moi dans "mon" siège en première rangée, se retrouve déjà au milieu de l'espace (avec des spectatrices et des spectateurs de part et d'autre) notre héroïne sur un espace scénique en rotation. Cet espace le restera, en rotation, tout au long. Dans ce qui suivra, nous avons droit aux confidences de celle qui a laissé derrière elle son amoureuse pour plonger dans les "eaux" de l'horreur. Et dans ce qu'elle nous raconte, qui pourrait y revenir indemne ! De ces migrant.es qui n'ont aucune valeur, sinon celle que la méchanceté ou de la cruauté de ceux qui les rencontrent. De ces réalités lointaines qui sont possibles de découvrir dans les téléjournaux, là devant moi, je ressens le témoignage de quelqu'un qui l'a vécu de tout proche. Ses paroles sont poignantes et celle qui le fait nous le fait ressentir avec intensité. De ces familles divisées sans merci, de ces êtres en quête d'un monde meilleur qui se retrouvent en enfer (et l'enfer pour eux, ce sont les autres, dirait Sartre), nous en découvrons des bribes par elle ! Jusqu'à la fin, je la suivrai avec autant d'attention que d'émotions, pendant que cette scène comme la terre sur laquelle nous vivons continue à tourner !

Au final, une oeuvre tout aussi troublante que nécessaire pour mieux comprendre les motivations de ceux et celles qui vont là-bas pour aider, malgré toutes les stigmates qu'elles ou ils devront porter toutes leur vie ensuite.

Sur mes pas à l'Agora de la Danse pour découvrir "Peau" !

 Lorsque dans la programmation de l'Agora de la danse, j'ai vu "Peau", la proposition de Priscilla Guy et d'Emilie Morin, elle s'est imposée pour moi comme un incontournable. De la première, j'ai eu le privilège, entre autre, de prêter mon "immobilité" faciale dans le vidéodanse "Hiatus" et de la deuxième, de partager l'écran de ce même vidéodanse. 

                     Crédit : Priscilla Guy et Emilie Morin tiré du site de l'Agora de la Danse

Moi amateur de danse avec le moins d'artifices possibles, j'étais bien curieux, et un peu inquiet aussi, de découvrir comment elles amalgameraient la technologie et la danse dans cette proposition annoncée comme une proposition chorégraphique inusitée, dans le texte de présentation. Sans rien divulgacher, "Peau" s'est avérée exactement telle qu'annoncée. 

Mais commençons par le début, à moi en attente pour entrer en salle avec une longue file de personnes derrières. Les portes tardent à ouvrir parce que, tel qu'on nous l'indique, un pépin vestimentaire doit être réglé avant. Avec quelques minutes de retard, donc, les portes ouvrent et moi, je me dirige à "mon" siège en première rangée.

Le temps que tous les gens entrent, moi j'ai le temps de découvrir ce qu'il y a devant moi. Déjà dans l'espace scénique, se retrouvent les quatre interprètes, Priscilla Guy, Claudia Chan Tak, Harmonie Fortin-Léveillé et Marie Claire Forté, toutes de vert vêtues et aussi plein de bidules de toutes sortes dont certains très technologiques. Une fois tous les spectatrices et spectateurs en place, le tout débute. Dans ce qui suivra, nous aurons droit à cet oeil ou ces yeux captés par ce petit carré, aussi appelé cellulaire et retransmis par lui que je vois bien de ma place en première rangée. Ces mêmes objets qui seront mis dans le "foyer" des souvenirs de toute évidence nostalgiques, entourés des quatre. Par la suite, nous aurons droit à une suite de tableaux durant lesquels, le geste sur la console de l'une produira les gestes des autres. Il y aura aussi ces moments de mouvements fort harmonieux. Je les sens en plein contrôle de leur environnement complexe. J'y vois aussi la distorsion du son qui, il me semble, provoque les gestes distordus. Je dois l'avouer la séquence des tableaux interrompus me déstabilise d'abord, mais je garderai le cap. Il en reste que cette exploration, que je considère intéressante par son audace affirmée ne peut se faire sans risque ! Une fois rendu à la fin, l'honnêteté des unes et la bienveillance des autres (spectatrices et spectateurs), a permis de reprendre un des tableaux qui avait été raté (un de mes préférés, une fois repris) et qui représenté nous a permis de découvrir un parfait amalgame entre les corps et les objets grâce aux bidules technologiques, dont on peut voir la création d'une part et le résultat sur l'écran devant ensuite.

Au final, voilà une proposition audacieuse qui pourrait bien amener le spectateur que je suis à envisager et apprécier une perspective hybride de la danse contemporaine. 

Sur mes pas à une soirée spéciale avec la gang de Lorganisme !

 Pourquoi ne pas joindre l'utile à l'agréable ?  C'est ce que je me suis dit avec une réponse positive qui s'en est suivie ! Pour pouvoir poursuivre à faire leur travail, la gang de Lorganisme nous invitait à leur soirée bénéfice "Footloosing Madonna" dans des locaux du Département de danse de l'UQAM. En échange du prix de notre billet, des discours, différentes prestations individuelles et les pièces principales, soient deux prestations avec des participant.es qui ont mis leur pas au service de la cause et des rencontres après avec un verre. Mais commençons par le début. 

En ce début de soirée, mes pas montent du deuxième étage du lieu, encore bien tranquille, un "peu" tôt le spectateur (!). Accueilli chaleureusement, je trouve ma place en attente de l'ouverture des portes et peu à peu le hall se remplit jusqu'à l'annonce de l'ouverture de la porte. Je me dirige jusqu'à "mon" siège en première rangée. C'est devant une estrade fort bien pourvue qu'arrive le moment de débuter avec notre maître de cérémonie, Sovann Rochon-Prom Tep, qui nous présente Lorganisme (les chorégraphes et interprètes Caroline Laurin-Beaucage, Sébastien Provencher, Amélie Rajotte, Sovann Rochon-Prom Tep et Anne Thériault, appuyé.es par Sylvie Lavoie et Mélanie Carpentier), ses origines, ses différentes réalisations et enfin le programme de la soirée.

                                          La gang de Lorganisme. Crédit Alex Tran

Nous aurons droit en entrée de jeu à un solo fort "surprenant" de notre MC qui pendant que son corps se déhanche, maîtrisant le fil de son micro, il nous entraîne dans ses propos. Une entrée en mouvement fort fascinante. Il s'en suit une performance d'Alec Charbonneau, finissant 2023 de l'EDCM, sur un objet roulant, avec un début de création de Sébastien Provencher. Il est un des six jeunes interprètes qui seront accompagnés par cet organisme dans un de leur projet. 

Et puis débute la première proposition, "Madonna" avec celles et celui qui ont pris une dizaine d'heures pour nous entraîner dans un univers fort riche en pas et en mouvements. Une performance haute en couleurs qui a été présentée de façon fort originale par Sébastien Provencher et Thierry Carrière, président du Conseil d'administration). Il y a ce tableau, mon préféré, dans lequel tout.es pareil.les, mais tout.es différent.es, il y a les paroles "When you call my name" de la chanson "Like a prayer" 

Il s'en suit la présentation de la deuxième pièce de résistance de la soirée, après une courte mise en place et de la présentation de Anne Thériault et Amélie Rajotte qui nous confient qu'elles ont vu le film "Footloose" une cinquantaine de fois, au moins ! Et une fois le lieu enrobé de la musique de ce film, arrive le groupe qui tout au long présentera fort joyeusement des pas et des mouvements qui ont les couleurs de ce film que moi, il y a un "certain" temps, j'ai vu une fois ! Le tableau qui retient particulièrement mon attention, est celui durant lequel, dans un "plain" solitaire, mais fort intense, chacun.es occupent la place. Le tout se termine avec une finale où les deux groupes se retrouvent sur scène tout sourire. 

Après les applaudissements fort bien mérités, la soirée se poursuit avec le tirage de prix de présence et la soirée festive qui s'en suit, pendant que moi, mes pas me ramènent "sagement" à la maison, fort heureux, mais aussi fort envieux de celles et ceux, non professionnel.les, qui ont osé mettre leurs pas et leurs mouvements au service de Lorganisme et de notre plaisir. 

