Sur mes pas au théâtre: Une rencontre avec "Rose et la machine" qui ne peut laisser indifférent !

Voilà une forme théâtrale que j'apprécie particulièrement, celle du théâtre documentaire. Pourquoi explorer la fiction lorsque la réalité peut nous permettre de mieux comprendre certaines réalités contemporaines et interpellantes aussi ? Voilà pourquoi mes pas m'amènent régulièrement vers une proposition théâtrale documentaire. Et pour cela, la compagnie Porte Parole, à chaque fois pour moi, vise juste. Ces dernières années, il y a eu deux fois "J'aime Hydro" et aussi "L'assemblée" et à chaque fois, j'ai été captivé et "rassasié" par ces rencontres. Mieux comprendre notre monde, voilà un objectif que j'ai et que cette compagnie m'aide à atteindre. Cette fois, c'est pour découvrir "Rose et la machine" que mes pas, bien accompagnés par ceux de ma blonde, m'amènent jusqu'à la salle du théâtre Jean Duceppe en ce samedi après-midi.

                                                              Tiré du site de Porte Parole

Bien assis sur notre siège, nous attendons le début, comme de nombreuses autres personnes autour de nous. Et puis le tout débute. Sur cette scène devant, nous découvrons cette femme (Maude Laurendeau) qui se présente à nous. Cette interprète est vraiment la mère d'une enfant autiste (Rose) et cela se ressent très rapidement. Pendant presque deux heures, nous aurons, d'abord, droit au constat, aux pérégrinations de cette femme, surtout, dans le système de santé d'abord, scolaire ensuite et en fin de parcours de sa rencontre avec des adultes "autistes". Si le tout fonctionne si bien, c'est que tous les intervenant.es, sont incarnés de façon si convaincante et impressionnante par Julie Le Breton (aussi belle-sœur de Maude Laurendeau). Le parcours de la combattante est tellement bien présenté et rejoint, droit au coeur, le spectateur que je suis (larmes incluses). Et si je me fie à ce que j'ai entendu et vu à la fin de la représentation, je ne suis pas le seul !

Et  moi même, comme grand père, je peux en témoigner ! Maude Laurendeau est tellement magistrale et tout aussi crédible pour nous décrire son vécu et du changement de perspective face à ces enfants et adultes aussi qui sont autistes, mais peut-être pas différent ! Je défie quiconque de rester impassible devant ce que nous découvrirons tout au long ! Et sans être ce couple qui est resté longuement sur leurs sièges après la fin, manifestement touché par ce qu'il venait de voir, moi j'en garde des traces indélébiles.

Sur mes pas en danse: "Vega" une proposition qui a laissé libre mon imagination et mon interprétation tout au long !

C'est une soirée qui annonçait l'hiver à venir par sa blancheur sous mes pas lorsque je me dirige jusqu'au Théâtre rouge du Conservatoire. Voilà un lieu que je n'avais pas visité depuis longtemps et dont la coloration rouge me semblait plus vive en cette soirée si blanche l'extérieur. Et cette blancheur, je la retrouve aussi devant moi autant sur le plancher que sur les murs sans issue de cette scène, avec sur le plancher tout autour quelques vêtements et des "souliers". Le temps passe et une fois le moment venu, du devant du côté jardin, apparaissent à tour de rôle les quatre interprètes (Élise Bergeron, Rosie Contant, James Philipps et Marilyne St-Sauveur) différemment habillé.es. 

Pause

De cette dernière interprète, Marilyne St-Sauveur, je me souviens encore de notre première rencontre ! C'était durant le FTA en 2009. Je m'étais rendu au Monument National pour découvrir "Microclimats". Différentes prestations dans tout l'édifice, mais à mon entrée, j'ai droit à une performance "une interprète et un spectateur" proposée par Emmanuel Jouthe et cette femme, c'était Marilyne St-Sauveur. Une rencontre dans les marches de cet édifice qui encore en moi, je garde des traces !

Fin de la pause nostalgique

                                                           Tirée du site de Danse-Cité

Rapidement, nous sommes entraînés à leur suite dans une ronde sans fin (lire ici jusqu'à la fin de la présentation de l'oeuvre !). Le tout débute en parfaite harmonie, chacun.e à sa place et qui la conserve, celui à l'extérieur se déplaçant plus vite que celle proche de ce milieu. Et la suite, pour moi, est une illustration de nos rythmes de vie. Toujours en mouvements, jamais le temps s'arrêter, de prendre le temps de se rencontrer. Chaque tour comme une journée nous apporte une énergie pour la suivante. Chacun.e sur son orbite, ces personnages se modifient, modifient aussi leur trajectoire sans jamais se rencontrer mais toujours en interaction. Ils semblent volontairement ou involontairement "photosensibles" aux variations de cet immense cercle lumineux (animé par Paul Chambers) au dessus d'eux, mais aussi "audio-sensibles" à cette musique (d'Antoine Berthiaume) aux variations souvent subtiles. Le passage du temps laisse des traces et transforme aussi, comme je le découvre tout au long de leurs rotations. Durant ces déplacements les rencontres sont absentes, mais les interactions humaines, même subtiles influencent de façon évidente le parcours, je peux en témoigner !

De ce système solaire, celui de Vega et de ce qui gravite autour dans l'imaginaire du chorégraphe (Emmanuel Jouthe), moi dans sa proposition, j'y ai trouvé toute la place pour y faire mon histoire et qui sait si une prochaine fois, cette histoire ne sera pas différente, plus proche de l'intention du chorégraphe telle qu'ils nous l'indiquait dans la discussion d'après représentation.

Sur mes pas dans une installation performative: Découvrir avec surprise, étonnement et plaisir, "Trajectoires" au MAI.

