L'invitation s'est présentée, tout comme l'embellie dans l'agenda, par conséquent, s'en est suivi mes pas vers le CCOV dans le sous-sol de la Place des Arts pour assister à ce Studio Ouvert, formule nouvelle pour moi. Au programme, "Mine de rien" de Marie Mougeolle et Liane Thériault, revisité à leur initiative par Helen Simard, le collectif "Dans son salon" qui, depuis un certain temps, est devenu le mien aussi, et le brillant et toujours surprenant Andrew Turner.
Avant de poursuivre sur ce qui nous a été présenté, je m'en voudrais de ne pas avouer que si certains enjeux ou nuances de cette auto-cannibalisation provoquée m'ont échappé, le résultat, lui m'a bien plu. Les premiers pas de cette création, je les avais vus à une Passerelle 840 (espace de création, et "de premier pas", du département de danse de l'UQAM) en mars 2015. Depuis, je n'ai conservé que la trace suivante: "Pièce intelligente qui réfléchit sur la relation des interprètes et des spectateurs selon la distance. Et si comme moi, vous êtes en première rangée, il est fort possible que vous soyez directement interpellé, mais je vous rassure, cela est très agréable. Aussi très instructif parce que j'y ai compris le sens de projeté en danse."
C'est donc à la première des deux ou trois rangées de ce lieu que je prends place "sagement" quelques minutes à l'avance. Viendront s'ajouter autour de moi des gens du milieu (de la danse). La formule de présentation se précise et c'est à trois présentations d'un maximum de vingt minutes, "top chrono" que j'aurai droit. Une réappropriation personnelle d'une partie de l'oeuvre originale et son éclatement dans des gestes tout aussi proches sans être dedans avec la perspective intéressante d'y inclure l'une ou/et l'autre des créatrices de l'oeuvre originale. Le résultat encore "en développement", mais très prometteur d'une (toujours trop) courte résidence permet d'en voir une suite heureuse qui mériterait une diffusion plus grande.
Dans une première partie, Helen Simard fait éclater l'oeuvre originale en gestes, dans son style très personnel, avec cinq interprètes en mille nuances enrobés par la guitare de Roger White, acolyte musical de toujours de la chorégraphe. Le tout captive jusqu'à la fin.
Il s'en suit, la perspective en trois temps de "Dans son salon" (Emmalie Ruest et Karenne Gravel) qui annonce, en entrée de jeu, vouloir exploiter le défaut, selon leur perspective, de l'oeuvre originale et d'utiliser le "troisième personnage" latent et perçu de l'oeuvre originale. Les trois temps au son de la même chanson s'avère fort résonnant et surtout, fort agréable et intéressant à regarder. Impossible de ne pas revenir dans mes souvenirs télé des "Charlie's Angels" et de leurs postures dans un des tableaux.
En troisième partie, Andrew Turner, toujours aussi désarçonnant (de plaisir), nous propose sa perspective dans laquelle, nous pourrons intervenir. Quatre interprètes sur scène, et quatre chaises sur lesquelles on retrouve leur nom et une caractéristique vestimentaire pour les reconnaître (au cas où !). Durant la prestation, il nous invite à prendre place sur une des quatre chaises, assis ou debout, durant la prestation à venir, pour transmettre télépathiquement nos instructions aux interprètes avec les risques de décalage et d'interception. Ce que feront, certains spectateurs ou interprètes, mais pas moi, et d'autres aussi !!! Il en reste que de cet éclair d'inspiration, j'en ai été ébloui. Durant ce temps, malgré les regards sur les chaises, sur l'espace de prestation les gestes de Marijoe Foucher, Stéphanie Fromentin, Emmalie Ruest et Marine Rixhon se font gracieux et captivants.
Et le tout terminé, nous sommes conviés à donner notre opinion sur les moments "vécus" et la suite des choses. Peut-être trop tôt, mais les réactions ont été peu nombreuses. Et moi, le moment passé et digéré, je serais tenté de dire "encore" !!!
lundi 30 octobre 2017
Sur mes pas de spectateurs: Les peurs intimes des Intimistes
Peut-être que le spectateur que je suis, se répétera-t-il en revenant sur les pas de sa plus récente rencontre avec Les Intimistes, "Quand je ferme les yeux " au Sporting Club de Montréal. Mais, soyez rassurés, elles, non, parce qu'elles nous entraînent dans des territoires confidentiels inexplorés jusqu'à maintenant. Le titre peut porter à se méprendre sur la nature de leurs confidences, parce que Sandrine Brodeur-Desrosiers, Sarah Keita, Sandrine Quynh, Patricia Rivas et Vanessa Seiler, tout au long de cette soirée, nous ont parlé de leur peur.
Tirée du site de "Les Intimistes"
Des peurs qui se déclinent différemment, mais qui gravitent principalement autour de la perte d'un membre de la famille. Elle peut être existentielle, "une boule de soleil, température pièce" dans "Les décollages extra-spatiaux" de Sandrine Brodeur-Desrosiers) ou bien réelle sur le boîtier d'une cassette vidéo avec Chucky, la poupée maléfique dans "Agadou, dou, dou" de Sarah Keita. La peur peut être celle de la perte d'un être cher (sa grand-mère, si loin de l'autre côté de l'océan) dans "Quand le temps va" de Sandrine Quynh ou, de son père, avec "Grandir avec" de Vanessa Seiler ou celle transmise par les parents dans "Pas peur des morts" de Patricia Rivas. Cette dernière s'avère fort impressionnante dans l'interprétation des propos, avec l'accent, de ses parents.
Elles nous proposerons aussi en mi-programme la "Liste de nos peurs" qui comparée à celle du public présentée à la toute fin, montre bien que dans ce lieu fort "intime", il s'est "comme" créer une communion de pensée.
De ces femmes et de leurs confessions "intimes", nous pouvons, un chapitre après l'autre, en assembler les pièces pour mieux les connaître. Voilà donc pourquoi la présentation de leur prochain chapitre le samedi (une première !) 25 novembre prochain est mis à mon agenda.
Tirée du site de "Les Intimistes"
Des peurs qui se déclinent différemment, mais qui gravitent principalement autour de la perte d'un membre de la famille. Elle peut être existentielle, "une boule de soleil, température pièce" dans "Les décollages extra-spatiaux" de Sandrine Brodeur-Desrosiers) ou bien réelle sur le boîtier d'une cassette vidéo avec Chucky, la poupée maléfique dans "Agadou, dou, dou" de Sarah Keita. La peur peut être celle de la perte d'un être cher (sa grand-mère, si loin de l'autre côté de l'océan) dans "Quand le temps va" de Sandrine Quynh ou, de son père, avec "Grandir avec" de Vanessa Seiler ou celle transmise par les parents dans "Pas peur des morts" de Patricia Rivas. Cette dernière s'avère fort impressionnante dans l'interprétation des propos, avec l'accent, de ses parents.
Elles nous proposerons aussi en mi-programme la "Liste de nos peurs" qui comparée à celle du public présentée à la toute fin, montre bien que dans ce lieu fort "intime", il s'est "comme" créer une communion de pensée.
De ces femmes et de leurs confessions "intimes", nous pouvons, un chapitre après l'autre, en assembler les pièces pour mieux les connaître. Voilà donc pourquoi la présentation de leur prochain chapitre le samedi (une première !) 25 novembre prochain est mis à mon agenda.
jeudi 26 octobre 2017
Sur mes pas en danse: "Dansu", une "fenêtre chorégraphique nippone" surprenante
Je le concède aisément, je n'ai pas, mais pas du tout, l'âme d'un voyageur. Voilà pourquoi, j'apprécie tellement que les pas des autres, de loin particulièrement, viennent vers moi. Je me suis donc procuré, avec grand enthousiasme, mes "billets de voyage" vers les trois oeuvres "Focus Japon" présentées conjointement par l'Agora de la Danse et Tangente.
Court compte-rendu de mon expédition dans les nouveaux territoires chorégraphiques nippons avec trois oeuvres dans ma besace de spectateur. Besace remplie avec des images fortes, mais aussi un requestionnement sur la nature même de ce que peut être la danse contemporaine. Trois oeuvres tous azimuts (dans les sens, de toutes les directions et par tous les moyens) qui ont produit, chez moi, des réactions de même nature. Mais commençons par le début.
Semaine 1, la première oeuvre au programme est, "Alphard" de et avec Mikiko Kawamura. Présentée comme "l'enfant terrible de la danse", elle nous entraîne dans un parcours temporel et spatial pendant lequel, dans des espaces carrés illuminés, elle s'exprime avec de fort beaux mouvements expressifs. Ses origines "street dance" ressortent fortement dans la diversité de son exploration la "jungle urbaine", fortement colorée de modernité, dans laquelle elle nous entraîne. Au final, une oeuvre courte (une trentaine de minutes) qui débute bien ce début de "voyage" au pays du Soleil Levant.