Sur mes pas à une soirée spéciale à l'Usine C qui s'associe à la revue Spirale pour présenter "Identités en mutation" !

 Si je m'intéresse aux propositions de l'Usine C et que je m'y rends le plus souvent possible, cette fois, c'était un incontournable. Parce que cette soirée, "Radio Spirale X USINE C", une première, était coorganisée par la revue Spirale dont la directrice, Katrie Chagnon, est ma nièce ! 

Donc, cette première "émission" (qui sera disponible en balado sur le site des deux organiseurs) avait pour titre, "Identités en mutation" dont la première phrase de présentation avait capté mon attention de citoyen, soit "Identités en mutation, en transition, en expansion : l’expérience humaine se réinvente aujourd’hui au-delà des frontières conventionnelles du genre et de la différence sexuelle." Il y avait là pour moi une opportunité de mieux comprendre ce qui se passe aujourd'hui. 

Donc, de ma place en première rangée, je découvre une table où s'installeront Rebecca Leclerc à l'animation, Thérèse St-Gelais, professeure au département d'histoire de l'art de l'UQAM et directrice de l'Institut de recherches et d'études féministes (IREF) et SMITH - artiste qui interviendront, ainsi que Angela Konrad qui fera des lectures. Au tout début et à la toute fin, aussi des lectures de textes de Lucien Raphmaj, par Nadège Piton sur "Radio Levania".

                                       Crédit: SMITH tiré du site de l'Usine C

Il s'en suit les propos de Thérèse St-Gelais et SMITH. qui je dois l'avouer capte mon attention presque totalement. Tout au long, je découvrirai des territoires intellectuels tout nouveaux pour moi, mais dans lesquels la science, avec laquelle je suis plus familier, occupe une place importante et connectent avec moi. Comme quoi, encore une fois, la rencontre entre les arts et les sciences produit des résultats fort intéressants  Ainsi donc, avec caméras thermiques, des composés biochimiques, des voyages en apesanteur, ouvrent des portes pour créer. 

Il y aura aussi les moments durant la notion de trans et de transe cohabitent. Enfin aussi, et là, j'ai beaucoup apprécié, la notion de genre (humain) que je savais bien déjà comme n'étant pas deux pôles, qui se modifie de sa nature axiale en une perspective membranaire aux perspectives infinies. Je suis ravi  de découvrir que la science peut inspirer et lorsqu'il est question de la "trace thermique de la présence", moi spectroscopique de formation, je suis conquis.

Je découvre aussi de nouveaux mots comme "désidération", "transitude et "sympoïèse" dont le sens m'échappe, mais que je me promets de découvrir plus tard pour mieux les comprendre. 

Je m'arrête ici, mais je me promets de réécouter ces moments pour mieux saisir les propos. Et pour ceux et celles intéressé.es, nous sommes informé.es que SMITH présentera "Outre" à la Galerie VOX du jeudi 23 novembre jusqu'au 3 février. Et aussi pour les plus curieux ou curieuses, sur YouTube, il est possible de visionner "Radio Levania / LIVE pour La Filature, Scène Nationale - Mulhouse" pour mieux explorer l'univers de cet artiste.

Sur mes pas sur "Passerelle 840" qui fête son vingtième cinquième anniversaire !

C'est avec le privilège d'une invitation des gens de Passerelle 840 que mes pas se dirigent en cette fin d'après-midi de novembre pour d'abord assister au 5 à 7 et sa table ronde et ensuite découvrir les œuvres au programme de l'édition automne 2023.

Arrivé un "peu" à l'avance, comme à mon habitude, j'entends les applaudissements qui suivent la présentation faite en après-midi. Une fois le tout terminé, nous sommes invité.es à une table ronde où sont présent.es celles et ceux qui ont été ou qui sont actuellement dans l'équipe d'organisation. Pas question de rapporter fidèlement les propos lors de cette table ronde, mais deux éléments retiennent particulièrement mon attention. D'abord, peu importe le rôle qu'on a sur cette "Passerelle", cela est formateur et la préparation d'une oeuvre pour sa présentation permet d'apprivoiser les différents aspects d'une création, appuyé.e par un.e mentor de grande expérience. Ensuite, de cette période difficile de la pandémie, le passage obligé aux propositions en vidéo a permis d'ajouter une "corde" à son arc de celles et ceux qui l'ont vécu, en montrant le "chemin" aux autres après ! Une époque de forte contrainte qui a pu devenir une occasion d'opportunité pour ouvrir des horizons de création. Ainsi donc, cette "Passerelle 840" mis en place par Marie Beaulieu, prof au Département de danse, il y a 25 ans, avec ce que j'ai vu et que je découvrirai plus tard est un "tremplin" formateur pour celles et ceux qui l'enjambe et fort intéressant pour l'amateur de danse que je suis et pour moi l'occasion de prendre en note des noms à suivre sur les affiches. 

Plus tard, mes pas m'amèneront dans la salle pour découvrir les cinq propositions de la soirée. Cinq propositions fort différentes, mais qui chacune explore des territoires qui m'ont semblé fort personnels et intimes. Une fois les présentations d'usage faites, débute "Jam" de Laurie-Anne Gosselin avec Raphaëlle Morin et Florent Duchesneau. En entrée de jeu, il y a elle qui danse et lui qui joue de la guitare (avec une première proposition qui me rappelle fortement la musique qui m'a tellement fait tripper dans mon adolescence soit celle du groupe Funkadelic et sa pièce "Maggot Brain" !). Leurs univers sont bien distincts et en apparence étanches. Mais, la frontière sera franchie et lui fort statique deviendra un complice de mouvements pour faire un duo dans lequel sa maladresse s'estompe rapidement. Et puis, la rencontre réussie faite, les deux reprennent leur parcours pour refaire autrement. 

Il s'en suit, "À la surface" de et avec Audréanne Léger" qui une fois les objets en place, présentera les pas de celle qui avec des gestes empreints de tendresse semble de ma perspective, revenir dans le passé, dans ses souvenirs, jusqu'à un chandail avec des gestes forts explicites, qui semblent lui font remonter des souvenirs. Portée par une musique en parfaite symbiose ( "The Sinking of the Titanic" par Gavin Bryars), je suis touché par ce que je découvre devant moi. Une proposition fort simple qui est mon coup de coeur de la soirée.

Revenu "à la surface" de cette plongée, et nos sièges rapprochés du devant de l'espace, nous attendons le début de "Superstition" de et avec Melina Pires et Camila Saenz, accompagnées par Camille Gendron et Tayna Romain. Mais qui dit superstition, peux y associer la notion de hasard, par conséquent, quatre personnes de la salle devront piger au hasard un petit papier chacune, deux dans une des deux des piles. Dans la première, il y aura, entre autre "chat noir" et dans la deuxième pile, des mouvements qui, je le pense sur le moment, seront des mouvements imposés. Et quand ça débute, je suis aux aguets et de derrière une grosse "boîte", apparaissent des bouts d'extrémité anatomique (mains et pieds) et ensuite deux êtres tout en blanc qui investiront le lieu. À ce "côté" lumineux des êtres, se joindront peu après, la contrepartie sombre. Et dans ce qui suivra, je découvre la cohabitation de mes propres superstitions fort contrastées et pas toujours avouées (chutt !!!). Peu importe de ce que l'on peut penser des superstitions, les créatrices y ont trouvé un terrain fertile pour créer une oeuvre lumineuse en blanc et noir !

Il s'en suit de notre retour vers l'arrière de la salle la présentation de "Rubrique de l'ennui" de et avec Lou-Anne Rousseau et Marie Lamothe-Simon. Le tout débute, une fois la distribution de suçons complétée et c'est suçon en main ou suçon en bouche. Les premiers moments nous présentent les deux interprètes dans une immobilité. Et cette immobilité, je me dois de l'apprivoiser ! Une fois en contrôle de ma perspective de spectateur, je me laisse porter par ce que je découvre sans que l'ennui ne m'envahisse. Je découvre une proposition audacieuse avec les mouvements immobilisés, les poses "improbables" et ces corps aux pas qui font résonner leurs vibrations jusqu'à nous. Une proposition audacieuse riche de ses états de corps dont les moments d'immobilité bousculent le spectateur que je suis. Et ça j'aime cela !