 La soirée est sombre, terne même de ma perspective. Porté par mes pas, eux fort "allumés", je me dirige jusqu'au MAI pour découvrir "Trajectoires" d'Elian Mata. De ce créateur, je me rappelle sa création précédente "Forêt" qui nous avait proposé une oeuvre simple mais fort évocatrice qui baignait dans la noirceur.

Nous sommes environ vingt-cinq personnes en attente pour entrer dans la salle. Et comme la description m'avait intrigué, j'ai posé la question, aurons nous droit à un siège ? La réponse s'est arrêté à un oui enrobé d'effluves énigmatiques. 

Je m'en voudrais de divulgacher, mais à mon entrée dans la salle, j'ai vécu une première. Je découvre l'espace scénique avec réparti tout autour des petites scènes surélevées avec dessus, un ou deux personnages. Disséminés dans tout l'espace, des chaises sur roulettes, ce qui nous permettra de pouvoir tourner sur nous même pour découvrir, ce que je découvrirai plus tard, à tour de rôle les différents tableaux vivants s'animer à tour de rôle. 

                          Crédit :David Wong et Vanessa Fortin tirée du site du MAI

Donc à notre arrivée en salle, il faut choisir sa place, la mienne sera devant cette femme assise. Tous les personnages sont immobiles et une fois les présentations d'usage faites, je suis en expectative, faisant tourner ma chaise à la recherche du moindre indice de prestation. Et puis une voix fort belle s'élève, juste devant moi par cette femme (Barbara Kaneratonni Diabo) qui dans une langue autochtone capte mon attention. Le titre de son texte (comme il était écrit sur la feuille que j'ai reçu à la sortie de la salle) était "Les mots avant tout (prière de remerciements)". Il s'en suit, guidé par ce personnage énigmatique enfoui sus son noir vêtement, l'éveil de ses personnages de leur "tableau" pour s'exprimer avec leurs gestes et/ou leurs paroles, ce duo-jumeau, cet adonis, cette reine polyglotte, cette femme, ces "soeurs siamoises par la robe" (Jontae Mccrory, Jacqueline van de Geer, Jérémie Brassard, Barbara Diabo, Gabrielle Surprenant Lacasse, Thomas Wilkinson Fullerton, Anne Flore de Rochambeau et Stevens Simeon). Malgré mon guide, je vérifie néanmoins tout autour (grâce à ma chaise sur roulettes) que rien ne m'échappe, comme le font d'autres spectateurs aussi !

Le tout se termine par un rassemblement des personnages et le dévoilement de cet être mystérieux. 

Je ressors fort satisfait de cette rencontre avec cette galerie de personnages. Autant la forme de la présentation que le contenu m'a permis de découvrir autrement (ce qui pour moi, spectateur habitué est fort satisfaisant) des univers enrobés de mystère riche avec une forme inédite pour moi ! 

Sur mes pas en danse: Deux parcours personnels fort différents présentés chez Tangente

Mes sorties danse pour me rendre se suivent, mais ne se ressemblent pas. Après avoir raté mon autobus et me rabattre sur le trajet alternatif plus long, ce dernier  m'a néanmoins amené jusqu'à la porte de l'Espace vert du Wilder plus de trente minutes à l'avance, plutôt que dix comme d'habitude !!! Attente utile qui m'a permis de savoir que la prochaine saison de Tangente sera annoncée bientôt !

Une fois la porte de la salle ouverte, je retrouve "mon" siège en première rangée. Devant moi, une robe blanche sur laquelle lumière et ombre ondulent, la rendant presque vivante. Elle est entourée de lampes aux lumière d'or tout à terre et est baignée par la musique. À l'arrière gauche de la scène, une console avec derrière, une femme (Moe Clark) en attente.

Et puis, "Luz : Dentelle" de et avec Sonia Bustos débute avec cette robe qui prend vie lentement. De ce qui suivra, dans un premier tableau, j'y verrai la germination d'une graine. Se dépouillant peu à peu, elle éclot dans un deuxième tableau pour se révéler à nous avec des mouvements affirmés rehaussé par sa robe pendant que les lumières aux sols s'élèvent. Comme si ces lumières libéraient ce corps pour aller de l'avant. Et enfin libérée de cette autre robe, "cette fleur" semble fragile mais déterminée à aller de l'avant et pour y arriver, elle enlève les traces du passé sur sa peau. Dans la conclusion, j'y vois cette fleur blanche qui s'épanouit et qui propagera son pollen. Tout au long, l'accompagnement de Moe Clark au chant et à la musique est fort efficace (une belle découverte pour moi dont je compte bien mieux découvrir les oeuvres). 

                                                Crédit: Denis Martin fournie par Tangente

De cette chorégraphe que j'apprends à connaître un peu plus à chacune de nos rencontres (c'était la troisième), je serai présent la prochaine fois pour la conclusion de sa trilogie "LUZ" !

Arrive la pause "toute éclairée", comme on nous en avertit pour passer d'une oeuvre à l'autre. 

Pause

Bien assis à ma place, il est intéressant de suivre d'abord le démantèlement avec ensuite le lavage du plancher (qui a tout d'une chorégraphie) et de l'installation de la prochaine proposition. Je ne regrette pas le temps passé où nous devions quitter la salle pour cette transition. 

Fin de la pause

Dans ce nouvel espace scénique, il y a une chaise dans le coin arrière gauche et une ampoule qui vient de tout en haut juste au-dessus. Et du côté de cet espace nous apparait Rachelle Bourget qui nous propose "After the cause". Le tout débute avec elle debout près de la chaise tout de noir vêtue. Une voix extérieure à elle nous parle, elle nous parle d'elle, mais, je l'avoue, j'en "perd de bon bouts" (comme le texte est en langue anglaise, cela ne me rend pas la vie facile).

Deuxième pause

J'aurais tant aimé avoir une traduction de ce texte avant ou pendant !!!!