Une fois, la pause faite, nous nous retrouvons dans la grande salle pour assister à "Amigrecta" de et avec Kaori Seki accompagnée par Yu Goto, Teita Iwabuchi, Shun Shimizu et Yui Yabuki. Première surprise, la scène est surélevée et, si on observe bien, il est possible d'y voir deux trous dans deux coins opposés. Et c'est de là que les interprètes viendront ou repartiront tout au long de la présentation. Une oeuvre sur fond de silence ou presque, parce que les parcelles de bruits se feront fort discrètes. Moments difficiles, sûrement, pour ceux ou celles dont le ventre s'exprime sans avertissement, ni contrôle du "propriétaire", tout autour de moi. Une oeuvre lente, acrobatique, mais surtout exigeante pour moi. Le sens ("réflexion sur la vie et la mort et sur des choses en danger, qui pourraient disparaitre à jamais", dixit le feuillet remis) ne m'apparait pas et le propos ne me rejoint pas non plus. Mais, impossible de ne pas apprécier la qualité des mouvements des interprètes qui nous proposent, seul, en duo ou en groupes, des images fort belles. Retour à la maison, en réfléchissant et en me requestionnant sur ma réception de l'oeuvre.
Semaine 2, troisième oeuvre de ce "Dansu", "Namae Ga Nai" de Zan Yamashita avec Kim Itoh. Dans une salle toute remplie de public, le silence se fait et l'interprète arrive, repart brièvement et nous revient pour de bon. Il est habillé pour aller travailler avec son uniforme de peintre et porte un cache-oeil. À gauche et au fond, deux grands panneaux de bois, vierges d'inscriptions, des instruments et des contenants de peinture, tandis qu'à droite une escabeau métallique. Il s'adressera à nous surtout en paroles, mais aussi en gestes, qui captivent. Il entame un propos, devient hésitant, l'interrompt, nous laissant libre intérieurement de le prolonger dans une extrapolation, mais rapidement brisée par la suite. Bien assis sur mon siège, je voyage dans les expéditions de ses univers dont certains sont répétées sans que cela ne gâche mon plaisir, tout au contraire, même !
Photo de ST Spot tirée du site de l'agora de la Danse
Question de clore le propos, il cherche dans la foule un aide et de son oeil perçant, il trouve le volontaire. Et d'un des propos déjà énoncé, il y joint la démonstration physique fracassante.
Il est, selon moi, légitime de se poser la question sur la nature réelle de cette oeuvre et de son appartenance à l'univers déjà fort étendu de la danse contemporaine. À celui qui pourrait se demander ce que peut-être de la danse contemporaine,je retorquerais par une simple question, qu'est-ce qui en est pas ? Il en reste que pour certains, cette oeuvre pourra les interpeller. Pour ma part, encore indécis, mais de cette rencontre je suis fort heureux et satisfait. De cet homme, j'en suis tombé sous le charme. Et à défaut d'avoir été choisi pour lui fournir mes bras, je les aurais utilisé pour l'entourer chaleureusement, une fois les lumières réallumées à la fin.
Il y a quelques années, nous avions eu droit à des débuts de saison nous permettant de découvrir la diversité d'ailleurs, dont la mémorable "Destination Danse" en Catalogne de l'Agora de la Danse en 2008. Avec "Dansu", j'ai eu droit à ce même privilège, celui d'ouvrir mes horizons de spectateur tout en restant dans ma ville. Voilà une belle initiative (merci mesdames Diane Boucher et Maki Miyakubo), qui je le souhaite "fort", sera reprise.
Court compte-rendu de mon expédition dans les nouveaux territoires chorégraphiques nippons avec trois oeuvres dans ma besace de spectateur. Besace remplie avec des images fortes, mais aussi un requestionnement sur la nature même de ce que peut être la danse contemporaine. Trois oeuvres tous azimuts (dans les sens, de toutes les directions et par tous les moyens) qui ont produit, chez moi, des réactions de même nature. Mais commençons par le début.
Semaine 1, la première oeuvre au programme est, "Alphard" de et avec Mikiko Kawamura. Présentée comme "l'enfant terrible de la danse", elle nous entraîne dans un parcours temporel et spatial pendant lequel, dans des espaces carrés illuminés, elle s'exprime avec de fort beaux mouvements expressifs. Ses origines "street dance" ressortent fortement dans la diversité de son exploration la "jungle urbaine", fortement colorée de modernité, dans laquelle elle nous entraîne. Au final, une oeuvre courte (une trentaine de minutes) qui débute bien ce début de "voyage" au pays du Soleil Levant.
Une fois, la pause faite, nous nous retrouvons dans la grande salle pour assister à "Amigrecta" de et avec Kaori Seki accompagnée par Yu Goto, Teita Iwabuchi, Shun Shimizu et Yui Yabuki. Première surprise, la scène est surélevée et, si on observe bien, il est possible d'y voir deux trous dans deux coins opposés. Et c'est de là que les interprètes viendront ou repartiront tout au long de la présentation. Une oeuvre sur fond de silence ou presque, parce que les parcelles de bruits se feront fort discrètes. Moments difficiles, sûrement, pour ceux ou celles dont le ventre s'exprime sans avertissement, ni contrôle du "propriétaire", tout autour de moi. Une oeuvre lente, acrobatique, mais surtout exigeante pour moi. Le sens ("réflexion sur la vie et la mort et sur des choses en danger, qui pourraient disparaitre à jamais", dixit le feuillet remis) ne m'apparait pas et le propos ne me rejoint pas non plus. Mais, impossible de ne pas apprécier la qualité des mouvements des interprètes qui nous proposent, seul, en duo ou en groupes, des images fort belles. Retour à la maison, en réfléchissant et en me requestionnant sur ma réception de l'oeuvre.
Semaine 2, troisième oeuvre de ce "Dansu", "Namae Ga Nai" de Zan Yamashita avec Kim Itoh. Dans une salle toute remplie de public, le silence se fait et l'interprète arrive, repart brièvement et nous revient pour de bon. Il est habillé pour aller travailler avec son uniforme de peintre et porte un cache-oeil. À gauche et au fond, deux grands panneaux de bois, vierges d'inscriptions, des instruments et des contenants de peinture, tandis qu'à droite une escabeau métallique. Il s'adressera à nous surtout en paroles, mais aussi en gestes, qui captivent. Il entame un propos, devient hésitant, l'interrompt, nous laissant libre intérieurement de le prolonger dans une extrapolation, mais rapidement brisée par la suite. Bien assis sur mon siège, je voyage dans les expéditions de ses univers dont certains sont répétées sans que cela ne gâche mon plaisir, tout au contraire, même !
Photo de ST Spot tirée du site de l'agora de la Danse
Question de clore le propos, il cherche dans la foule un aide et de son oeil perçant, il trouve le volontaire. Et d'un des propos déjà énoncé, il y joint la démonstration physique fracassante.
Il est, selon moi, légitime de se poser la question sur la nature réelle de cette oeuvre et de son appartenance à l'univers déjà fort étendu de la danse contemporaine. À celui qui pourrait se demander ce que peut-être de la danse contemporaine,je retorquerais par une simple question, qu'est-ce qui en est pas ? Il en reste que pour certains, cette oeuvre pourra les interpeller. Pour ma part, encore indécis, mais de cette rencontre je suis fort heureux et satisfait. De cet homme, j'en suis tombé sous le charme. Et à défaut d'avoir été choisi pour lui fournir mes bras, je les aurais utilisé pour l'entourer chaleureusement, une fois les lumières réallumées à la fin.
Il y a quelques années, nous avions eu droit à des débuts de saison nous permettant de découvrir la diversité d'ailleurs, dont la mémorable "Destination Danse" en Catalogne de l'Agora de la Danse en 2008. Avec "Dansu", j'ai eu droit à ce même privilège, celui d'ouvrir mes horizons de spectateur tout en restant dans ma ville. Voilà une belle initiative (merci mesdames Diane Boucher et Maki Miyakubo), qui je le souhaite "fort", sera reprise.
mardi 24 octobre 2017
Sur mes pas au cinéma: "120 battements par minute" dans le coeur d'une autre époque peut-être pas révolue
"120 battements par minute" de Robin Campillo, voilà une oeuvre qui arrive chez nous avec une belle réputation, auréolée par le Grand Prix du Festival de Cannes (2017), des phrases chocs sur son affiche, de nombreuses étoiles des critiques d'ailleurs et d'ici et pourtant ! Après une première semaine à l'affiche au cinéma Beaubien, le film se retrouve relégué dans la plus petite salle. Est-ce le signe d'un certain désintérêt des cinéphiles d'ici pour cette oeuvre qui nous ramène au début des années 1990 durant lesquelles le SIDA faisait son lot de victimes dans la presque indifférence des autorités ? Je ne pourrai pas répondre adéquatement à cette question, mais je pourrais affirmer que c'est une oeuvre essentielle à voir, autant pour son sujet que pour la façon que le réalisateur nous la présente.