De retour plus vers l'avant, nous découvrirons une vidéodanse de et avec Alicia Najera-Huot, "Les traces que je laisse". Quiconque dans la vie qui le réalise sait que nos pas et nos gestes, selon la "couleur" que nous y apportons, laissent des traces derrière eux, mais aussi sur et en nous. Dans ce que je découvre sur l'écran devant moi, en est une illustration fort poétique. Parce que tout vierge est l'avenir devant nous, le présent qui le précède se charge de laisser des traces, donnant le mauvais rôle au passé qui semble fort vide et qui est envieux de ce qui l'attend ! Voilà ce que je découvre tout au long, jusqu'à la finale nostalgique durant laquelle nous découvrons que nos traces ne sont pas éternelles !

Après une séance de questions réponses fort intéressante et surtout instructive, mes pas me ramènent à la maison avec plein de beaux moments en tête et aussi que cette Passerelle 840 ait encore une longue vie devant elle pour que le puisse y mettre mes pas de spectateur.

Sur mes pas chez Danse Danse pour découvrir "Myokine" d'Anne Plamondon !

 D'Anne Plamondon, je me souviens de ses pas sur scène avec Rubberband, de ses pas aussi en solo ou en duo et je dois avouer que sa présence sur scène ne plait beaucoup. Après ma rencontre avec "Mécaniques nocturnes" en 2017, dans laquelle elle performait en solo, j'avais écrit, " Le propos intéresse, mais les gestes eux, surtout, convainquent et captivent."

Cette fois pour "Myokine", elle restera dans l'ombre, comme chorégraphe. Je dois avouer qu'avant de me rendre, je n'avais aucune idée du sens du mot du titre de la proposition. C'est après la représentation que j'ai fait mes recherches, mais une chose à la fois et débutons par ordre chronologique, soit mon arrivée dans le hall d'entrée de la Cinquième Salle de la Place des arts et en cette soirée de première, il est fort achalandé. 

Le moment venu, mes pas se dirige à mon siège, mais pas en première rangée.

Pause

C'était ma deuxième fois que j'occupais ce siège, B-19, tout proche de l'allée de descente, mais surtout proche d'une lumière qui illumine le sigle A de la rangée devant. La fois précédente, cette lumière, je dois l'avouer, m'avait indisposé jusqu'à ce que les éclairages de la scène se mettent en action et que mon attention se porte devant. Cette fois encore, cette "toute" petite lumière m'a indisposé en début de représentation, plus longtemps compte tenu que l'œuvre sera présentée dans une pénombre. Ce qui est aussi le cas de la spectatrice juste devant moi à qui j'ai posé la question après la représentation. Donc un appel à l'univers, est-il possible de diminuer la luminosité de cette petite lumière pendant la présentation d'une œuvre chorégraphique, parce que siège sera le mien pour les autres fois avec Danse Danse ?

Fin de cette trop longue pause

                                        Crédit: Dimian Siqueiros tirée du site de Danse Danse 

Et c'est de l'ombre qu'émergent les interprètes fort solides (Diana Leon, Eden Solomon, Eowynn Enquist, Isak Enquist, Judy Luo, Justin Rapaport, Raphaëlle Sealhunter) qui tout au long nous présentent, en solo, en duo ou en groupe la perspective personnelle de l'interaction en évolution entre les différents corps. Sans artifices, sinon l'ombre et la fumée enveloppante, les corps occupent tout l'espace. Ce qui me plait particulièrement, est l'utilisation des bras, signature de la chorégraphe, qui est pour moi, l'aspect chorégraphique que me plait le plus chez elle. Portée par un propos fort abstrait, la proposition me laisse toute la latitude pour y mettre mon interprétation de ce que je découvre, soit celle des interactions des corps qui se métamorphosent tout au long. 

De cette scénographie toute sobre et de la variation subtile des costumes, la chorégraphie a toute la place et je reviens de cette rencontre fort satisfait. De retour à la maison, le "chercheur" se met en action. Je découvre d'abord les mots de la chorégraphe qui est pour moi une révélation, ex-prof de chimie que je suis, soit, "Le corps communique et ressens des choses. Il transpire et se surpasse. Parfois. Lorsqu'il se contracte, il produit une molécule, appelée la molécule de l'espoir : Myokine." De cette molécule d'interactions entre nos muscles a aussi un rôle de phéromone, soit de communication entre les corps pour en maintenir la cohésion.

Voilà donc pourquoi, sans que je le réalise, j'ai eu une connexion avec cette œuvre. Et après, je me suis mis à la recherche de la structure de cette molécule, mais là je m'arrête pour ne pas vous perdre. Je me promets de revoir cette proposition si elle revenait sur scène à Montréal !

  

Sur mes pas dans un univers féminin avec "Mascarades" !

Lorsque mes pas se sont dirigés jusqu'à la porte de l'Espace Orange du Wilder, j'étais curieux de découvrir ce qu'allait me présenter celle qui dans mes souvenirs utilise l'ombre et la table (comme dans "Habiter" qui m'avait bien plu !) pour nous entraîner dans un univers féminin tout riche en intimité. 

Dans le café-bar, la foule est fort nombreuse en cette soirée de première pour découvrir "Mascarades" de Katia-Marie Germain présenté par l'Agora de la danse. Une fois les portes ouvertes, je prend place à "mon" siège en première rangée, pendant que tout autour et derrière moi, tous les sièges trouvent preneuse ou preneur. Devant moi, je découvre les accessoires habituels des différentes pièces d'une habitation dont une table, un sofa et des lampes ! Bon OK, je suis bien à la présentation de cette chorégraphe. Qu'en sera-t-il de la suite ? 

Dans cet espace domestique, y arriveront six femmes ( Elisa Barrat, Madeleine Bellefeuille, Jasmine Bouchard, Julianne Decerf, Luce Lainé, Caroline Namts) qui tout au long, dans différents tableaux, exprimeront, seules ou ensemble, différents états de corps. Mon regard est guidé par ces lampes qui s'allument et qui s'éteignent sur les mouvements de celle(s) qu'elle(s) éclaire(nt) dans ce qu'elle(s) exprime(nt).  Le moment fort de cette rencontre avec cet univers féminin est sans aucun doute, celui durant lequel, toutes réunies autour de la table, les scènes éclairées entrecoupées d'une noirceur opaque, nous permettent de suivre l'évolution de ce qui se passe ! Comme si nous assistions aux derniers moments d'une mascarade. Et c'est bien ce qui se passera dans une finale fort "éclatante" !

                                     Crédit Justine Latour tirée du site de l'Agora de la Danse

Au final, avec "Mascarades", Katia-Marie Germain poursuit son expédition, plus en performance qu'en danse, dans différents facettes de l'univers féminin dans lequel le geste peut être interrompu, le trouble intérieur exposé, mais aussi la douceur et la complicité peuvent rayonner, comme le fait un corps noir.  

Sur mes pas dans de nouveaux espaces en émergence chez Tangente avec "LABdiff" !

Dans sa programmation cet automne, de ma perspective, la gang de Tangente nous a proposé des rencontres fort particulières et originales ! Bon OK, vous me direz que de se rendre chez Tangente, cela est assez habituel ! Il en reste qu'avec sa soirée de "Espaces de performance partagés" et la soirée avec le Collectif LABORARE, le spectateur que je suis se retrouvait dans des espaces chorégraphiques relativement nouveaux et qui parfois me déstabilisait quelque peu !

C'est à ce même type de rencontres différentes, la première édition de "LABdiff" que mes pas en ce lundi soir m'amenaient jusqu'aux portes de l'Espace vert en attente de l'ouverture de la porte. Le moment venu sans mes souliers, j'entre dans le lieu. Sur le document qui m'est remis "Ceci n'est pas un programme de soirée" (nouvelle pratique de Tangente que j'aime bien ), nous avons droit à cinq invitations que je vous rapporte ici: -Je me déposerai dans l'instant présent. -J'éveillerai mes cinq sens, et encore plus encore. -J'adopterai une attitude bienveillante face aux propositions. - Je serai curieux et -Je laisserai s'épanouir cette expérience sur mon chemin de retour. Bon, bon, voilà cinq invitations qui il me semble va de soit pour quiconque va à la rencontre de propositions chorégraphiques ! Il en reste que de se faire rappeler, ne peux pas faire de mal, d'autant plus que ce nous découvrirons plus tard est le résultat de trois semaines de recherche exploratoire.