Fin de la deuxième pause

                                           Crédit : Vanessa Fortin fournie par Tangente

Il en reste que dès qu'elle se met en mouvement, je suis captivé par cette proposition hachurée et saccadée (noir et lumière) qui me montre le parcours de cette femme (dont elle indique, dans le programme de la soirée, l'origine cathartique de sa proposition). Je peux facilement imaginer les périodes sombres (très sombres même) de sa vie, ceux durant elle a voulu ne pas être, ceux qu'elle ne voulait pas voir, ceux aussi durant lesquels elle a évolué, laissant derrière elle son passé, représenté par ses vêtements noirs. 

Ses gestes sont souvent syncopés, les déplacements irréguliers, montrant ses états intérieurs en tension. Un des moments marquants et fortement symbolique pour moi est celui durant lequel, elle vient devant nous avec un bol d'eau duquel elle prend l'eau pour s'asperger la figure et laisser derrière elle, ses traces de main à côté de ce bol. Et puis, en fin de parcours, elle retourne dans le noir, mais plus en paix qu'à son arrivée. 

De cette prescription chorégraphique de Laurane Van Branteghem proposée en début de saison, je reviens tout à fait satisfait. Deux propositions toutes différentes, la première toute poétique et l'autre plus viscérale et sous tension, mais qui chacune à leur façon m'ont proposé deux parcours personnels fort riches qui laissent des traces.

Retour sur mes pas (réels et virtuels) d'une semaine toute remplie et fort diversifiée !

Il y a eu des semaines fort chargées pour le spectateur que je suis durant lesquelles mes pas ont travaillé fort. Mais la semaine qui vient de se terminer en a été une très, très chargée, mais surtout fort diversifiée et au final fort enrichissante et agréable. Une semaine avec cinq rencontres culturelles assez différentes que je vous résume "brièvement" dans les prochaines lignes.

Mardi soir, je me rends à la Cinquième salle de la Place des Arts pour découvrir "Efer" de la compagnie Parts+Labour_Danse (Emilie Gualtieri et David Albert-Toth) pour une oeuvre dont la description annonçait "Avec sa danse physique saisissante, Parts+Labour_Danse aborde les thèmes de la perte, de la solitude, du rassemblement et du pouvoir transformateur du deuil. Une ode à l’inconnu, porteuse d’espoir.". La coïncidence est troublante, parce que tout près de chez moi (à un coin de rue, plus précisément), l'avant-veille, un jeune a été abattu sans raison apparente pour l'instant et pendant que j'attends le bus, deux jeunes filles, gerbe de fleurs à la main, se dirigent vers le lieu du drame. (Au moment, où j'écris ces mots, le lieu est devenu un lieu de recueillement avec des bougies allumées en permanence).

                                                Affiche tirée du site de Danse Danse

C'est donc avec l'image de ce drame terrible et inexplicable ainsi que de ces deux jeunes filles en tête que je me rends découvrir "Efer". C'est soir de première et plein de gens connus, mais moi c'est tout en silence que je prends place et que j'attends le début de la représentation. Le tout débute de façon très verbale, sinon théâtrale qui me fait réaliser qu'il est parfois difficile de se fier à nos sens pour bien percevoir. La suite avec les différents tableaux me plongent dans un monde sombre dans lequel la lumière toute parcimonieuse et son ombre, tout juste à côté cohabitent (bravo Paul Chambers !) pour enrober ou dissimuler ces êtres humains (Charles Brecard, Léna Demnati, Maïka Giasson, Brianna Lombardo, Milan Panet-Gigon, Nicolas Patry et Fabien Piché) et porter le propos.

En cette soirée de novembre, de retour chez moi, j'ai ressenti une lueur d'espoir alimentée par cette rencontre.

Le lendemain, j'ai rendez-vous avec Martine Delvaux (via Zoom) pour un rendez-vous littéraire organisé par ma bibliothèque (St-Michel). À l'heure dite, nous (une douzaine de personnes) sommes acceuilli.es par la responsable de la bibliothèque et l'autrice. De façon très simple et surtout très conviviale, Martine Delvaux se présentera en parlant de sa vie et de ses oeuvres dont la plus récente "Pompières et pyromanes". Par la suite, elle a répondu fort longuement à nos questions. De cette femme dont j'ai lu à peu près tous les livres, mon petit côté "groupie" a été bien satisfait. 

Le lendemain, direction Théâtre de Quat'Sous, pour découvrir "Rita au désert" de Isabelle Leblanc (gracieuseté de mon ami Michel !). Très heureux et soulagé de franchir le seuil, une fois avoir traversé le parcours du combattant du métro Sherbrooke jusqu'au théâtre parce que marcher dans le chantier urbain sur l'avenue des Pins en soirée est assez "rock and roll" !!!

C'est donc de la première rangée que Roger La Rue (quel belle performance !) nous amène sur les traces de cette Rita Houle qui à 53 ans se découvre une nouvelle vocation et aller dans le désert de Gobi. Nous sommes avec ce journaliste sportif dans le local d'impression d'un journal de région. L'homme rêve de devenir reconnu et nous entraîne avec lui dans ses tribulations pour y arriver. Tout au long, nous sommes amenés à tenter à démêler le vrai de l'imaginé (ça j'aime ça !!!!). Et lorsque apparaîtra l'héroïne qui effectue même des mouvements que je reconnais (gracieuseté de Frédérick Gravel), rien ne se clarifie dans ma tête ! Mais soyez rassurés, mon plaisir est encore bien présent, parce que j'aime bien cette latitude laissée au spectateur !