C'était, il y a "un siècle " dans l'imaginaire collectif, un mal inconnu faisait de nombreuses victimes parmi les "mal-vus" de la société (homosexuel(le)s, prostitué(e)s, prisonnier(re)s), donc personne pour activer les ressorts politiques d'une société bien pensante et surtout prompte à détourner le regard.
IMAGE FOURNIE PAR MK2 | MILE END sur le site de La presse
Faisant suite au film fort percutant "Les témoins" (2007) d'André Téchiné qui nous présentait les petites histoires dans la grande histoire du SIDA, perçue "comme une peste moderne et honteuse". Une fois l'adversaire connu, il a fallu passer aux modes de défense et à la réplique sur un fond d'indifférence. Et c'est là que nous nous retrouvons dans "120 battements par minute".
Sans trop de préambules, nous découvrons "Act up Paris" et ses "combattants" qui se donnent la mission d'éveiller la conscience populaire. Ses "combattants" de tout horizon et aux motivations fort variables se donnent des règles pour agir. Leurs rencontres hebdomadaires, les R.H., sont fort habilement présentées et nous montrent comment les tensions s'expriment. Mais, le tout s'appuie sur les aspects humains et pour cela les différents interprètes nous le présentent de façon fort crédible. Difficile de ne pas être impressionné par la performance de Nahuel Pérez Biscayart, dans le rôle de Sean, qui est criant de vérité et de crédibilité dans sa lutte pour la cause comme pour sa vie. Et ce n'est pas le seul qui nous permettra d'y croire, à cette fureur de vivre !
Les enjeux et les actions qui nous sont présentés, le sont de façon fort percutantes et nous rappelle encore et toujours que c'est dans l'engagement, malgré nos différences, que les causes peuvent aller de l'avant.
Et pour ceux qui comme moi, pourraient se demander pourquoi ce titre ? Le réalisateur, membre de ce groupe (Act up Paris), nous l'indique. La "house music" fort populaire à cette époque, et présente de façon fort pertinente dans ce film, avait un rythme de 124 battements à la minute.
Le devoir premier de tout citoyen est. selon moi, de prendre soin de tous malgré leur différence, mais surtout des plus faibles, voilà pourquoi, il faut se rendre à une des projections pour se le rappeler.
C'était, il y a "un siècle " dans l'imaginaire collectif, un mal inconnu faisait de nombreuses victimes parmi les "mal-vus" de la société (homosexuel(le)s, prostitué(e)s, prisonnier(re)s), donc personne pour activer les ressorts politiques d'une société bien pensante et surtout prompte à détourner le regard.
IMAGE FOURNIE PAR MK2 | MILE END sur le site de La presse
Faisant suite au film fort percutant "Les témoins" (2007) d'André Téchiné qui nous présentait les petites histoires dans la grande histoire du SIDA, perçue "comme une peste moderne et honteuse". Une fois l'adversaire connu, il a fallu passer aux modes de défense et à la réplique sur un fond d'indifférence. Et c'est là que nous nous retrouvons dans "120 battements par minute".
Sans trop de préambules, nous découvrons "Act up Paris" et ses "combattants" qui se donnent la mission d'éveiller la conscience populaire. Ses "combattants" de tout horizon et aux motivations fort variables se donnent des règles pour agir. Leurs rencontres hebdomadaires, les R.H., sont fort habilement présentées et nous montrent comment les tensions s'expriment. Mais, le tout s'appuie sur les aspects humains et pour cela les différents interprètes nous le présentent de façon fort crédible. Difficile de ne pas être impressionné par la performance de Nahuel Pérez Biscayart, dans le rôle de Sean, qui est criant de vérité et de crédibilité dans sa lutte pour la cause comme pour sa vie. Et ce n'est pas le seul qui nous permettra d'y croire, à cette fureur de vivre !
Les enjeux et les actions qui nous sont présentés, le sont de façon fort percutantes et nous rappelle encore et toujours que c'est dans l'engagement, malgré nos différences, que les causes peuvent aller de l'avant.
Et pour ceux qui comme moi, pourraient se demander pourquoi ce titre ? Le réalisateur, membre de ce groupe (Act up Paris), nous l'indique. La "house music" fort populaire à cette époque, et présente de façon fort pertinente dans ce film, avait un rythme de 124 battements à la minute.
Le devoir premier de tout citoyen est. selon moi, de prendre soin de tous malgré leur différence, mais surtout des plus faibles, voilà pourquoi, il faut se rendre à une des projections pour se le rappeler.
vendredi 20 octobre 2017
Sur mes pas de spectateur: Une très belle rencontre dans un nouveau lieu de diffusion
Un jeudi soir durant lequel l'automne souffrait d'un problème d'affirmation, mes pas m'ont porté en direction d'un lieu fort bien connu pour moi, le Collège Ahuntsic, celui qui a été mon lieu de travail pendant une trentaine d'années. La raison, vous vous demandez ? L'inauguration de l'auditorium réaménagé, il y a quelques années, mais qui, désormais, sera nommé "L'Espace Le vrai monde ?" en l'honneur d'un finissant, Michel Tremblay. Et pour ceux qui comme moi l'ignorait, le nom de ce lieu est celui d'une pièce de théâtre du célèbre dramaturge, mais pas seulement, québécois.
Me voilà donc dans cet espace pour assister, avec "plein de monde", du "vrai monde" de mon Collège à l'officialisation de la chose en présence de Michel Tremblay.
Une fois bien assis, le maître de cérémonie, Michel Marmen, maniant habilement l'humour, met la table sur la suite. En entrée de jeu, il présente la directrice générale, Nathalie Vallée, qui revient sur la génèse et les aboutissants dela désignation du nom de ce lieu de diffusion. Lieu de diffusion dans le nord de la ville (de Montréal) qui se veut tout à fait disponible à la présentation des oeuvres de toutes sortes, théâtre, chant et danse. Ce dernier mot, vous le devinerez, a particulièrement résonné en moi. D'autant que lors du Festival intercollégial de danse, j'ai reçu des commentaires fort positifs d'interprètes professionnels en danse contemporaine, lorsqu'ils ont découvert cette salle.
Après une introduction fort instructive et humoristique de Fabien Ménard, "metteur en scène" pour l'occasion, les interprètes prennent place, toute la place, pour nous faire apprécier la qualité de cette pièce, "Le vrai monde ?", de Michel Tremblay. Il s'en suit une lecture du début de la pièce par des membres du comité de toponymie de "mon" Collège, responsables de cette désignation, (Anne Milot, Martin Doyle, Fabien Ménard, Éric Léveillé) et sa directrice générale, avec pour les didascalies, Laurence Daigneault Desrosiers, qui toutes et tous ont courageusement accepté de nous présenter un extrait, devant son auteur. Court extrait, qui de l'avis général, nous incite a découvrir l'entièreté de cette oeuvre dans ces mêmes lieux prochainement. Une fois fait les applaudissements fort mérités, nous avons droit à l'arrivée sur scène du "héros de la soirée" qui répondra, généreusement et avec grande honnêteté (quinze minutes par question, plutôt que quinze minutes au total) à l'intervieweuse (Laurence Daigneault Desrosiers).
Mais, comme toute bonne chose à une fin, les derniers applaudissements se dissipent dans ce lieu qui verra bien d'autres moments mémorables, j'en suis convaincu.
Pour ma part, je quitte pour mieux revenir, je l'espère fort, pour découvrir des prestations de danse (et autres propositions culturelles) et ainsi devenir une autre de mes destinations culturelles.
Me voilà donc dans cet espace pour assister, avec "plein de monde", du "vrai monde" de mon Collège à l'officialisation de la chose en présence de Michel Tremblay.
Une fois bien assis, le maître de cérémonie, Michel Marmen, maniant habilement l'humour, met la table sur la suite. En entrée de jeu, il présente la directrice générale, Nathalie Vallée, qui revient sur la génèse et les aboutissants dela désignation du nom de ce lieu de diffusion. Lieu de diffusion dans le nord de la ville (de Montréal) qui se veut tout à fait disponible à la présentation des oeuvres de toutes sortes, théâtre, chant et danse. Ce dernier mot, vous le devinerez, a particulièrement résonné en moi. D'autant que lors du Festival intercollégial de danse, j'ai reçu des commentaires fort positifs d'interprètes professionnels en danse contemporaine, lorsqu'ils ont découvert cette salle.