Ainsi donc, une fois que j'ai trouvé ma place dans le lieu qui changera de configuration après la première des trois parties de la soirée présentée par erψn temp3st (Eryn Tempest). Ainsi donc devant moi un grand écran et côté cour une installation avec tapis vert, écran derrière et plein d'accessoires. Avec le début de la prestation, est projeté sur l'écran un univers multicolore  fleuri qui en entrée de jeu capte tout mon attention. Et à ma gauche, les gestes se font plus présents. Comme premier réflexe, je déplace mon regard de l'un à l'autre pour tenter de ne rien rater. Mais peu à peu je constate que ces deux "univers" s'interpénètrent et là, mon plaisir éclot ! Je prends plaisir à découvrir la fusion de ces deux mondes. Le tout est particulièrement beau. À la question posé dans le feuillet, "quelle expérience faites-vous de ce détournement de nos perceptions ?", je réponds que cela m'amène à la frontière entre ma logique et mon imaginaire, ce fil tout petit et instable, mais riche en découvertes et en plaisir.

                                               Crédit Charline Cocset fournie par Tangente

Il s'en suit, pendant la pause (pour démonter le tout et installer la suite), une période de réactions du public. Et comme moi, la proposition semble avoir rejoint bon nombre de personnes présentes. 

Il s'en suit la deuxième proposition de la soirée "Topical danse" de et avec Sebastian Kann accompagné musicalement par Simone Provencher. Une proposition en trois temps qui débute par l'accueil tout simple de celui qui performera avec la projection derrière d'un immeuble et de son balcon et tout au long des phrases projetées (telle que "un soleil noir applique topiquement des écrans solaires dans le palais) sur un petit écran le côté avant de l'espace et aussi sur le plancher (qui pour moi ne seront pas toujours visibles !). Le propos est de ma perspective complexe, mais les gestes sont simples et le lien entre les deux, ne se révèlent pas à moi. Il en reste que je le suis attentivement tout au long, efficacement accompagné par la musique en direct qui d'une partie à l'autre modifie mes sensations face à ce que je découvre. Si je ne peux pas répondre à la première des questions, "Pour vous, quels sont les thèmes principaux qui émergent du propos ?", je peux néanmoins répondre à la deuxième. Donc à la question "Quels sont les thèmes principaux qui émergent de la danse ?", je réponds que dans ces mouvements, j'y ai vu une démonstration intellectuelle rigoureuse sur l'occupation du lieu selon les perspectives proche et éloignée de celui qui l'explore. 

                                             Crédit Pierre Tran fournie par Tangente

Il s'en suit d'une période de réactions et d'échanges avec le chorégraphe et d'une courte pause avant de découvrir la dernière partie de la soirée, de et avec Keenan Simik Komaksiutiksak, accompagné par Cheyenne Rain Legrande, Jontae McCrory, Chrystal Tam et Courtney Taticek. 

                                            Crédit Pierre Tran fournie par Tangente

Pause

Coïncidence ou non, c'était ma deuxième rencontre avec une proposition de ce chorégraphe, la plus récente, il y a moins d'un mois au Festival Phenomena et j'avais beaucoup apprécié, par conséquent bien curieux de découvrir ses "prochains pas" !

Fin de la pause

Dès les premiers moments, je reste captivé par la prise de possession du lieu des cinq personnages dont celle qui sur ces bottes semble être éprouvée ou anxieuse. De les suivre tout au long, je reste "focus", lire ici, mon crayon tout à fait immobile, sur les hauts et les bas de nos ressentis possibles, soit seul.e ou ensemble. J'apprécie particulièrement les gestes et les mouvements tout au long de la présentation des états d'âme et de corps présentés. Et pour répondre à la question posée, "Lorsque vous vous sentez coincé.e dans une boucle (peine, anxiété, euphorie, joie ...) comment cela se manifeste-t-il dans votre corps, et quelles associations faites-vous avec la pièce ?". je dirais que j'ai découvert à quelques occasions, ce que moi-même, je ressens. Définitivement la moins cérébrale des trois propositions de la soirée, mais qui en entrant par mes "trippes", rejoint néanmoins des recoins sombres et aussi lumineux de mon cerveau.

Et comme l'invitait le feuillet, je me suis laissé épanouir par ce que je venais de découvrir lorsque mes pas me ramenaient à la maison. Ce qui m'a permis de faire maturer ma réflexion sur ce que je venais de découvrir.

Au final, moi le spectateur avide de belles rencontres et de nouveautés, cette première édition de "LABdiff" en mérite une deuxième au moins ! 
 

Sur mes pas à une fort belle "Rencontre est-ouest": L'art chinois et celui d'ici" !

C'est sur une invitation (celle d'Aurore Liang) que mes pas m'ont amené en ce vendredi soir jusqu'à l'École de musique Vincent d'Indy pour découvrir une soirée "Beauté harmonieuse". Peu familier avec les arts chinois, je m'y rendais fort curieux et honoré de l'invitation. Une fois la porte franchi et mon nom donné, j'entre dans le lieu, où déjà, bon nombre d'invité.es sont présent.es. Du moment de mon arrivée à la présentation de la prestation sur scène, il y aura la rencontre de connaissances, mais aussi de photos et de mets chinois fort succulents. 

Le moment approchant pour le début des contes, je me dirige à la porte de la salle Marie-Stéphane en attente de l'ouverture des portes et de trouver ma place qui cette fois ne sera pas en première rangée, mais tout proche et fort belle.

Le moment venu après les mots de présentation et de bienvenue tous officiels, nous arrive le moment principal de la soirée produite par Aurore Liang. Dans l'heure qui suit, je pourrai découvrir deux légendes chinoises qui nous présentées par Aurore Liang, conteuse, Sia Chen, musicienne de Guzheng et Michelle Jiang, comédienne (et danseuse) de l'opéra de Pékin. 

Pause

Je le ressens rapidement, j'irai à la rencontre d'un univers artistique fort nouveau pour moi et cela me plait beaucoup ! 

Fin de la pause

Cette soirée débute par une des légendes d'horreur les plus connues en Chine, "Peau maquillée". Conté avec brio par Aurore Liang, cette histoire sur cet homme qui se laisse tromper par les apparences de celle qu'il rencontre. Cette histoire accompagnée par la musique de Sia Chen et de Michelle Jiang aux costumes multiples captive, autant par son propos que par ce que je découvre sur scène devant moi.

                                                                Crédit Qi Lie

Et suivra en deuxième partie, "la légende de la Saint-Valentin Chinoise" qui est en fait, selon les dires de notre hôtesse de la soirée est une combinaison de deux légendes. Peu importe, ce qui suivra, cette histoire impossible entre un jeune bouvier humain et une jeune tisserande de nature divine. Le type d'histoire que j'ai lu dans ma jeunesse, mais qui là a une coloration fort différente, portée par la musique fort belle, mais surtout par les mouvements et les gestes de Michelle Jiang, qui manie de façon fort  impressionnante et fascinante les très longues manches de sa belle robe. Jusqu'à la conclusion de cette histoire, je suis en pleine immersion d'un univers fort passionnant, mais surtout fort beau tout en m'amenant dans de nouveaux territoires culturels. Impossible de ne pas apprécier la beauté des costumes, j'apprendrai aussi que pour se préparer, Michelle Jiang doit y mettre plusieurs heures et à voir juste son visage, ce n'est pas difficile à croire.