Prochaine destination le lendemain, rue Cherrier, au département de danse de l'UQAM pour assister à "Écosomatiques", organisé par Tribune 840 et le GRIAV (Groupe de recherche interdisciplinaire en arts vivants). C'est  une thématique qui ne m'est pas très familière, voilà donc pourquoi, je me retrouve tout en haut de cet édifice entouré, entre autres, de plein de jeunes, lire ici des étudiant.es de deuxième année de Bac. Je suis accueilli par les responsables de la rencontre, Johanna Biennaise et Katya Montaignac et trouve une place pour écouter la présentation des créations en cours, "dans trois espaces, trois projets, chacun mené par une artiste en danse et étudiante à la Maîtrise en danse". Au programme donc, 𝘗𝘭𝘢𝘺𝘪𝘯𝘨 𝘞𝘰𝘳𝘭𝘥𝘴 d’Audrey Rochette, 𝘗𝘭𝘶𝘳𝘪𝘦𝘭𝘴 de Mathilde Loslier-Pellerin et 𝘋𝘢𝘯𝘴𝘦𝘳 𝘥𝘢𝘯𝘴 𝘭𝘦𝘴 𝘤𝘰𝘭𝘭𝘪𝘯𝘦𝘴 de Geneviève Dubois. Je me ferai présenter aussi une définition de l'écosomatisme. Je pourrai par la suite me déplacer dans trois locaux pour découvrir durant une vingtaine de minutes chacune, ces oeuvres en cours de création. 

Comme mon vécu de prof me l'a montré, une définition appuyée par des exemples, il n'y a rien de mieux. Ainsi donc avec "Playing words", j'y ai découvert une illustration que notre monde est complexe, sans liens apparents peut-être, mais que ça interagit. De "Pluriels", j'en reviens avec une conviction que la beauté de ce qu'on regarde, toute évidente soit-elle, nous demande que l'on y porte toute notre attention. À preuve, cet assemblage de bois et de tiges de métal qui a attiré longuement mon attention. Enfin avec "Danser dans les collines", une question fondamentale, apportée par les artisanes de ce projet, si riche le mouvement exprimé dans la nature, doit-il être amené dans une institution et si oui, en garde-t-il son essence ?  J'en reviens avec plein de réflexions en tête, même si des éléments semblent m'échapper, mais il en reste que l'essence de ces rencontres, elles, m'ont laissé des traces. 

Je reviens à la maison pour pouvoir me rendre avec ma blonde et mes petits-fils à la TOHU pour assister à "Animal" du cirque Alfonse. Me rendre seul à une proposition culturelle, c'est pour moi devenu une routine, mais en gang, c'est spécial et enthousiasmant, malgré ma crainte de leurs appréciations. Soyez rassurés, comme je l'ai été en fin de présentation, ils ont aimé ! Il faut dire que les soixante quinze minutes de présentation alternaient des numéros de cirque avec de la musique et de l'humour. Même lorsque un mouvement était raté, ils tournaient "la crêpe" pour nous rendre la suite plus amusante. Quand l'œuf est cassé, il y en a un autre pour prendre la relève. Certains numéros sont fort impressionnants et d'autres tout à fait amusants. Le retour à la maison a été riche en commentaires et prometteur à une prochaine visite. 

Ainsi donc se terminait ma semaine culturelle !

Sur mes autres pas (virtuels) sur la Passerelle 840 de cet automne (A-21): des propositions tout en dualité !

 Après mes premiers pas sur la Passerelle 840 de cet automne, mes prochains pas m'ont amené virtuellement pour ces quatre autres propositions, propositions fort contrastées et colorées de dualité !

Pause

Encore une fois depuis que les Passerelles sont passées en mode virtuel, j'ai pu constater avec grand bonheur que ces créatrices avec les circonstances inhabituelles et les contraintes aussi des derniers mois, ont pu explorer autrement des univers chorégraphiques pour nous les présenter avec brio et audace. Loin de bloquer l'horizon et de les immobiliser, ces contraintes ont plutôt semblé leur ouvrir cet horizon d'une façon différente et plurielle. 

Fin de la pause

Quatre propositions donc, durant lesquelles la caméra a su capter les images et les mouvements et qui a su me captiver, malgré mon toujours trop petit écran ! Quatre propositions aussi qui m'ont présenté sous différentes formes la notion de dualité.

Le tout débute avec "Surcharge" de Sarah Germain et Jeanne Tétreault avec Camille Gendron, Lucca Bella Stothers et Jeanne Tétreault. Déjà avec les premières images, cette dualité frappent par la cohabitation des pigeons et des moineaux dans les toutes premières images. Il s'en suit la dualité des rythmes de leurs mouvements et de l'activité urbaine tout autour.  Par la suite, c'est un kaléidoscope de double perception, riche de ses perspectives et de ses couleurs, tout en dedans qu'en extérieur. 

Et puis s'en suit "Joint" de et avec Éliane Viens-Synnott et Valérie Huard, un duo intéressant par son aspect plus classique avec une esthétique de décalé, de parallèle et d'unicité aussi !

"Raìz" de et avec Monica Navarro et Mélina Pires qui ce que je découvre est tout à fait bien décrit par le début de la présentation de l'oeuvre, "C'est deux femmes, deux vécus, deux parcours" et ces deux parcours présentés, en parallèle, mais qui sont en interaction pour ensuite fusionner. Ces parcours sont présentés sont dans un boisée d'ici mais des danses traditionnelles d'ailleurs.

"Terre rouge" de et avec Jeanne Maugenest présente un aspect tout différent de la dualité, soit celui de l'humanité et de la structure tout à côté d'elle. Dans cet espace, le geste porte la parole et semble vouloir concilier un passé avec un présent.

Voici passé le temps de la Passerelle de cet automne. Je suis bien curieux de découvrir comment ce passage obligé à l'écran influencera leurs propositions à venir sur scène !

Sur mes pas au théâtre: À la rencontre de deux fantasmagories technologiques à l'Espace Go !