Après une introduction fort instructive et humoristique de Fabien Ménard, "metteur en scène" pour l'occasion, les interprètes prennent place, toute la place, pour nous faire apprécier la qualité de cette pièce, "Le vrai monde ?", de Michel Tremblay. Il s'en suit une lecture du début de la pièce par des membres du comité de toponymie de "mon" Collège, responsables de cette désignation, (Anne Milot, Martin Doyle, Fabien Ménard, Éric Léveillé) et sa directrice générale, avec pour les didascalies, Laurence Daigneault Desrosiers, qui toutes et tous ont courageusement accepté de nous présenter un extrait, devant son auteur. Court extrait, qui de l'avis général, nous incite a découvrir l'entièreté de cette oeuvre dans ces mêmes lieux prochainement. Une fois fait les applaudissements fort mérités, nous avons droit à l'arrivée sur scène du "héros de la soirée" qui répondra, généreusement et avec grande honnêteté (quinze minutes par question, plutôt que quinze minutes au total) à l'intervieweuse (Laurence Daigneault Desrosiers).
Mais, comme toute bonne chose à une fin, les derniers applaudissements se dissipent dans ce lieu qui verra bien d'autres moments mémorables, j'en suis convaincu.
Pour ma part, je quitte pour mieux revenir, je l'espère fort, pour découvrir des prestations de danse (et autres propositions culturelles) et ainsi devenir une autre de mes destinations culturelles.
jeudi 19 octobre 2017
Sur mes pas en danse: À la découverte de bêtes de scènes, gracieuseté de Claudia Chan Tak
L'invitation pour cette soirée dans le programme du Festival Phenomena (à La Sala Rossa) était très claire, " la scène sera envahie par des créatures (artistes de la danse contemporaine) de toutes sortes. Elles laisseront leur animalité sauvage s'échapper férocement de leur corps " et sans retenue, je suis tenté de rajouter.
Photo de Claudia Chan Tak tirée du site du Festival
Ainsi donc, la "grande patronne" du Festival Phenomena, D. Kimm, a invité Claudia Chan Tak à prendre possession de la scène pour une soirée et nous proposer un Cabaret d'animalités sauvages. Un programme prometteur qui a tenu ses promesses avec une longue liste de "bêtes de scène" aux comportements surprenants et parfois déconcertants, incarnés par une belle brochette d'artistes dont David Albert-Toth, Dany Desjardins, Andrew Turner, Philippe Dandonneau et Jossua Collin Dufour, le tout animé, avec humour et doigté, par l'assistante de l'assistante de l'assistante de l'assistante de la directrice du Zoo de Granby, personnifiée par Helen Simard.
Moi, j'arrive tôt, question d'avoir une belle vue sur la scène et, pour cela, c'est mission accomplie. Arrive le moment et la maître de cérémonie, habillée de l'uniforme de l'occasion (de safari) monte sur scène et nous annonce le programme de la soirée.
S'en suit une première partie durant laquelle les "bêtes de scène" prennent toute la place. D'abord, avec sa belle folie contagieuse, Claudia Chan Tak, nous entraîne dans la mise à mort de sa Kitty qui se réincarnera. Tout aussi déjanté que fascinant, le moment captive et divertit. Il est impossible de rester insensible à ce déferlement, surtout quand la chanson de Marjo, "Chat sauvage" résonne dans la place. Impression de spectateur, "ça part fort".
Il s'en suit un numéro fort intrigant, gracieuseté d'Audrée Juteau, qui en entrée de jeu, sous des atours fantomatiques, met à mort, une innocente boîte de carton. Une fois la tâche faite, elle se dévoile pour nous révéler sa nature animale moins plus sage.
La soirée se poursuit avec une suite de tableaux, tout aussi surprenants que déstabilisants qui comble le spectateur audacieux que je suis et plein d'autres.
De cette soirée, j'en retiens la performance intrigante de cette "tortue" (avec son manteau) incarnée par David Albert-Toth, le duo de Philippe Dandonneau et Geneviève Lauzon qui avait un "grirr" félin fort percutant, la parade nuptiale fort convaincante de Jossua Collin Dufour. Mais mon coup de coeur est, sans conteste, la rencontre du "lion" d'Andrew Turner et de son double qui autant par le propos que dans l'interprétation, dans un sens comme dans l'autre, me fait dire "wow !!! ou "wow !!!"
Une soirée qui m'a permis de découvrir de superbes "bêtes de scène" durant laquelle, les artistes ont osé et ont réussi leur pari. Une soirée comme la chanson "In the jungle..."
https://www.youtube.com/watch?v=QvsQ9hYKq7c
Photo de Claudia Chan Tak tirée du site du Festival
Ainsi donc, la "grande patronne" du Festival Phenomena, D. Kimm, a invité Claudia Chan Tak à prendre possession de la scène pour une soirée et nous proposer un Cabaret d'animalités sauvages. Un programme prometteur qui a tenu ses promesses avec une longue liste de "bêtes de scène" aux comportements surprenants et parfois déconcertants, incarnés par une belle brochette d'artistes dont David Albert-Toth, Dany Desjardins, Andrew Turner, Philippe Dandonneau et Jossua Collin Dufour, le tout animé, avec humour et doigté, par l'assistante de l'assistante de l'assistante de l'assistante de la directrice du Zoo de Granby, personnifiée par Helen Simard.
Moi, j'arrive tôt, question d'avoir une belle vue sur la scène et, pour cela, c'est mission accomplie. Arrive le moment et la maître de cérémonie, habillée de l'uniforme de l'occasion (de safari) monte sur scène et nous annonce le programme de la soirée.
S'en suit une première partie durant laquelle les "bêtes de scène" prennent toute la place. D'abord, avec sa belle folie contagieuse, Claudia Chan Tak, nous entraîne dans la mise à mort de sa Kitty qui se réincarnera. Tout aussi déjanté que fascinant, le moment captive et divertit. Il est impossible de rester insensible à ce déferlement, surtout quand la chanson de Marjo, "Chat sauvage" résonne dans la place. Impression de spectateur, "ça part fort".
Il s'en suit un numéro fort intrigant, gracieuseté d'Audrée Juteau, qui en entrée de jeu, sous des atours fantomatiques, met à mort, une innocente boîte de carton. Une fois la tâche faite, elle se dévoile pour nous révéler sa nature animale moins plus sage.
La soirée se poursuit avec une suite de tableaux, tout aussi surprenants que déstabilisants qui comble le spectateur audacieux que je suis et plein d'autres.
De cette soirée, j'en retiens la performance intrigante de cette "tortue" (avec son manteau) incarnée par David Albert-Toth, le duo de Philippe Dandonneau et Geneviève Lauzon qui avait un "grirr" félin fort percutant, la parade nuptiale fort convaincante de Jossua Collin Dufour. Mais mon coup de coeur est, sans conteste, la rencontre du "lion" d'Andrew Turner et de son double qui autant par le propos que dans l'interprétation, dans un sens comme dans l'autre, me fait dire "wow !!! ou "wow !!!"
Une soirée qui m'a permis de découvrir de superbes "bêtes de scène" durant laquelle, les artistes ont osé et ont réussi leur pari. Une soirée comme la chanson "In the jungle..."
https://www.youtube.com/watch?v=QvsQ9hYKq7c
lundi 16 octobre 2017
Sur mes pas au théâtre-danse: Ma rencontre troublante avec un narcissique
Par une belle soirée d'automne, mes pas m'ont porté à la rencontre d'un personnage. Rencontre qui sera appuyée par un propos chorégraphique avec des interprètes que j'aime bien. Voilà donc pourquoi, je me suis retrouvé, première rangée, pour assister à "Last night I dreamt that somebody loved me" d'Angela Konrad avec Éric Bernier et les danseurs-interprètes Marilyn Daoust, Nicolas Patry, Sébastien Provencher et Emmanuel Proulx.