                              Les trois artistes. Crédit Qi Lie

Une fois les applaudissements fort bien mérités et les mots de conclusion énoncés, mes pas me ramènent à la maison fort heureux de cette rencontre organisée par Aurore Liang, mis en scène par Robert Reid. J'ai l'intime impression d'avoir fait la rencontre d'un univers tout aussi riche que différent incarné par des artistes de haut niveau ! Et moi qui ne voyage pas et qui me plait à le répéter, si je ne vais pas au "monde", le "monde" vient à moi et cela me comble ! Et cette soirée en est un bel exemple de ce type de belle rencontre qui mériterait à être représentée !

Sur mes pas à "Évènement Diversion" pour faire de belles rencontres !

 Lorsqu'est apparue sur mon radar de spectateur l'invitation de Commun Collectif (Béatrice Cardinal, Camille Courchesne-Couturier et Léa-Kenza Laurent), j'ai fait de la place pour aller à la découverte de leur "Évènement Diversion", soirée d'art vivant de la relève. Par conséquent, mes pas, en ce jeudi soir, se sont dirigés jusqu'au CJE (Centre Jeunesse Emploi) centre-ville, sur la rue Sainte-Catherine. 

                                                         Tirée du site FB de l'évènement

Pause

Je dois l'avouer, je suis fort impressionné par la détermination de ces jeunes qui trouvent leurs propres voies pour se produire "sur scène" et aussi pour en présenter d'autres. Que ce soit au bar Pow Pow, sur St-Denis, le Café Cléopâtre sur St-Laurent et aux espaces de la Cité-des-Hospitalières en transition sur l'Avenue des Pins, ces jeunes se retroussent les manches et n'attendent pas que les diffuseurs les accueillent, faute de place. Depuis la pandémie, ces derniers ne suffisent plus à fournir pour présenter le flot de propositions qui se font. Donc, à défaut des lieux qui ouvrent leurs portes, ils et elles investissent d'autres lieux et nous offre leurs créations. Et moi, quand je le peux, je dis oui !

Fin de la pause

En ce jeudi soir, une fois rendu au sixième étage de l'immeuble, mes pas se dirigent jusqu'à la porte du local du CJE Centre-ville pour y être accueilli. Une fois dans la place, j'examine les lieux et je découvre un espace ouvert avec tout autour des sofas, des chaises et des coussins par terre. Bien guidé par une des organisatrices (merci Camille !), je trouve ma place qui sera la mienne pour toute la soirée ou presque.

Le temps passe, les gens se rencontrent jusqu'au moment du début de la première prestation "S13.C23" de et avec Léa-Kenza Laurent. Donc seule devant nous, je découvre ses mouvements portés en quatre temps, soit quatre pièces musicales. En entrée de jeu, je dois avouer que la première me plait beaucoup et je sens les gestes en parfaite communion avec ce que j'entends. Comme si cela préparait à la deuxième partie, plus aérienne qui me la montre libérée, effervescente, prête pour la suite. Dans la troisième partie, retour au calme, mais déterminée jusqu'au départ. Mais pour aller où dans la quatrième partie, mais avec un regard affirmé qui irradie. À nous d'imaginer la suite ! De ma perspective, voilà une belle illustration de ce qu'a pu vivre cette finissante du BAC de l'UQAM depuis l'obtention de son diplôme en 2021. 

Il s'en suit de l'accueil officiel de nos hôtesses de la soirée et des remerciements envers leurs hôtes du CJE centre-ville qui nous indiquent que leur organisme est le seul qui appuie les efforts des jeunes finissant.es du monde artistiques ! Pour la suite, nous sommes invités à quitter notre siège pour nous rendre plus à l'arrière pour découvrir en toute liberté, pendant une vingtaine de minutes, deux performances chacune de son côté, soit "Excaver-Déféquer-Habiter" (de Hasna Lionnet et Jade Préfontaine) et "mains/pieds/cornucopia préhensible" de et avec Glamour Magique. Si la première proposition que j'avais déjà vue, il y a quelques mois, m'a laissé encore une fois quelque peu dubitatif, celle de Glamour magique, m'a surtout intrigué. J'ai découvert une masse globulaire avec un orifice dont sortait des pieds et des mains. Et cette orifice "gobait" tout ce que les spectateurs-spectatrices lui donnaient. Je dois l'avouer, je préfère la danse !

Le temps venu nous sommes rappellé.es à notre place pour découvrir "Les monstres" de Malina Fürhoff avec Camille Paquin, Kali Trudel et Stéphanie Leclair. Devant moi, deux en robe et une autre sous un "emballage" monstrueux ! Le début débute sous un aura de mystère avec une coloration angoissante. Tout en lenteur, les êtres évoluent dans l'espace, se métamorphosent, lire ici leur physionomie, en investissant la place et mon attention. Pendant leur métamorphose, c'est aussi leurs expressions faciales qui captent mon attention jusqu'à la conclusion.

Il s'en suit une courte pause qui sera suivie par la présentation de "Divan" (décrite comme du théâtre corporel) d'Anneke Brier, de Catherine Côté-Moisescu, Stefania Skoryna, Charles Castonguay, Harry Demers et Catherine Lapalme. "Sur" ce divan et devant un écran iels seront quatre à prendre place, d'abord blasé.es, iels réagissent au zapping fait par la manette. Par la suite, le divan se métamorphosera  dont en une cape protecteur. Il y aura le moment, comme parfois les évènements de nos vies, ielles perdent le contrôle de la manette. Le tout se terminera par un retour à la bien "plate" réalité, jusqu'à la fin des émissions. Cette proposition de théâtre corporel avec des touches chorégraphiques revisite cette relation fusionnelle que ma famille avait avec le petit écran, dans ma jeunesse, assis sur le divan, devant.

Le tout se termine avec ce qui sera mon coup de cœur de la soirée "Et si le canal s'entrelace ?", œuvre chorégraphique de et avec Olivia Jaén Flores et Catherine Wilson. Ça sera cette dernière qui prendra place dans l'espace et qui dans les premiers moments nous présente cette femme qui manipule sa chevelure comme si elle tergiversait sur la suite de sa vie. Son incertitude illustrée par ces cheveux qui se font et se défont, se conclue par une suite "tout en mouvements". Je me laisse ensuite porter par ses mouvements, accompagnée par des paroles ! Ce que je découvre tout au long est pour moi, beau comme un poème ! Voilà une très belle façon de conclure cette soirée fort diversifiée.

Pendant que la suite se concluait fort "festivement", mes pas me ramènent chez moi fort satisfait de ces rencontres.

Sur mes pas à la première rencontre "Hors-Scène", où il est question de Cinédanse !

 À cette invitation des gens de l'Agora de la danse, j'ai dit oui. Nous était présenté pour une première fois, "Hors-Scène" dont je vous redonne ici la phrase descriptive tirée de leur site, "En parcourant les résidences artistiques de l’Agora, Hors-Scène sort du strict champ de la chorégraphie et des spectacles pour élargir le regard sur la danse et créer des rencontres entre les publics curieux et les artistes."

Il y avait là tout ce qu'il faut pour attirer mon attention, curieux comme je suis ! Voilà donc pourquoi mes pas en ce lundi début de soirée se dirige jusqu'à l'Espace Bleu pour rencontrer Émilie Morin et Priscilla Guy qui nous parlerons Cinédanse avec des exemples. De Cinédanse, j'ai pu assister à plusieurs présentations organisées par Priscilla Guy qui a guidé mes pas dans cette façon intéressante de présenter la danse dont la plus récente en extérieur au FTA. Et aussi, celle qui m'avait invité à en faire !

À mon entrée en salle, une fois salué Frédérique Doyon (commissaire et initiatrice de ce type de rencontre) et les présentatrices, je prends place. Devant moi, je remarque les écrans et aussi des toiles réparties dans l'espace scénique et dont on m'expliquera l'utilité plus tard. Dans cet espace où sera présenté "Peau" créé par les deux présentatrices servira de lieu pour finaliser la création d'ici là. 

Après les présentations d'usage, viennent nous parler Émilie et Priscilla qui a tour de rôle nous parle de leurs perspectives et des opportunités que la caméra peut apporter dans la perspective avec les mots dits et que je retiens, "film pour capter des détails de la danse" et aussi "la chorégraphie des images". Pour moi, voilà une façon différente de capter les mouvements et de guider le regard.