Au retour de ma troisième sortie automnale à l'Espace Go, je dois avouer que tout au long de la présentation des deux oeuvres, malgré les avertissements (sur le site de ce lieu), j'ai été fort surpris et fasciné. Comment comprendre le sens de fantasmagorie technologique ? Donc tout au long de "Dors mon petit enfant" (texte de Jon Fosse, "mis en scène" par Denis Marleau et Stéphanie Jasmin avec les "visages de Céline Bonnier, Ginette Morin et Paul Savoie) et "Les aveugles" (texte de Maurice Maeterlinck, "mis en scène" par Denis Marleau et Stéphanie Jasmin avec les visages multipliés de Céline Bonnier et Paul Savoie), j'ai été fasciné, comme je l'ai déjà dit, mais aussi dépaysé !

                                                         Tiré du site de l'Espace Go

Une fois les avertissements d'usage faits dans le café-bar du lieu, nous sommes invités à entrer et à rester debout dans un lieu qui sera tout petit, mais assez grand pour nous toutes et tous. Devant nous, trois petits personnages (lire ici poupées de porcelaine, de ma perception) assis sur un banc tout en haut. Les gens entrent et puis, tout à coup, tout doucement ça commence. Il s'en suit une rencontre "hors du temps" durant laquelle chaque mot m'a captivé. Une quinzaine de minutes toute philosophique qui m'a séduite. 

Une fois terminé, il y a ceux qui quittent rapidement et ceux et celles qui comme moi, tentent de mieux comprendre le procédé technologique qui animait ces poupées. Mais bon, la soirée se poursuit et je me rends dans la salle principale jusqu'au siège qui m'est assigné pour découvrir la suite.

À notre arrivée, sont déjà présentes, douze visages pas identiques mais presque (six hommes et six femmes) qui flottent "dans le vide tout de noir". Et une fois tous les spectateurs en place, débute la découverte de ces personnages "aveugles". Durant les quarante-cinq minutes qui suivent, nous découvrons qui iels sont, la raison de la présence dans ce lieu, abandonné.es. Leurs réactions face à ce qu'iels perçoivent ! Je suis captivé à découvrir ce qui m'est distillé comme perspective. Je dois rester attentif aux moindres détails, parce la parole se passe rapidement d'un.e à l'autre. Cette allégorie, selon moi, sur notre présence sur terre, avec notre diversité humaine, m'a particulièrement plu. J'en fait aussi ma lecture, amené.es sur terre par un "dieu", nous sommes laissé.es à nous même, aveugles face à plein d'éléments qui nous entourent et qui pourraient nous guider.

Au final, une soirée qui m'a présenté des propos intemporels avec des personnages qui l'étaient tout autant, mais avec des procédés technologiques tout à fait actuels eux.

Sur mes pas au cinéma: "Une révision" qui me laisse dubitatif !

 Ce pouvait-il que je n'aille pas à la rencontre de cette proposition cinématographique, "Une révision" de Catherine Therrien ?  Moi, avec derrière moi, tout une carrière d'une trentaine d'années en enseignement dans un CEGEP, pas en philosophie, c'est vrai, mais toujours bien présent dans "mon" collège. "Ben" non !

                                                                 Tiré du site de La Presse

C'est donc bien curieux de découvrir ce que sera cette révision de note, moi qui a eu droit à cette procédure et qui aussi a eu à siéger sur des comités de révision de note. 

À ma sortie de la salle de projection, mon impression est trouble. Commençons par les aspects positifs ! J'ai beaucoup apprécié la prestation de chacun.e des interprètes, dont Patrice Robitaille dans son rôle de prof de philo et Nour Belkhiria dans celui de Nacira, son élève qui demande une révision de note. J'ai aussi surtout beaucoup apprécié les prestations de Pierre Curzi ("mentor" très pragmatique du prof) et de Rabah Aït Ouyahia (père de Nacira). 

La prémisse de cette histoire est, selon moi, "assez" simple. Une étudiante présente à son prof un travail qui ne respecte pas les consignes et n'obtient pas la note de passage. Compte-tenu des conséquences pour la suite de ses études, elle fait une demande de révision de note. Mais comme la vie nous le présente souvent, rien n'est simple et tout autour, il y a des enjeux collectifs et personnels. Et cet aspect de ce film, j'ai beaucoup apprécié. 

Il en reste que dans les procédures internes et le comportement de la direction de ce collège, là, mais là, je ronge mes ongles (déjà courts !). Je n'en nommerai que deux. D'abord ce qui est inscrit dans un plan de cours devrait être accepté par l'institution qui a le rôle de le valider. Aussi, lors du traitement d'une révision de note, le tout est traité comme un procès public avec un accusé qui se retrouve sans avocat devant faire face à une peine "capitale" !

Il en reste que les enjeux actuels sont bien présentés dans ce film et ils m'ont bien plu, mais les aspects pédagogiques "techniques" m'ont dérangé, d'où mon trouble à la sortie de la salle et après aussi !

Sur mes pas en danse: Deux rencontres fort différentes mais tout aussi intéressantes durant cette soirée à Tangente !

 À cette soirée chez Tangente, les transports en commun (bus et métro) m'ont rendu la vie difficile pour m'y rendre. Malgré tout, c'est à l'heure que mes pas ont franchi les portes de la salle et prendre place "sur  mon siège" en première rangée pour cette première soirée de représentation. Au programme, deux propositions solo, d'abord "Géante" de et avec Gabrielle Surprenant-Lacasse, suivie par "Structures affectives" du Collectif Bregma avec Frédérique Rodier. 

Devant moi, l'arrière et le plancher de l'espace scénique est tout aussi vide que blanc avec les deux côtés tout en noir, présage avéré d'une soirée fort contrastée. Cela m'annonce aussi des rencontres sans artifices et moi, ce type de rencontres, je les apprécie fortement.