Photo de Le Pigeon tiré du site de l'Usine C
Dans cette grande salle de l'Usine C, j'ai donc fait la rencontre d'un homme dont le narcissime n'a d'égal que le propos qu'il nous propose sur différents tons. Une rencontre qui, au début, s'est avérée difficile, sinon quelque peu pénible, parce que cet homme n'est pas particulièrement sympathique et il n'a aucune intention de le devenir. Ses propos qui ont, au début, des allures de logorrhée verbales et dont la logique s'avère, en entrée de jeu, assez difficile à bien saisir. Mais, comme il m'est arrivé d'autres fois dans la vie, nous nous sommes apprivoisés. D'abord, par les propos qui se répètent et qui me permettent de saisir l'essence sur sa perspective de la vie et de sa relation avec les autres. La répétition du propos est pour moi, une des forces de ce texte. Pour appuyer sa relation avec les autres, il nous interpelle souvent directement, nous spectateurs dans la salle. Il y a aura aussi les "autres", révélateurs de relation, incarnés par les quatre projections de l'autre, trois hommes et une femme, plus interprètes que danseurs. Il y a dans les nuances de leurs gestes et de leurs regards une illustration supplémentaire chez cet homme du mal-être de sa relation avec les autres. Il semble manifestement à la dérive. Il nous force aussi à réfléchir aux aspects fondamentaux de notre propre bonheur existant ou espéré. Question d'appuyer le propos et faire reprendre notre souffle d'attention, nous avons droit à des chansons (avec les paroles projetées sur un écran) des The Smiths. Un moment fort est le tableau fort percutant et assez drôle, dans lequel, il nous relate sa présence à un de leur concert avec un anachronisme fort approprié sur la confiance aux autres.
Pour cette rencontre, j'étais très heureux de me retrouver tout devant, parce qu'elle avait un caractère tout intime et que la proximité avec cet homme rehaussait. Quand, il vient s'assoir dans la pénombre à trois sièges de moi, c'est comme s'ilme parlait à l'oreille. "Last night I dreamt that somebody loved me" est une oeuvre exigeante qui, pour peu que l'on s'y abandonne, laissera sa marque. Et cela est possible grâce à la performance d'Éric Bernier qui navigue autant dans ses émotions que dans les éléments scéniques, tout en étant capable d'appuyer sa prestation par des mouvements de danse fort agréables à regarder.
Photo de Le Pigeon tiré du site de l'Usine C
Dans cette grande salle de l'Usine C, j'ai donc fait la rencontre d'un homme dont le narcissime n'a d'égal que le propos qu'il nous propose sur différents tons. Une rencontre qui, au début, s'est avérée difficile, sinon quelque peu pénible, parce que cet homme n'est pas particulièrement sympathique et il n'a aucune intention de le devenir. Ses propos qui ont, au début, des allures de logorrhée verbales et dont la logique s'avère, en entrée de jeu, assez difficile à bien saisir. Mais, comme il m'est arrivé d'autres fois dans la vie, nous nous sommes apprivoisés. D'abord, par les propos qui se répètent et qui me permettent de saisir l'essence sur sa perspective de la vie et de sa relation avec les autres. La répétition du propos est pour moi, une des forces de ce texte. Pour appuyer sa relation avec les autres, il nous interpelle souvent directement, nous spectateurs dans la salle. Il y a aura aussi les "autres", révélateurs de relation, incarnés par les quatre projections de l'autre, trois hommes et une femme, plus interprètes que danseurs. Il y a dans les nuances de leurs gestes et de leurs regards une illustration supplémentaire chez cet homme du mal-être de sa relation avec les autres. Il semble manifestement à la dérive. Il nous force aussi à réfléchir aux aspects fondamentaux de notre propre bonheur existant ou espéré. Question d'appuyer le propos et faire reprendre notre souffle d'attention, nous avons droit à des chansons (avec les paroles projetées sur un écran) des The Smiths. Un moment fort est le tableau fort percutant et assez drôle, dans lequel, il nous relate sa présence à un de leur concert avec un anachronisme fort approprié sur la confiance aux autres.
Pour cette rencontre, j'étais très heureux de me retrouver tout devant, parce qu'elle avait un caractère tout intime et que la proximité avec cet homme rehaussait. Quand, il vient s'assoir dans la pénombre à trois sièges de moi, c'est comme s'ilme parlait à l'oreille. "Last night I dreamt that somebody loved me" est une oeuvre exigeante qui, pour peu que l'on s'y abandonne, laissera sa marque. Et cela est possible grâce à la performance d'Éric Bernier qui navigue autant dans ses émotions que dans les éléments scéniques, tout en étant capable d'appuyer sa prestation par des mouvements de danse fort agréables à regarder.
dimanche 15 octobre 2017
Sur mes pas en danse: Pour intégrer la communauté grâce à Sarah Dell'Ava
J'ai hésité à faire cette rencontre, mais comment dire en mots, les regrets que je n'aurais pas eu (puisqu'absent) si je n'avais pas assisté à "Danse et communauté" de Sarah Dell'Ava, grâce à Tangente. De cette dernière phrase composée avec plein de négations, je ne peux que la clarifier, j'en suis sorti comblé de cette présentation. Loin des standards habituels de la danse, la chorégraphe nous entraîne dans une démarche décrite, "coeur à coeur, corps à corps", mais qui, selon moi, dépasse les interactions humaines, fort bien présentées d'ailleurs, pour celle de la création de notre monde.
Pour y voir plus clair, je vous présente mon expérience de spectateur. À l'entrée de la salle, nous devons enlever nos chaussures pour prendre place sur le plancher de la salle, soit sur des chaises, tout autour, près des murs de la salle, soit sur des coussins, plus au milieu de la place. Les gens prennent place et moi, j'observe. Il y a parmi nous des interprètes de cette pièce que je reconnais. Une fois la salle "full pleine", les portes se referment et la quinzaine d'interprètes prennent place à tour de rôle au milieu de nous.
Photo de Kiyane Racine et Marie Mougeolle par Sarah Dell'Ava
Peu à peu au rythme de leur coeur, nous les entendons expirer et bouger de plus en plus en phase. Comme si je voyais la création du monde, au premier jour, par leurs pulsations et leurs déplacements. Ce magma originel ou cette première cellule, je suis avec fascination son évolution . Arrive le moment de leur spéciation et là, mes sens (ouïe et vue) de l'observation sont mis à l'épreuve. Parce que, six territoires (ou continents) sont créés, de façon fort différentes et qui sont par la suite habités par des êtres qui s'y exprimeront en gestes, seul ou en duo ou en groupe. Dans ce monde dans lequel les contacts sont essentiels au propos, comme dans la vraie vie, comment tout suivre, devant et derrière moi, voilà le défi du spectateur. Il en reste que je le ressens fort bien et moi qui comme simple spectateur, je me sens interpellé et je voudrais bien y participer.
Mais le tout se passe autour de moi. Arrive le moment que les interprètes viennent à la rencontre des spectateurs et les invitent à prendre place autour de ces territoires habités. D'abord en petit nombre, les invitations incluent à peu près tous les spectateurs, dont moi, fort heureux, à venir participer au rythme de mon coeur aux mouvements collectifs de tous. Difficile de bien décrire ce que je ressens, mais cet organisme originel qui s'est divisé devant moi, il s'est "resolidarisé" au son des chants et au rythme des mouvements de cette collectivité du moment.
Au final, quoi dire de plus que la danse contemporaine peut se décliner de façon fort différente, mais aussi de façon fort surprenante. Elle peut se voir, mais aussi elle peut se vivre. Il peut en émerger des moments de bonheur qui nous laisse une trace au coeur et au corps. Merci Sarah et toute ta gang pour ton travail patient (un an, si mes renseignements sont bons) à créer des moments qui nous montre la direction vers laquelle notre monde devrait aller.
Pour y voir plus clair, je vous présente mon expérience de spectateur. À l'entrée de la salle, nous devons enlever nos chaussures pour prendre place sur le plancher de la salle, soit sur des chaises, tout autour, près des murs de la salle, soit sur des coussins, plus au milieu de la place. Les gens prennent place et moi, j'observe. Il y a parmi nous des interprètes de cette pièce que je reconnais. Une fois la salle "full pleine", les portes se referment et la quinzaine d'interprètes prennent place à tour de rôle au milieu de nous.
Photo de Kiyane Racine et Marie Mougeolle par Sarah Dell'Ava
Peu à peu au rythme de leur coeur, nous les entendons expirer et bouger de plus en plus en phase. Comme si je voyais la création du monde, au premier jour, par leurs pulsations et leurs déplacements. Ce magma originel ou cette première cellule, je suis avec fascination son évolution . Arrive le moment de leur spéciation et là, mes sens (ouïe et vue) de l'observation sont mis à l'épreuve. Parce que, six territoires (ou continents) sont créés, de façon fort différentes et qui sont par la suite habités par des êtres qui s'y exprimeront en gestes, seul ou en duo ou en groupe. Dans ce monde dans lequel les contacts sont essentiels au propos, comme dans la vraie vie, comment tout suivre, devant et derrière moi, voilà le défi du spectateur. Il en reste que je le ressens fort bien et moi qui comme simple spectateur, je me sens interpellé et je voudrais bien y participer.
Mais le tout se passe autour de moi. Arrive le moment que les interprètes viennent à la rencontre des spectateurs et les invitent à prendre place autour de ces territoires habités. D'abord en petit nombre, les invitations incluent à peu près tous les spectateurs, dont moi, fort heureux, à venir participer au rythme de mon coeur aux mouvements collectifs de tous. Difficile de bien décrire ce que je ressens, mais cet organisme originel qui s'est divisé devant moi, il s'est "resolidarisé" au son des chants et au rythme des mouvements de cette collectivité du moment.