Pour illustrer leurs propos, trois oeuvres "Hiatus", "Toute cette tendresse" et "Saigner toaster", disponibles sur abonnement sur le site de Regards Hybrides. Tout au long du visionnement des trois oeuvres, nous découvrirons trois perspectives qui couvrent une bonne partie du spectre de la Cinédanse. Il en reste que dans ce que j'ai vu, il y avait un peu de moi puisque dans "Hiatus", j'ai apporté ma modeste contribution et il est possible de découvrir "mon visage immobile animé" ! Pour mieux comprendre cette expression, il faut savoir qu'on avait capté mon visage immobile pendant cinq minutes et qui avait néanmoins de légers mouvements, captés par la caméra "fort attentive" ! Je n'en étais pas à mon premier visionnement, mais les courts moments de mon visage présenté me font toujours de l'effet. 

Une fois présenté, il s'en suit un échange entre le public présent et les deux présentatrices fort intéressants. Leurs perspectives sur cette façon de capter les mouvements nous sera présentée sur différents écrans (écrans présents sur scène) dans "Peau" avec quatre interprètes prochainement. Et j'ai mon billet !

Je reviens donc fort heureux de cette rencontre, mais aussi un peu triste parce que la prochaine invitation "Hors-Scène", le 4 décembre prochain, sur le thème "Danses Autochtones" avec Natasha Kanapé-Fontaine et Ivanie Aubin-Malo, je vais la rater !

  

Sur mes pas au théâtre chez Duceppe: la nouvelle réalité de notre monde avec "Docteure" !

Peut-on intégrer dans une seule proposition théâtrale, à peu près tous les enjeux actuels ? À la lumière de ce que j'ai découvert tout au long de la présentation de la pièce "Docteure" de Robert Icke, traduite fort justement par Fanny Britt et mis en scène par Marie-Ève Milot, je serais tenté de dire oui. 

Mais commençons par le début et mon arrivée tout juste à temps (le centre ville de Montréal peut réserver de mauvaises surprises, lire ici des bouchons de circulation exaspérants et "paniquants" ! Moi, habitué, à arriver près de trente minutes à l'avance, lorsque mes pas m'amènent à mon siège, il est minuit moins une ! Et je ne serai pas le dernier arrivé ! Bon, malgré tout, je prends place, retrouve ma quiétude et débute les présentations et l'ouverture des rideaux !

                                                Affiche tirée du site du Théâtre Jean-Duceppe

Il s'en suit d'une scène qui oppose les convictions des uns et l'autorité des autres. Un prêtre peut-il ou doit il entrer dans la chambre d'une jeune fille, adolescente, sans que les parents partis en voyage l'autorise. La décision de son médecin traitant est sans appel, même devant l'insistance du prêtre appelé à son chevet. Un des enjeux ou le prétexte de ce refus est de ne pas troubler davantage sa jeune patiente, dont le décès est inévitable. 

Pascale Montpetit dans le rôle de ce médecin est fort solide et convaincante tout au long. Elle est entourée d'une distribution qui l'appuie bien, Alexandre Bergeron, Sofia Blondin, Alice Dorval, Nora Guerch, Ariel Ifergan, Tania Kontoyanni, Sharon James, Harry Standjofski, Elkahna Talbi, Yanic Truesdale avec une mise en scène fort dynamique et efficace.

Il s'en suit une déferlante de conséquences à l'ère moderne des réseaux sociaux durant laquelle chaque parole et chaque geste peut être capté et par la suite, être diffusé et interprété. Quelles sont les motivations réelles et intimes de chacun, tout cela enrobé du vécu de chacun et chacune. De ce refus, nous serons entraînés dans une spirale dans laquelle se dévoileront, entrer autres, des aspects de la vie personnelle de cette médecin, des enjeux financiers d'une institution hospitalière privée avec une couleur religieuse. Et de ma perspective, les motivations de certain.es, tels des requins, qui sentent le sang. 

Cette pièce n'est pas parfaite, avec des longueurs, mais au final, elle mérite définitivement qu'on l'a découvre.      

Sur mes pas en danse: Sortie en demi teinte suite à ma rencontre avec "Jungle Book reimagined" chez Danse Danse.

 Je n'en étais pas à ma première rencontre avec une oeuvre de Akram Khan et mes souvenirs étaient fort positifs. Voilà donc pourquoi, mes pas et ma tête aussi, étaient d'entrain en me rendant au Théâtre Maisonneuve pour découvrir sa plus récente création, "Jungle Book reimagined". C'est donc bien assis dans "mon" siège en première rangée que j'attends que le rideau se lève sur sa version réimaginée du livre de la jungle, version qui durera plus de deux heures, entracte inclus. 

                                          Affiche de la soirée tirée du site de Danse Danse

De sa version de cette histoire, au final j'en sortirai à demi satisfait et voici pourquoi. Commençons par du positif, l'installation scénographique avec cette toile devant la scène sur laquelle il sera projetée des animations fort riches. Il y aura aussi des performances chorégraphiques impressionnantes et inspirées des différents interprètes (Maya Balam Meyong, Tom Davis-Dunn, Harry Theadora Foster, Filippo Franzese, Bianca Mikahil, Max Revell, Matthew Sandiford, Pui Yung Shum, Elpida Skourou, Holly Vallis, Jan Mikaela Villanueva et Luke Watson). 

Il en reste que cette histoire, on nous la raconte beaucoup en mots et ça, moi, de mettre dans "ma poche arrière" ma capacité à imaginer ce que je découvre, à ne pas y trouver mon sens à l'histoire, ça me refroidit ! Il y a aussi le fait que les dialogues énoncés étaient mis sur les lèvres muettes des interprètes. 

Bon au final, j'en reviens semi satisfait, mais je n'aurais pas voulu la rater cette rencontre !

Sur mes pas dans un territoire chorégraphique différent chez Tangente avec "Effet d'entraînement" !

 Pour cette proposition chorégraphique, "ma" gang de Tangente nous conviait à une proposition quelque peu différente, dans laquelle l'intelligence artificielle occupait une place importante, sinon centrale. Le Collectif LABORARE (Marine Theunissen, Raphaël Dely et Lauriane Cuello en régie et Marc-Antoine Auger, Guillaume Chapnick, Lea St-Pierrre, Pierre-Rodrigue Kwemi, Jacinthe Bellemarre, Laurent Marion, Giverny Welsch et Eric Vega à la performance) nous conviait à une proposition surprenante autant dans la forme que dans le "fond". 

Mais commençons par le début et mon entrée dans l'Espace Orange du Wilder, coussin fourni en main ! Nous sommes donc invités à prendre place autour d'un espace rectangulaire lumineux, de proche comme moi ou d'un peu plus loin comme d'autres. Je découvre dans l'espace des fils qui pendent jusqu'en bas ou qui s'arrêtent à mi-chemin. Le temps passe, le lieu se remplit et puis, une fois les mots de bienvenue de Laurane Van Branteghem énoncés, le tout débute. 

Dans ce qui suivra, en entrée de jeu, peu à peu, j'y trouve mon sens, soit le sens multiple du mot "connexion", soit connexion, déconnexion, reconnexion, non-connexion entre les êtres qui cohabitent par intermittence dans un territoire et leurs réactions. Tout cela enrobé par l'atmosphère sonore et lumineux de ce lieu qui je le découvrirai plus tard est en lien (ou qui réagit) avec les mouvements captés par cette caméra tout en haut, témoin "big brother" de ces moments. Et une fois ces interactions humaines révélées et bien en place, de ma perspective, le tout s'arrête !!!! Il s'en suit de l'arrivée dans l'espace de tous les artisans pour une période d'échange entre eux et elles. C'est à ce moment que je découvre le concept inusité et improvisé de l'œuvre qui demande aux interprètes de réagir aux réactions des algorithmes qui eux réagissent aux mouvements captés par cette caméra tout en haut. 