Et de l'arrière du côté cour, se présente à nous Gabrielle Surprenant-Lacasse, qui avec des vêtements dont la blouse de sa dualité de couleur, se met à suivre sa ligne lumineuse sur le sol. Durant le déplacement sur cette première transversale, elle semble en début de parcours, hésitante, mais peu à peu elle y gagne en affirmation. Plus tard, elle pointe un objectif et s'y rend. Par la suite, ce sont différents états de corps qu'elles nous présentent tout en transformant son aspect vestimentaire, tout en phase avec ce que je ressens de ses gestes. Le tout est fort bien enrobé par la musique et les éclairages discrets mais efficaces. Cette femme va à la rencontre de soi ou plutôt va à sa rencontre. Lorsqu'elle pointe un objectif devant, ses mouvements et son expression faciale permettent de bien ressentir sa démarche d'affirmation. Lorsque tout se termine, elle rayonne, comme libérée ! De cette interprète que j'ai eu l'occasion d'apprécier plusieurs fois ces dernières années, j'ai eu en cette soirée, j'ai l'impression d'avoir eu le privilège d'avoir accès à "son moi" et à un pan de son histoire personnelle. 

                                               Crédit: Denis Martin, fournie par Tangente

Elle nous quitte, tout souriante et les lumières se rallument. Le temps de laver et essuyer l'espace scénique comme dans une chorégraphie fort bien rodée et somme toute pour moi, intéressante à suivre, nous repartons pour la suite. 

En toute simplicité et sans avertissement, Frédérique Rodier, sort de l'arrière scène pour aller porter sur l'espace scénique de l'autre côté, un ou des objets en tissu. Elle revient et endosse un dispositif métallique autour de sa taille. Tout se fait avec grande sobriété et débute "Structures affectives". Ces structures se présentent pour moi dans un cadre très géométrique. Les déplacements dans un système cartésien qui peu à peu je découvre, se font selon les axes "x", "y" avec la dimension "z", par le dispositif métallique qu'elle porte. Toute froide peut sembler l'oeuvre (aux allures des propositions de Daniel Léveillé), elle a l'éclat et la beauté d'un métal. Cette femme se déplace et moi, je la suis attentivement. Et lorsqu'elle semble se libérer, sa réaction et ses gestes se répercutent en moi, comme le bruit du marteau sur l'enclume. 

                                                 Crédit: Vanessa Fortin fournie par Tangente

De cette trentaine de minutes, j'ai eu droit à une proposition qui explore l'espace sur tous ses axes géométriques par cette femme qui illustre la condition humaine qui a tout de la beauté d'une démonstration mathématique (comme le scientifique que je suis a toujours bien aimé) et chorégraphique (comme l'amateur de danse que je suis aussi) qui démontre ce qu'il fallait démontrer. 

En résumé, une autre belle soirée à Tangente !

Sur mes pas (virtuels) en danse: Sur une "Passerelle 840" en A-21 avec quatre propositions fort belles !

Une bonne et agréable habitude ne se perd pas, par conséquent, lorsque j'ai vu apparaître les deux séries de propositions de "Passerelle 840" en édition virtuelle, je me suis procuré mes billets. Un avantage, celui de pouvoir les découvrir au moment propice et les revoir aussi, qui sans compenser l'inconvénient d'être là, sur place, permet de redécouvrir les mouvements autrement.

Pause

Pour ceux et celles qui ne connaîtraient pas encore "Passerelle 840", je vous donne un extrait tiré de leur site "Passerelle 840 est un laboratoire-galerie créé en 1998 par le Département de danse de l'UQAM pour encourager et soutenir chez les étudiant.e.s un intérêt pour la recherche et l'expérimentation chorégraphique ".

Fin de la pause

De mes premières rencontres "dans la piscine", rue Cherrier, au local (ancien lieu de diffusion de Tangente), premier étage, la pandémie loin d'éteindre la créativité de cette gang de l'UQAM, l'a déplacé dans des lieux extérieurs ou intérieurs pour être captée par la "caméra" et être montrée de façon fort belle et esthétique ! Cette première partie, avec quatre propositions de l'édition A-21 en est un bel exemple. 

Le tout débute avec "Hot Topic" de Éliane Viens-Synnott avec Paméla Aubé, Châtelaine Coté-Rioux, Zoé Delsalle, Valérie Huard et Jade Lavoie. Dans un local sombre qui a tout d'un bar ou d'une salle de danse, nous découvrons ces femmes "en ébullition". La caméra fugace les capte individuellement avec toutes leurs différences. Et puis arrive le moment où cette individualité devient collectivité avec la caméra et nos yeux qui les captent toutes ensemble. Cette ébullition se condense et les corps se rapproche en harmonie. Le tout est porté et rythmé par la musique de La Sécurité. Le tout débute de façon fort "hot" !

                                                       Affiche tirée du site indiqué plus bas

Et puis après, nous sommes amenés à l'extérieur, d'abord, haut dans le ciel pour découvrir "Melting Sadness" de et avec Morgane Guillou et Rozenn Lecomte. À partir d'un superbe point de vue tout en hauteur, nous nous approchons pour découvrir ces deux femmes sur ce lit rocheux de rivière qui évoluent dans l'eau. La suite a tout d'un cérémonial fort poétique avec des fluides de toute nature fort bien porté par la chanson qui nous montre la dualité de ces deux femmes avec des gestes et des expressions faciales fort captivantes. Je ressens bien ce qui me semble, ce qu'elles, ressentent tout en lenteur jusqu'à la fin avec un regard fort éloquent qui porte vers l'avenir.

Avec "HOMMAGE" de et avec Bride Noah, nous sommes amenés à découvrir devant ou derrière un rideau sur une scène, le corps d'une femme qui bouge et vibre comme pourrait le faire les souvenirs dans notre tête, statiques, fuyants, parfois sombres ou éclairés, mais toujours vibrants. Les souvenirs comme ce corps ne nous seront jamais présentés complètement dans ce jeu d'ombres et de lumière.