Au final, quoi dire de plus que la danse contemporaine peut se décliner de façon fort différente, mais aussi de façon fort surprenante. Elle peut se voir, mais aussi elle peut se vivre. Il peut en émerger des moments de bonheur qui nous laisse une trace au coeur et au corps. Merci Sarah et toute ta gang pour ton travail patient (un an, si mes renseignements sont bons) à créer des moments qui nous montre la direction vers laquelle notre monde devrait aller.
lundi 9 octobre 2017
Sur mes pas au cinéma: Un retour réussi dans notre passé avec "Les rois mongols"
Il arrive dans la vie que l'occasion se présente pour faire devoir de mémoire. Et un peu moins de cinquante ans plus tard, Luc Picard, appuyé par Nicole Bélanger au scénario, nous ramène à l'époque de la Crise d'Octobre que les plus vieux comme moi, avons vécu comme adolescent. L'approche est astucieuse et la façon quelque peu surprenante. C'est en braquant la caméra sur quatre enfants que nous découvrirons le Québec de l'époque des ruelles grenouillantes de vie et de la cigarette omniprésente. Celle aussi de la "Route 11" de Jean-Pierre Ferland, cette époque, donc, pour laquelle les paroles de cette chanson nous proposaient la fuite vers l'avant, "à cent mille à l'heure" vers la liberté face à des contraintes asservissantes du passé. Et cette époque du Québec en ébullition des messes à gogo, des premières télévisions couleur, des prises de risque et de révolution, nous le ressentons bien.
Dans le décor bien campé de cette époque, il y aura une jeune fille (Milya Corbeil-Gauvreau, tellement bonne !) qui pour sauver son petit-frère Mimi (Anthony Bouchard, croquant de vérité) de l'éclatement de leur famille, se lance dans une opération désespérée avec ses deux cousins (Henri Picard et Alexis Guay, à la hauteur !). Le scénario a beau avoir des raccourcis et des invraisamblances, cette histoire nous la suivons avec plaisir et intérêt. Comment résister aux performances tellement crédibles de ces jeunes ? Ce qui est la principale qualité de ce film et pour cela merci, Félixe Ross ?
Au final, un retour dans notre passé avec des jeunes qui méritent que nous les suivions.
Dans le décor bien campé de cette époque, il y aura une jeune fille (Milya Corbeil-Gauvreau, tellement bonne !) qui pour sauver son petit-frère Mimi (Anthony Bouchard, croquant de vérité) de l'éclatement de leur famille, se lance dans une opération désespérée avec ses deux cousins (Henri Picard et Alexis Guay, à la hauteur !). Le scénario a beau avoir des raccourcis et des invraisamblances, cette histoire nous la suivons avec plaisir et intérêt. Comment résister aux performances tellement crédibles de ces jeunes ? Ce qui est la principale qualité de ce film et pour cela merci, Félixe Ross ?
Au final, un retour dans notre passé avec des jeunes qui méritent que nous les suivions.
samedi 7 octobre 2017
Sur mes pas en musique: avec les "Dear Criminals" fort touchants
Vendredi soir, mes pas m'ont porté jusqu'à un endroit que je fréquente très peu, soit le Club Soda. Rien à dire de mal sur cet endroit, mais de la danse, il y en a peu, sinon pas, sur cette scène du boulevard St-Laurent. Mais lorsque l'offre s'est présentée pour assister au concert 3D, "Show en stéréoscopie 3D", j'ai dit oui.
Tirée du site du Club Soda
Il faut expliquer que ma première fois avec eux, remonte, il y a un peu plus d'un an et devinez ? Et oui, c'était durant un spectacle de danse. Celui de Frédéric Tavernini, "Things are leaving quietly, in silence", qui pour le dernier opus de sa compagnie, Clovek & the 420, son chant du cygne, avait décidé d'être accompagné par le duo TwinMuses (les pianistes jumelles Hourshid et Mehrshid Afrakhteh) et du trio Dear Criminals (Frannie Holder, Vincent Legault et Charles Lavoie). Dernier opus pour des raisons, encore plus vraies aujourd'hui, que mentionnait le chorégraphe-interprète, "désabusé par des conditions de création de plus en plus difficile" dans le journal Le Devoir, le 13 mai 2016, signé par Mélanie Carpentier).
La rencontre artistique solennelle m'avait marqué, "S'en suit des moments de danse qui ont toute l'allure d'un chant du cygne noir, celui rejeté par les autres", j'avais écrit. Ce trio avait rehaussé l'intensité de ce moment, avec sa musique tout aussi planante que touchante. Alors, comment ne pas dire oui à cette autre rencontre.
Mes pas m'ont donc amené sur le trottoir boulevard St-Laurent, "quelque peu" à l'avance, pour être certain de pouvoir m'assoir pour apprécier la prestation à venir. Très bonne décision, parce des sièges, il y en aura peu, le balcon étant fermé, because effets visuels à venir, le centre de la salle dépourvu de tout objet permettant de poser son postérieur. Moi, pour apprécier, je dois être assis et je dois bien voir. Et c'est ce que j'ai pu faire, juste à côté d'un des comptoirs de service, le meilleur "spot", selon le serveur, fort sympathique par ailleurs.
Le temps passe, la salle se remplit, jusqu'à l'arrivée du trio, 25 minutes après l'heure annoncée. Reflexe du spectateur que je suis et de bien d'autres autour de moi et dans toute la salle aussi, nous mettons nos lunettes "3D". Ce qui s'avère tout à fait inutile, parce qu'il n'y a que la musique, les voix et les projections 2D qui occupent l'espace. Et pour ceux qui n'ont pas saisi par eux-mêmes, le chanteur leur dit qu'ils bien beaux, mais que leur paire de lunettes est inutile, pour l'instant. Ce qui fait faire à de nombreux spectateurs, dont moi, une réaction de retrait, le plus discret possible. Le public est de toute évidence conquis, mais leur prestation est à la hauteur. Ils réussisent à créer une atmosphère d'intimité avec leur style électro-technique plannant. Et comble de bonheur pour le spectateur que je suis, qui a une très bonne vue sur la scène, la chanteuse accompagne sa prestation de superbes mouvements qui n'ont rien à envier aux interprètes de danse contemporaine. Satisfaire deux sens, la vue et l'ouïe, voilà de quoi faire grand plaisir au spectateur que je suis.
Mais voilà venu le moment, celui de mettre nos lunettes 3D, pour pouvoir rehausser notre expérience. Difficile, sinon impossible de rester insensible à l'addition de cette nouvelle dimension. Ces points, ces flocons, ces traits qui se dirigent droit sur moi, oui, oui !!!, accentuent l'effet et l'intimité du moment. La musique fort belle sait se faire intime dans ce grand espace. Mais le temps passe et le temps de la "dernière chanson" qui, après les forts applaudissements, sera suivie par quelques autres. Et, selon moi, c'est là que le show a vraiment pris son envol, en mettant l'emphase sur la simplicité du rendu. Deux moments forts de ce rappel, d'abord une pièce "unplugged", avec les deux membres qui chantent accompagnés par le troisième à la guitare, sans micro, devant une salle toute silencieuse. Aussi, celui durant lequel le trio "casse" une pièce de leur plus récent opus "Fatale", magique, rien de moins.
Mais le temps passe et la fin se pointe le bout du nez et le groupe quitte la scène. Et moi, je quitte, avec la conviction que de ce groupe, j'en suis vraiment "amateur".
Tirée du site du Club Soda
Il faut expliquer que ma première fois avec eux, remonte, il y a un peu plus d'un an et devinez ? Et oui, c'était durant un spectacle de danse. Celui de Frédéric Tavernini, "Things are leaving quietly, in silence", qui pour le dernier opus de sa compagnie, Clovek & the 420, son chant du cygne, avait décidé d'être accompagné par le duo TwinMuses (les pianistes jumelles Hourshid et Mehrshid Afrakhteh) et du trio Dear Criminals (Frannie Holder, Vincent Legault et Charles Lavoie). Dernier opus pour des raisons, encore plus vraies aujourd'hui, que mentionnait le chorégraphe-interprète, "désabusé par des conditions de création de plus en plus difficile" dans le journal Le Devoir, le 13 mai 2016, signé par Mélanie Carpentier).
La rencontre artistique solennelle m'avait marqué, "S'en suit des moments de danse qui ont toute l'allure d'un chant du cygne noir, celui rejeté par les autres", j'avais écrit. Ce trio avait rehaussé l'intensité de ce moment, avec sa musique tout aussi planante que touchante. Alors, comment ne pas dire oui à cette autre rencontre.