Une fois cette séance de clarification, fort utile, la deuxième partie se met en place avec de ma part une compréhension et une sensibilité rehaussées de ce qui se passe là juste devant moi. Dans les premiers moments, je tente d'établir des liens, mais rapidement, je me laisse aller à ce que je découvre, oubliant mon objectif d'établir des liens. Durant, deux moments m'intriguent particulièrement. D'abord, celui durant lequel, une des interprètes, marche tout en déplaçant "légèrement" le fil délimitant le lieu. L'autre durant lequel la même interprète s'insère dans ces fils qui pendent de tout en haut comme si elle voulait passer entre les mailles du filet ou s'y insérer ! Il y aura aussi quelques moments de rencontres fort riches. Mais le tout se termine pour laisser place à la deuxième rencontre des artisans avec cette fois la possibilité du public à poser des questions. De ces moments, émergent d'autres informations intéressantes pour mieux comprendre ce que nous venons de découvrir. 

                                           Crédit Mariana Frandsen fournie par Tangente

Mais parce que le temps passe et que la fin est toute proche, la troisième partie sera fort courte, comme un épilogue pour conclure ces rencontres dans ce monde "nouveau" dans lequel nous évoluons de façon interactive avec une entité nouvelle. 

Intrigué par un élément de la proposition, je pose ma question après ! Les gestes en liens avec ces fils, ont-ils influencé le cours de l'œuvre ? Et la réponse, me parlait particulièrement ! Et cette réponse est non, parce que les déplacements de ce ou ces fils, trop subtils, ne peuvent être captés comme si de ma perspective, il est encore possible d'échapper au regard de ce "big brother" !

Je repars fort satisfait de cette rencontre entre les arts vivants et les algorithmes qui me fait réfléchir sur le sens des nouvelles relations entre les humains et la "machine" !

Mon retour sur "NYX", conte circassien fascinant, peuplé de personnages féminins !

 En général, lorsque mes pas m'amènent à la TOHU, ils sont accompagnés de ma blonde et de nos petits-fils. Cette fois, c'est seulement avec ma blonde et cette sortie pour assister à "NYX" du Collectif Chimère (Johanne Madore et Pierre Przysiezniak), je la faisais parce que recommandée par Lucie Vigneault. Dans ce qui me sera proposé, il y aura des aspects chorégraphiques et cela m'aidait à surmonter une crainte permanente que je ressens lors de ce type de recommandation. Celle qu'un.e des artistes rate un mouvement et que je sois témoin d'une "catastrophe". 

Soyé.es rassuré.es en ce vendredi soir devant un parterre fort bien rempli par un public de tout âge, rien de fâcheux ne se produira, tout au contraire même ! 

                                                                 Tirée du site de la TOHU

Une fois les mots d'acceuil énoncés, de l'ombre émerge derrière un rideau celle qui débute son parcours narratif pour nous entraîner dans les différents numéros circassiens des différentes interprètes (Catherine Beaudet, Laurie Bérubé, Mathilde K. Richer, Leela Masuret, Andrea Ramirez Falcon, M. Leigh Rennels, Katarina Sobinkovicova). Tout au long, je suis porté, autant par la beauté de ce que je découvre que la poésie qui s'en dégage. Captivé aussi, et pas qu'un peu parce que, comme le dira ma blonde en fin de présentation, mon crayon sur mon calepin est resté totalement immobile tout au long. De ces moments de tissus aériens à ceux de celle qui tient tout en hauteur l'autre avec un seul point d'appui, je reste captivé !

En cette soirée, j'ai trouvé comment la danse et les arts circassiens pouvaient s'amalgamer pour me captiver et surtout repousser ma crainte du geste raté ! Peu de mots écrits, je le concède, mais de belles sensations ressenties, plein ! Merci Lucie !

Lorsque nos pas nous ramènent à la maison, une promesse, je me fais, la prochaine sortie à la TOHU sera pour bientôt et elle sera avec mes petits-fils. 

Mon retour sur une rencontre "unique" et bien spéciale avec Alexandre Morin dans "Anatomie d'un moteur" !

Lorsque mes pas se dirigent jusqu'à l'Espace Bleu du Wilder de l'Agora de la danse, c'est pour découvrir un pan de vie familiale d'Alexandre Morin. De lui dans le passé, j'ai pu apprécier les pas sur scène et aussi les chorégraphies. Cette fois c'est de et avec lui que les choses se passent !

Dans sa famille, le descriptif de la proposition l'annonce clairement, "on est mécanicien-carrossier de père en fils" ! Si son frère a effectivement suivi les traces de son père, pour Alexandre, ses pas l'on amené à l'opposé, vers la danse. Si en entrée de jeu, ces deux univers sont fort différents, vous en conviendrez sûrement, il en reste qu'après avoir découvert ce que j'ai vu, je peux aussi affirmer, qu'ils ont aussi des ressemblances, soit la beauté et l'application des gestes. 

                                     Crédit Jonathan Goulet tirée du site de l'Agora de la danse

Donc, à mon entrée en salle, je trouve "ma" place en première rangée sur laquelle je trouve un feuillet papier de présentation que je range pour pouvoir le lire plus tard (ça j'aime ça !!!). Je découvre devant moi, à droite, un grand écran "juché" en hauteur et à droite un "objet" qui a tout, à mes yeux, d'un cheval mécanique ! Le temps passe et une musique d'ambiance se fait entendre. Le moment venu, tout discrètement, apparait à l'arrière, Alexandre Morin et puis après bu une gorgée d'eau, "glou, glou, dans le moteur !", il se dirige tout près de l'écran. Et sur cet écran sera projeté les gestes de son frère qui travaille sur la carrosserie d'une automobile. Pour peu qu'on y porte attention, et attention il y a (!), dans ces gestes montrés tout appliqués et qui peaufinent la matière métallique, une beauté qui a des allures de chorégraphie, j'y découvre. 

Dans ce qui suivra, de tableau en tableau, j'y vois le cheminement de celui qui est parti de sa famille pour évoluer ailleurs et ce dans tous les sens du terme ailleurs. Du parcours de celui qui a dévié de la tradition familiale de mécanicien-carrossier pour se diriger en danse, nous le voyons bien. Et ces gestes et ses mouvements, qu'il exécute avec talent, nous le font accompagner sur ce chemin vers un univers fort différent et cela appuyé par sa mère. Lorsqu'il enfourche le cheval mécanique, j'y vois une illustration fort riche, que dans la vie, il faut savoir s'accrocher pour aller de l'avant ! Durant ces moments aussi, nous entendrons une discussion entre les deux frères aux parcours professionnel différents dont l'importance et le contexte de réalisation m'est donné lors de la rencontre d'après représentation, rencontre fort riche elle aussi. À cette rencontre de l'équipe, Alexandre Morin, Jonathan  Goulet (conception musicale et vidéo) et Mathieu Leroux (dramaturgie), j'y apprends plein d'éléments intéressants, mais une question de ma part et non posée, m'intrigue. Et cette question est toute simple, si nous découvrons le parcours d'une vie tout au long de l'oeuvre, comment la création de "Anatomie d'un moteur" a changé le chorégraphe interprète ?

Dans cette oeuvre de docu-fiction amalgamant danse, théâtre et cinéma, chacun y trouvera ses clés d'interprétation pour séparer la docu de la fiction, ce qui personnellement me plaît particulièrement ! Au final, ma rencontre avec lui et eux (lui et son frère), ses confidences qu'il nous fait, surtout en gestes m'ont particulièrement plu et touché !

Mon retour sur mes nombreux pas pour découvrir et apprécier différentes destinations de la "Journée ADÉSAQ" de Montréal !

Bien tranquillement installé chez moi, je reçois un « appel », un courriel plutôt, pour me confier une « mission » ! Prenant note attentivement de l’objectif de cette mission, je l’accepte rapidement. Je devrai accompagner en deux temps (AM et PM), deux élèves de deux écoles membres de l’Association des écoles supérieures d’art du Québec (ADÉSAQ) qui auront l’opportunité de découvrir des territoires culturels différents de ceux de leur programme actuel ! Une journée unique proposée par l’ADÉSAQ depuis quinze ans à Montréal et depuis l’année passée, à Québec.