Le tout se termine à l'extérieur avec "Nymphéas" de et avec Sarah Germain. Le tout débute par des mots qui intriguent. "Ma plus grande peur se trouve dans vos yeux/Sur le bout de vos langues/Ou peut-être que ma plus grande peur sur trouve dans mes yeux, sur le bout de ma langue. "

Cela met la table à une réflexion sur le regard que l'on porte sur l'autre, différent peut-être de nous, elle en l'occurrence. D'abord sur le sable, le corps semble se faire violence avant de tenter de trouver un chemin vers une certaine libération ou une acceptation. Et ce corps avec détermination, laisse sa trace derrière sur le sable pour s'assumer et se retrouver libéré tout en douceur et surtout en paix. dans le flot de la rivière. Définitivement, cette oeuvre est porteuse d'espoir !

S'en suit, la séance de questions-réponses qui éclairent sur les processus créatifs et les objectifs de chacune des propositions qui ont profité d'être "loin de la scène". Je m'en voudrais de ne pas mentionner les affiches fort belles que vous pourrez voir sur le site suivant ( https://www.passerelle840.com/vous-engager). 

Sur mes pas en danse: "Écoute comme je danse", pour un beau dimanche après-midi !

 Comme pour bien d'autres, la pandémie m'a amené à découvrir des propositions en webdiffusion. Et parmi celles-ci, un bon nombre par l'équipe de la Maison de la Culture Notre-Dame-de-Grâce. Et une fois les salles réouvertes, de ce quartier fort loin du mien, je me suis tenu informé des propositions. Voilà donc pourquoi, en ce dimanche après-midi, j'ai pris le métro pour me rendre tout à l'ouest, juste à côté de l'autoroute Décarie pour découvrir une proposition qui de par sa description me semblait fort différente de mes territoires chorégraphiques habituels. Ma destination, "Écoute comme je danse" de la compagnie "Les jardins chorégraphiques" (quel beau nom !). 

Pour mieux présenter cette oeuvre, je me permettrai de citer ce qu'on peut lire sur le site de cette compagnie. "La musique ne peut émerger de l’immobilité, elle est l’organisation des vibrations sonores de façon cohérente et harmonieuse. Là où il y a de la musique, il y a du mouvement : mouvement qui crée la musique et mouvement qui y répond. La musique n’est rien de plus que des sons qui glissent dans le « mouvement » du temps. La musique ancienne et plus particulièrement la musique de la Renaissance incarne cet élan avec sa vivacité et sa fantaisie."

                                   Tirée du site de la compagnie Les Jardins chorégraphiques.

Bon, me voici assis, première rangée dans une salle tout intime (avec environ soixante et dix places, maximum) avec bon nombre de personnes autour de moi, des moins jeunes, comme moi, et une jeune famille aussi. Devant moi, sur la scène, quatre blocs et des instruments de musique derrière. Le temps venu et les présentations d'usage faites à propos de cette proposition particulière (voilà une expression qui ne me laisse pas indifférent !) qui intègre la musique de la renaissance avec de la danse de cette époque et contemporaine aussi. Nous y découvrirons des tableaux vivants durant lesquels des personnages (incarnés par Stéphanie Brochard à la danse, Esteban La Rotta au luth et la vihuela, Elinor Frey à la viola d'arco ainsi que Anthony Harvey au luth) prennent vie en musique, en mouvement et en danse.

De ces différents tableaux, j'en retiens la complicité évidente entre les différents interprètes, la mise en scène sobre mais efficace, les moments de danse en phase avec le propos musical, leurs regards complices. Durant toute la présentation, tout.es bougent sur la scène, rendant le tout fort dynamique. De cette elfe (Stéphanie Brochard) qui danse, qui se déplace et qui joue des percussions et qui réarrange les objets sur scène pour permettre aux autres d'éclairer musicalement les lieux. Pendant près d'une heure, je me suis laissé bercer par la balade dans des lieux différents qui comblent autant les oreilles que les yeux. La mise en scène est tout autant dynamique que sobre. Et lorsque qu'à tour de rôle, iels quittent la scène, c'est avec un certain regret qu'on le constate ! 

Pour celles et ceux qui voudraient profiter de cette proposition qui peut ravir autant les yeux que les oreilles, deux dates à venir. À la Maison de la culture du Plateau Mont-Royal (14 novembre 2021) et au Quai 5160 de Verdun, le 21 novembre, les deux en après midi !

Sur mes pas en danse: Une soirée de retour presqu'à la normale avec les Ballets Jazz Montréal et Danse Danse

La soirée a débuté de façon normale dans l'autobus avec pour destination, le Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts. À la sortie du bus, question d'un couple à moi pour trouver la station de métro (because les travaux sur Pie-IX). Il en reste que la question s'est transformée en une courte discussion et le constat qui en suivi, soit que nous nous dirigeons  au même endroit, soit une représentation de "Vanishing Mélodies" de la compagnie BJM. Une petite différence cependant, sur la motivation à nous y rendre ! Eux irons, principalement "attirés" par la musique et les chansons de Patrick Watson et moi, je vous laisse deviner ! 

À mon arrivée à l'intérieur de la Place des Arts, cela me frappe, il y a du monde, beaucoup de monde qui font la file, non, les files pour montrer d'abord leur passeport vaccinal et ensuite leur billet. Abstraction des masques, c'est comme un retour à la normale ! Et c'est, pour moi, une grosse bouffée d'oxygène, mais jamais autant pour Pierre Des Marais de Danse Danse et de la directrice artistique de BJM, comme je le constate, lors de leurs mots d'avant représentation. 

Et puis, place à la représentation et la rencontre avec cette femme (Brigitte Saint-Aubin) qui se fait annoncer qu'elle perdra peu à peu un peu, d'abord et ensuite, un peu plus d'elle même (lire ici sa mémoire) ! 