Mes pas m'ont donc amené sur le trottoir boulevard St-Laurent, "quelque peu" à l'avance, pour être certain de pouvoir m'assoir pour apprécier la prestation à venir. Très bonne décision, parce des sièges, il y en aura peu, le balcon étant fermé, because effets visuels à venir, le centre de la salle dépourvu de tout objet permettant de poser son postérieur. Moi, pour apprécier, je dois être assis et je dois bien voir. Et c'est ce que j'ai pu faire, juste à côté d'un des comptoirs de service, le meilleur "spot", selon le serveur, fort sympathique par ailleurs.
Le temps passe, la salle se remplit, jusqu'à l'arrivée du trio, 25 minutes après l'heure annoncée. Reflexe du spectateur que je suis et de bien d'autres autour de moi et dans toute la salle aussi, nous mettons nos lunettes "3D". Ce qui s'avère tout à fait inutile, parce qu'il n'y a que la musique, les voix et les projections 2D qui occupent l'espace. Et pour ceux qui n'ont pas saisi par eux-mêmes, le chanteur leur dit qu'ils bien beaux, mais que leur paire de lunettes est inutile, pour l'instant. Ce qui fait faire à de nombreux spectateurs, dont moi, une réaction de retrait, le plus discret possible. Le public est de toute évidence conquis, mais leur prestation est à la hauteur. Ils réussisent à créer une atmosphère d'intimité avec leur style électro-technique plannant. Et comble de bonheur pour le spectateur que je suis, qui a une très bonne vue sur la scène, la chanteuse accompagne sa prestation de superbes mouvements qui n'ont rien à envier aux interprètes de danse contemporaine. Satisfaire deux sens, la vue et l'ouïe, voilà de quoi faire grand plaisir au spectateur que je suis.
Mais voilà venu le moment, celui de mettre nos lunettes 3D, pour pouvoir rehausser notre expérience. Difficile, sinon impossible de rester insensible à l'addition de cette nouvelle dimension. Ces points, ces flocons, ces traits qui se dirigent droit sur moi, oui, oui !!!, accentuent l'effet et l'intimité du moment. La musique fort belle sait se faire intime dans ce grand espace. Mais le temps passe et le temps de la "dernière chanson" qui, après les forts applaudissements, sera suivie par quelques autres. Et, selon moi, c'est là que le show a vraiment pris son envol, en mettant l'emphase sur la simplicité du rendu. Deux moments forts de ce rappel, d'abord une pièce "unplugged", avec les deux membres qui chantent accompagnés par le troisième à la guitare, sans micro, devant une salle toute silencieuse. Aussi, celui durant lequel le trio "casse" une pièce de leur plus récent opus "Fatale", magique, rien de moins.
Mais le temps passe et la fin se pointe le bout du nez et le groupe quitte la scène. Et moi, je quitte, avec la conviction que de ce groupe, j'en suis vraiment "amateur".
jeudi 5 octobre 2017
Sur mes pas en danse: "La vie attend" ou s'attend quoi de l'homme d'aujourd'hui ?
Pour obtenir mes réponses, mes premiers pas en danse en octobre m'ont porté chez "Danse-Cité" et "La Chapelle" pour découvrir "La vie attend" d'Emily Gualtieri et David Abert-Toth (Parts+Labour_Danse). Pour ce deuxième mercredi de présentation, le lieu est fort achalandé, la mise en liste d'attente des intéressés, des "sans billet", se conclut par un certain nombre de "yeah" à quelques minutes de la présentation. Par conséquent, c'est devant une salle comble, "riche" en gens du milieu de la danse, que viendra se présenter à nous, un des interprètes, Marc Boivin. Il met les gestes de côté, sauf ses bras fort actifs, pour nous entretenir sur son plaisir de nous voir si nombreux, et de ce que sera ou pourra être ce qui suivra. Je le connais fort bon danseur, mais comme acteur-improvisateur, là, il me laisse bouche bée. Ce que je retiens de cette introduction Ça sera un spectacle, on nous le suggère, que seuls peut-être les superlatifs pourront qualifier. Donc, allons-y voir de plus proche.
Photo des chorégraphes tirée du site de Danse-Cité
Arrivent ensemble, les cinq interprètes (Joe Danny Aurélien que je découvre pour la premire fois ici, Marc Boivin, Simon-Xavier Lefebvre, Milan Panet-Gigon et Nicolas Patry) qui dans une suite de tableaux nous présentent des états d'âme, sinon des états d'hommes. Ils le font de façon fort intense, même dans leurs états d'immobilité que les chorégraphes leurs demandent. Comme de vrais hommes (opinion personnelle, je le concède !), ils passent parfois abruptement d'un état à l'autre, sans que le passé, leur laisse de traces, à eux. À moi de suivre, parce que certains de leurs "états d'hommes" contrastent fort et moi, je le réussis. Le tout est relié par leurs propos récurrents sur la très grande qualité de l'oeuvre, "l'oeuvre d'une vie ou l'oeuvre de ma vie !" à un bémol près, comme quoi, la certitude, elle aussi, a son talon d'Achille. Il en reste que lorsqu'ils se mettent à danser ensemble ou seul, j'en retiens, qu'il faut laisser (au propre comme au figuré) la place pour s'exprimer avec les dérives ou les excès que cela peut apporter. Dans certains tableaux, le groupe se fait relais jusqu'à ce que l'unanimité se fasse et les pas, " till the end of the road", s'avèrent fort beaux à voir !!! L'ensemble bien appuyé par la trame musicale de David Drury.
Une oeuvre sur les hommes, avec la touche féminine d'Emily Gualtieri qui présente avec verbes hauts et gestes convaincants, comment les hommes peuvent avoir des personnalités "tout azimuth". Oeuvre aussi qui peut rejoindre le plus grand nombre, à preuve, les chaleureux applaudissements de la fin et les commentaires positifs entendus à la sortie de la salle.
Photo des chorégraphes tirée du site de Danse-Cité
Arrivent ensemble, les cinq interprètes (Joe Danny Aurélien que je découvre pour la premire fois ici, Marc Boivin, Simon-Xavier Lefebvre, Milan Panet-Gigon et Nicolas Patry) qui dans une suite de tableaux nous présentent des états d'âme, sinon des états d'hommes. Ils le font de façon fort intense, même dans leurs états d'immobilité que les chorégraphes leurs demandent. Comme de vrais hommes (opinion personnelle, je le concède !), ils passent parfois abruptement d'un état à l'autre, sans que le passé, leur laisse de traces, à eux. À moi de suivre, parce que certains de leurs "états d'hommes" contrastent fort et moi, je le réussis. Le tout est relié par leurs propos récurrents sur la très grande qualité de l'oeuvre, "l'oeuvre d'une vie ou l'oeuvre de ma vie !" à un bémol près, comme quoi, la certitude, elle aussi, a son talon d'Achille. Il en reste que lorsqu'ils se mettent à danser ensemble ou seul, j'en retiens, qu'il faut laisser (au propre comme au figuré) la place pour s'exprimer avec les dérives ou les excès que cela peut apporter. Dans certains tableaux, le groupe se fait relais jusqu'à ce que l'unanimité se fasse et les pas, " till the end of the road", s'avèrent fort beaux à voir !!! L'ensemble bien appuyé par la trame musicale de David Drury.
Une oeuvre sur les hommes, avec la touche féminine d'Emily Gualtieri qui présente avec verbes hauts et gestes convaincants, comment les hommes peuvent avoir des personnalités "tout azimuth". Oeuvre aussi qui peut rejoindre le plus grand nombre, à preuve, les chaleureux applaudissements de la fin et les commentaires positifs entendus à la sortie de la salle.
lundi 2 octobre 2017
Sur mes pas en danse: Des "Danses buissonnières" audacieuses
Après l'Agora et Danse Danse (et deux belles soirées avec Marie Chouinard), c'était ma journée de rentrée chez Tangente avec la présentation de "Danses buissonnières". Ouvrir la saison avec la relève (ou les créateurs de demain, dixit le feuillet de la soirée), c'est comme, selon moi, ouvrir sur l'avenir, ouvrir sur de nouveaux pas plein de promesses. En simple, très bonne idée. Au programme, cinq oeuvres qui seront à l'image des qualificatifs que l'on retrouve sur leur site internet, "intimiste", "collaboration", "générosité", "inventivité", "prise de risque" et aussi de leur invitation, soit "Envie d'être secoué, dérouté…bouleversé ?" et de la réponse affirmative que l'on peut donner.