Pause 

Si comme moi cette association, vous ne la connaissiez pas, sachez qu’en font partie : l’École de danse contemporaine de Montréal, l’École de musique Vincent-d’Indy, l’École nationale du cirque, l’École nationale de la chanson, l’École nationale de l’humour, l’École nationale de théâtre du Canada, l’École supérieure de ballet du Québec, le Conservatoire de musique et d’art dramatique du Québec, l’École de cirque de Québec, l’École de danse de Québec, l’École des arts numériques, de l’animation et du design, L’institut national de l’image et du son (L’inis) et Musitechnic et depuis peu, l’Institut des métiers d’art qui regroupe huit écoles-ateliers. Vous pouvez donc constater que ces écoles couvrent tout le spectre des arts ! 

 Fin de la pause 

Compte tenu de mon intérêt pour la danse, on me propose d’accompagner en matinée, Shô Araki de l’École supérieure du ballet du Québec dans sa découverte de L'inis. En après-midi, je rejoindrai Julianna Bryson, de l’École de danse contemporaine de Montréal à l’Espace VERRE. Le tout se terminera en début de soirée à l’École de musique Vincent-d’Indy pour un grand rassemblement. Cette proposition je l’accepte avec grand plaisir et après une petite recherche, je découvre que les deux étudiant.es, j’avais pu apprécier leurs performances, il y a peu de temps (mars 2023) dans « Colossus » de Stephanie Lake à la Salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts.

C’est donc tout aussi fébrile (de bien effectuer ma « mission ») qu’heureux que je me dirige en début de matinée, le 6 octobre dernier, jusqu’au hall d’entrée de L'inis. Question de clarifier la raison de ma présence, je me présente aux responsables de la journée, parce que voyez-vous, mon âge est « un peu » plus élevé que les jeunes autour de moi ! Mais pas de problème, ma venue avait été annoncée. Parmi ces jeunes, se trouve Shô Araki à qui je me présente et son accueil est cordial, yeah !. Le moment venu, le groupe est invité à se diriger dans une salle pour y rencontrer celui qui expliquera le déroulement de la journée. Il est accompagné des quatre guides qui prendront en charge un groupe de quatre élèves pour effectuer les différentes étapes de production d’un court métrage de deux minutes (du scénario, du tournage et du montage) qui sera présenté en soirée. Beau challenge, et au risque de divulgâcher, ce défi a été relevé avec brio par les quatre groupes.

Après que tous.tes se soient présenté.es en indiquant leur école, je constate de la grande diversité artistique du groupe (danse, cirque, théâtre, humour) ce qui, de ma perspective, promet de belles rencontres et de beaux échanges. Une fois notre groupe constitué (danse contemporaine, ballet, cirque et humour), notre guide assigné, le comédien professionnel attribué et les quelques contraintes choisies, nous nous dirigeons dans une salle, autour d’une table, pour débuter le brassage d’idées sur ce que sera ce court métrage.  

Après les premières indications transmises par notre guide, Pierre-Antoine Fournier, réalisateur expérimenté diplômé de L’inis en 2006, débute le brassage d’idées. Peu à peu, l’idée directrice émerge d’abord et cristallise ensuite. Suivant les conseils du guide, le tout se construit, chacun.e apportant ses idées et ses suggestions. Les lieux de tournage sont déterminés (dont une salle de bain !) et réservés ! De ma perspective d’observateur, je peux autant apprécier le sérieux que ces jeunes apportent à leur travail collectif que la qualité de leurs échanges, tout cela habilement dirigé par Pierre-Antoine. Une fois les principales décisions prises dont l’utilisation de la danse dans une des scènes et que le comédien soit arrivé, le processus de création débute, par conséquent, direction la salle de bain !

 

Les quatre membres de l’équipe alternent de position tout au long de l’obtention des différentes prises. Si durant les premiers moments, je ressens une certaine hésitation, rapidement, les choses se déroulent rondement. Les élèves d’un jour sont bien conseillés, au sujet des décisions de reprendre ou non une scène, compte tenu du temps qui passe sans merci ! Shô et ses collègues apportent leurs contributions, parfois de façon spontanée, d’autres fois, à la demande du guide du moment. Leurs premiers pas dans le septième art sont impressionnants de ma perspective.

Et puis arrive le moment de conclure ce premier des deux moments de tournage pour aller à la pause dîner. Et moi juste après, mes pas doivent se diriger vers ma deuxième destination de la journée, plus à l’ouest de la ville à l’Espace VERRE. Et c’est sans anicroches que je trouve mon chemin jusqu’à la rue Mill pour être accueilli par la directrice générale, madame Marina Dobel qui compte tenu de mon arrivée un peu hâtive (!), me présente son école et me fait faire une visite, fort intéressante, des lieux.

Je me rends ensuite jusqu’à un atelier dans lequel se trouvent déjà les étudiant.es en pleine action de création, dont Julianna Bryson que je salue rapidement parce qu’en plein travail, dans un atelier de chalumeau avec deux personnes pour les conseiller au besoin. L’atelier est une initiation au travail du verre au chalumeau : pour façonner des perles et des billes, de formats différents, avec une ou plusieurs couleurs. 

 

Les instructions du début semblent bien comprises parce que le tout se déroule rondement. Discrètement, je m’assois et ce qui me frappe d’abord est l’application de tous.tes les participant.es ! Je découvre comment les principes physiques de rotation et de gravité s’allient aux gestes et à la patience pour transformer, si bellement, la matière ! Même si l’objectif est de faire un « même » objet, en apparence, l’intérêt à l’exercice reste constant. 

Le tout se termine et nous sommes invité.es à nous diriger ailleurs pour assister à une démonstration de verre soufflé. Elle durera un peu plus d’une heure durant laquelle les mêmes principes physiques de rotation et gravité, mais à plus grande échelle seront utilisés. Nous observerons attentivement, le travail de Dylan Duchet, gradué de l’Espace VERRE et chef technicien qui manipule tout en patience et en finesse cette masse de verre qui grossit tout doucement. Et qui sans avertissement, se transforme en un objet qui surprend et impressionne tous les gens présents. « L’apparition » de cet objet est suivie par des applaudissements fort bien mérités. Je découvre fort personnellement que la patience est une des qualités nécessaires pour apprivoiser la matière et la transformer !

La journée se termine ainsi et mes pas accompagnés par ceux de Julianna, qui me partage les raisons de son arrivée à Montréal depuis son Edmonton natal et de son choix de la journée ! Nous nous dirigeons jusqu’à la dernière destination de cette longue mais fort riche et intéressante journée, l’École de musique Vincent-d’Indy. Au programme de la soirée, retrouvailles des différent.es participant.es et présentation des créations faites durant la journée dont le court-métrage dont j’ai pu suivre les premières étapes de création.

Rapidement dans cette cafétéria, je peux apprécier des échanges fort animés compte tenu que les étudiant.es d’une même école n’ont pas fait les mêmes rencontres culturelles. Arrive la partie « protocolaire » de la soirée animée avec dynamisme par la directrice générale de l’ADÉSAQ, Chantal Boulanger ainsi que par Alex Lefaivre, conseiller technopédagogique et chargé de cours à l’École de musique Vincent-d’Indy. Il s’en suit la présentation des différentes créations de la journée que je découvre avec grand plaisir, avec un petit plus pour le court métrage de « ma » gang du matin avec les mouvements de danse que la porte de la salle de bain m’avait empêché de voir. Une fois les présentations complétées, mes pas me ramènent, fort heureux, à la maison avec la sensation d’avoir été témoin privilégié de moments de découvertes. 

Mon expérience de pédagogue m’a montré que les jeunes n’ont pas qu’un seul talent et que de l’avis de Shô et de Julianna que j’ai pu accompagner, iels ont grandement apprécié leurs « pas » dans un monde artistique différent de celui dont iels complètent leur étude. De ma perspective, voilà une journée qui leur laissera des traces fort importantes !

Et si vous aussi, avez une fibre artistique, peu importe votre âge, sachez que sur le site internet de l’ADÉSAQ (adesaq.com), vous découvrirez que plus de 30 000 individus fréquentent l’une ou l’autre de ces écoles dont plusieurs dans le cadre d’activités récréatives en plus des deux mille étudiant.es inscrit.es à la formation supérieure.