                                 Photos par Sasha Onyshchenko tirée du site de Danse Danse

Et son cheminement nous est montré dans une suite de tableau durant lesquels les en groupe, en solo et en duo, les interprètes (Gustavo Barros, Yosmell Calderon, Diana Cedeno, Jeremy Coachman, Astrid Dangeard, Hannah Kate Galbraith, Shanna Irwin, Ausia Jones, Austin Lichty, Marcel Mejia, Andrew Mikhaiel, Benjamin Mitchell, Sophia Shaw, Eden Solomon) investissent la scène pour que nous ne les oublions pas ! Portés par les différentes chansons de Patrick Watson, les gestes portent fort jusqu'à moi, en première rangée (!) et tout au fond aussi, j'en suis convaincu !

Comme l'a indiqué Eric Jean dans la rencontre avec les artistes d'après représentation, tout le travail des derniers mois (soit une douzaine de mois) a été, entre autre, de fondre les arts (la chanson, le théâtre et la danse). Pour cela, je peux dire, comme bien d'autres, mission accomplie ! La haute qualité des interprètes est évidente, mais, iels ont intégré une présence scénique théâtrale. Un duo a même provoqué des applaudissements par bon nombre de spectateurs, une fois terminé ! J'ai encore en tête la scène finale durant laquelle, je vois s'approcher là juste devant moi, la comédienne et devant elle une des interprètes (Diana Cedeno) qui sans avoir à rien dire, ni rien faire, nous transmet tellement intensément par son expression faciale, le désespoir immense qui l'envahie !

Après avoir amené sur scène l'univers de Leonard Cohen avec "Dance Me", il y a quelques années (2017), la compagnie BJM, le dramaturge Eric Jean et les chorégraphes Anne Plamondon et Juliano Nunes ont su, cette fois, créer une oeuvre plus organique qui nous rejoint dans nos trippes. Et pour cela merci !

Sur mes pas au MAI: Subjugué, oui, oui !!!, par "whip" !!!!

Très bonne et très belle semaine culturelle pour moi avec deux propositions opposées, mais tout autant marquantes ! Je reviendrai plus tard sur la première avec le BJM présentée par Danse Danse. Pour le moment, c'est sur cette proposition interdisciplinaire présentée au MAI que je veux écrire.

Dans un hall d'entrée riche de ses spectateurs, je prends ma place dans la file pour entrer. Avec moi, il y a  plusieurs personnes connues du monde de la danse, spectateurs et gens du milieu, signe de bons moments à venir ? Lorsque les portes s'ouvrent, nous pourrons place sur un des sièges tout autour de l'espace scénique et comme je les aime, en première rangée (sauf quelques uns !). Nous étions avertis à notre arrivée au MAI, il serait possible que durant la performance, que nous soyons victimes d'un coup de "fouet" du capuchon de cuir d'un.e des interprètes qui ne peuvent rien voir durant toute la prestation. Vivre "dans le risque" à la première rangée, cela me stimule !!!

Donc de ma place, juste devant la console, je vous rassure, je pourrai découvrir ce qui suivra sans coup reçu ! Mais je serai "frappé" par la proposition et voici pourquoi.

                                                                      Fournie par le MAI

Nous apparait au milieu de l'espace scénique, deux "personnes" (Daria Mikhaylyuk et Ralph Escamillan), cagoules de cuir sur la tête et vêtements beiges. Rien ne les distingue ! Ils sont immobiles, et coïncidence ou non, au moment où entre un.e retardataire, "Every Breath You Take" se fait entendre et eux se mettent en action. Sans se voir (étant sous leur cagoule), ils entreprennent des mouvements avec une synchronisation toute aussi parfaite que fascinante ! Comme un vieux couple qui se connait depuis si longtemps. Et de cette première impression, il s'en suit "mon histoire", celle de différents épisodes de la vie d'un couple. De cette harmonie première qui se transforme dans un après fort différent. Cet après durant lequel, des pans de vie de l'un et de l'autre se passe dans l'ombre. 

Pause

Voilà un aspect "très" fort selon moi de cette proposition, soit l'utilisation de l'éclairage. Rarement, l'éclairage m'a autant frappé. Parce que, voyez-vous, il arrivait souvent que les personnages soient en bordure des éclairages, sinon tout à côté. Reflétant de façon fort brillante , selon moi, cette perspective que nous avons sur les gens qui nous sont proches.

Fin de la pause.

Donc de cette histoire de couple, nous aurons droit à des épisodes "de séparation" durant lesquels nous en verrons qu'un.e pendant que l'autre rode tout autour ! Il y aura aussi cette "mise à nu.e" qui ne résout pas les embûches à franchir et l'absurdité apparente de cette relation. Ces capuchons de cuir, comme l'indique de façon fort approprié le texte de présentation, "Leur fabrication évoque également la dualité du cuir en tant que matériel à la fois souple et rigide." Et ces capuchons tout déployés dans la finale nous amène devant deux personnes qui persistent, persistent et persistent encore, parce que cela semble la seule alternative pour aller de l'avant. Ces moments forts exigeants pour les interprètes, durant lesquels iels projettent "sans fin" leur capuchon brisent mes et je suppose aussi nos résistances ! 

Jusqu'à la fin, j'ai été captivé et mes applaudissements, comme ceux dans la salle, ont été fort chaleureux et bien mérités. 

Et le tout terminé, trop curieux, je me tourne vers l'arrière et je m'adresse aux gens de la console pour poser mes questions sur l'éclairage. Je suis dirigé vers cette femme à la droite qui m'explique comment elle a procèdé pour les éclairages. Mieux, elle m'invite à la rejoindre à l'arrière pour mieux me montrer comment elle a procédé pour les éclairages tout au long de la prestation. Sans tout résumer, je peux vous dire qu'elle doit être fort attentive tout au long pour produire les effets demandés. Le spectateur que je suis est comblé !

Je reviens à la maison fort satisfait de cette rencontre et me disant qu'elle mériterait d'être vue par le plus grand nombre.