En ouverture de programme, "Summertime" de Marie-Pier Laforge-Bourret avec Natacha Viau. Plongée dans le noir, est la scène, jusqu'à ce qu'un projecteur nous montre l'interprète, toute immobile sur le côté gauche. Elle prend le temps de construire les attentes de la rencontre (entre elle et nous) et tout à coup, elle s'agite en mouvements brusques. Dans la suite de ses mouvements et de ses déplacements, nous ressentons une vie intense en montagnes russes. Cette présentation est appuyée par l'interprétation de "Summertime" par Janis Joplin et des extraits d'entrevue de cette chanteuse. Quand il est question d'une vie intense, le choix de cette chanteuse est très approprié. En une dizaine de minutes, le pouvoir d'évocation de cette chorégraphie, en fait un de mes coups de coeur de la soirée.
Courte pause, le temps d'installer dans la noirceur des éléments scéniques pour "No need for blue jeans here" de et avec Aliah Schwartz et Guillaume Loslier-Pinard. Cette pièce, je l'avais déjà vue cet été, au Festival ZH et comme pour la première fois, elle m'a laissé dubitatif. Je n'arrive pas à "embarquer" dans cette exploration de "l'absurdité inhérente à la réalité." Il en reste, je le reconnais, que l'absurdité est présente, la prise de risque aussi. Et comme elle été retenue par un jury de pairs parmi une trentaine de candidatures, cela m'interpelle comme spectateur.
Tout en douceur avec les éléments scéniques, incluant un des interprètes de la présentation qui l'a précédé, Bailey Eng (chorégraphe aussi) arrive doucement et prend possession du lieu à sa façon, avec "Look". Elle prend aussi possession de mon attention avec sa posture inversée, pieds et mains par terre, et qui le restera tout au long des déplacements de sa prestation, ce qui en soit est soi, est impressionnant pour le spectateur que je suis. Elle indique dans le feuillet qu'elle "valorise la virtuosité déguisée" et cette "créature" qui se déplace occupe un tout petit carré, au centre de la scène illuminé par des traits de lumière comme un espace de tic-tac-toe. Cet espace, elle l'investit totalement, jusqu'à ce que les lignes "de son destin" changent et qu'elle se dirige entre deux lignes hors de notre vue vers le côté jardin de la scène, sûrement vers la liberté !
Photo de Bailey Eng prise par Marie-Ève Dion sur le site de Tangente
Entracte, sortie de salle et retour dans la salle. Nous sommes invités à enlever nos souliers et prendre place sur l'espace de prestation pour découvrir "Breach" d'Alexandre Morin. S'y retrouve déjà les quatre interprètes, non les cinq interprètes (Jonathan Goulet, Ivanie Aubin-Malo, Noémie Dufour-Campeau, Chloé Ouellet-Payeur et Simon Renaud), un étant enfoui, sauf le bas d'une jambe, sous un amas d'orques en plastique gonflé. Ils sont immobiles et c'est peu à peu qu'ils se mettront à bouger, avec en accompagnement une musique de "fond marin" et des textes lus sur les orques. Portant attention aux corps devant moi, ils me semblent bouger, tels des êtres inanimés dans les fonds au gré des courants marins. J'ai l'intuition qu'il faut que je reste attentif parce que les choses pourraient évoluer brusquement, tel un ressac. Mais si le ressac ne se pointe pas le bout du nez, chaque orque de plastique trouvera un compagnon et prendront le large, prenant une brèche pour leur liberté et l'ouvrant pour l'homme qui était dessous. Voilà une oeuvre qui demande au spectateur un lâcher prise qui peut s'avérer exigeant, telle une longue plongée en apnée.
Après le retour à nos places dans les estrades et l'installation d'une bâche en milieu de scène, débute "To shovel wings" de et avec Myriam Arseneault Gagnon et Laurence Lapierre, accompagnées par le musicien Patrick Moubarac. Comme, elles nous l'indiquent dans la présentation de leur processus de création, soit "notre recherche gestuelle est une quête d'ascension vers un univers illusoire". Cet univers illusoire, tel la bâche. qui se contracte, se déforme et se modifie par les pas et les mouvements des deux interprètes. Le tout s'accompagne par les sons qui percutent et se répercutent en phase avec ce qui nous est présenté. Elles nous proposent une démonstration de la relativité des lieux et des choses qui nous entourent. Une oeuvre qui m'a donc fasciné et qui a été mon autre coup de coeur de ces Danses Buissonnières 2017.
En ouverture de programme, "Summertime" de Marie-Pier Laforge-Bourret avec Natacha Viau. Plongée dans le noir, est la scène, jusqu'à ce qu'un projecteur nous montre l'interprète, toute immobile sur le côté gauche. Elle prend le temps de construire les attentes de la rencontre (entre elle et nous) et tout à coup, elle s'agite en mouvements brusques. Dans la suite de ses mouvements et de ses déplacements, nous ressentons une vie intense en montagnes russes. Cette présentation est appuyée par l'interprétation de "Summertime" par Janis Joplin et des extraits d'entrevue de cette chanteuse. Quand il est question d'une vie intense, le choix de cette chanteuse est très approprié. En une dizaine de minutes, le pouvoir d'évocation de cette chorégraphie, en fait un de mes coups de coeur de la soirée.
Courte pause, le temps d'installer dans la noirceur des éléments scéniques pour "No need for blue jeans here" de et avec Aliah Schwartz et Guillaume Loslier-Pinard. Cette pièce, je l'avais déjà vue cet été, au Festival ZH et comme pour la première fois, elle m'a laissé dubitatif. Je n'arrive pas à "embarquer" dans cette exploration de "l'absurdité inhérente à la réalité." Il en reste, je le reconnais, que l'absurdité est présente, la prise de risque aussi. Et comme elle été retenue par un jury de pairs parmi une trentaine de candidatures, cela m'interpelle comme spectateur.
Tout en douceur avec les éléments scéniques, incluant un des interprètes de la présentation qui l'a précédé, Bailey Eng (chorégraphe aussi) arrive doucement et prend possession du lieu à sa façon, avec "Look". Elle prend aussi possession de mon attention avec sa posture inversée, pieds et mains par terre, et qui le restera tout au long des déplacements de sa prestation, ce qui en soit est soi, est impressionnant pour le spectateur que je suis. Elle indique dans le feuillet qu'elle "valorise la virtuosité déguisée" et cette "créature" qui se déplace occupe un tout petit carré, au centre de la scène illuminé par des traits de lumière comme un espace de tic-tac-toe. Cet espace, elle l'investit totalement, jusqu'à ce que les lignes "de son destin" changent et qu'elle se dirige entre deux lignes hors de notre vue vers le côté jardin de la scène, sûrement vers la liberté !
Photo de Bailey Eng prise par Marie-Ève Dion sur le site de Tangente
Entracte, sortie de salle et retour dans la salle. Nous sommes invités à enlever nos souliers et prendre place sur l'espace de prestation pour découvrir "Breach" d'Alexandre Morin. S'y retrouve déjà les quatre interprètes, non les cinq interprètes (Jonathan Goulet, Ivanie Aubin-Malo, Noémie Dufour-Campeau, Chloé Ouellet-Payeur et Simon Renaud), un étant enfoui, sauf le bas d'une jambe, sous un amas d'orques en plastique gonflé. Ils sont immobiles et c'est peu à peu qu'ils se mettront à bouger, avec en accompagnement une musique de "fond marin" et des textes lus sur les orques. Portant attention aux corps devant moi, ils me semblent bouger, tels des êtres inanimés dans les fonds au gré des courants marins. J'ai l'intuition qu'il faut que je reste attentif parce que les choses pourraient évoluer brusquement, tel un ressac. Mais si le ressac ne se pointe pas le bout du nez, chaque orque de plastique trouvera un compagnon et prendront le large, prenant une brèche pour leur liberté et l'ouvrant pour l'homme qui était dessous. Voilà une oeuvre qui demande au spectateur un lâcher prise qui peut s'avérer exigeant, telle une longue plongée en apnée.
Après le retour à nos places dans les estrades et l'installation d'une bâche en milieu de scène, débute "To shovel wings" de et avec Myriam Arseneault Gagnon et Laurence Lapierre, accompagnées par le musicien Patrick Moubarac. Comme, elles nous l'indiquent dans la présentation de leur processus de création, soit "notre recherche gestuelle est une quête d'ascension vers un univers illusoire". Cet univers illusoire, tel la bâche. qui se contracte, se déforme et se modifie par les pas et les mouvements des deux interprètes. Le tout s'accompagne par les sons qui percutent et se répercutent en phase avec ce qui nous est présenté. Elles nous proposent une démonstration de la relativité des lieux et des choses qui nous entourent. Une oeuvre qui m'a donc fasciné et qui a été mon autre coup de coeur de ces Danses Buissonnières 2017.
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